von Stephanie Wruck | 20. Mrz. 2023 | Veranstaltungen
Am 22. findet die Alentejo International Biennale statt. Bei der Ausgabe der Veranstaltung, die vom 22. bis 26. März 2023 in Estremoz stattfinden wird, werden mehr als 140 nationale und internationale Künstler aus 15 Ländern anwesend sein, um die Vielfalt der künstlerischen Modelle und Techniken zu gewährleisten Ausdruck zeitgenössisch. Unter so vielen Künstlern wurde eines ihrer Werke für die Ausstellung von Gabriela Albuquerque, Gründungspartnerin von Coletivo Amarelo, ausgewählt.
Nutzlose Landschaft VI, 2021, Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque ist eine brasilianische Künstlerin, die ihre Erfahrungen in verschiedenen Kontexten künstlerisch darstellen möchte. Seine erste Ausbildung absolvierte er in Literatur an der Universität von São Paulo, doch schon bald wechselte er in den Bereich der bildenden Künste, als er an der PUC-SP sein Studium der Kritik und Kuratierung abschloss. Anschließend arbeitete sie kurzzeitig als Kuratorin und Kunstkritikerin in der Stadt São Paulo.
Die Künstlerin zog nach Washington DC, der Hauptstadt der Vereinigten Staaten, und begann ihre praktische Ausbildung als bildende Künstlerin an der Art League-Schule in Alexandria, Virginia. All dies, ohne sein Feld der Kritik und Kuration aufzugeben, indem er aktiv an Gruppen, Treffen und Workshops teilnimmt, die von der Smithsonian Institution und der National Gallery of Art gefördert werden.
Nachdem Gabriela Albuquerque drei Jahre in Virginia gelebt hatte, zog sie nach Seattle im Bundesstaat Washington. In der neuen Stadt trat sie in die Gage Academy of Art ein, wo sie ihre künstlerische Ausbildung fortsetzte.
Derzeit lebt Gabriela in Cascais, Portugal. Die Brasilianerin hat ihre Ausbildung in Malerei am Ar.CO-Studienzentrum abgeschlossen und ist derzeit Teil der NowHere-Studien- und kritischen Überwachungsgruppe unter der Leitung der Kuratorin Cristiana Tejo.
Die Internationale Alentejo-Biennale
Die erste Ausgabe von BIALE wird von ARTMOZ mit Unterstützung des Stadtrats von Estremoz und der regionalen Kulturdirektion von Alentejo organisiert und hat als Partner die Cerveira International Arts Biennial und die National Society of Fine Arts. Zu den Werken internationaler und nationaler Künstler zählen Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle, Skulpturen, Keramiken und Fotografien.
Die Veranstaltung beginnt am 22. März, die Eröffnung ist für 18:30 Uhr geplant. Am Sonntag, 26. März, findet die Abschlusssitzung der Alentejo International Biennale statt.
Wir laden Sie ein, an dieser Veranstaltung teilzunehmen und die Chance zu nutzen, Werke von Künstlern aus 15 Ländern zu entdecken. Darunter auch die Brasilianerin Gabriela Albuquerque, unsere Gründungspartnerin.
von Stephanie Wruck | 6. Februar 2023 | Artikel
Es lässt sich nicht leugnen, dass Kunst und Politik miteinander verbunden sind. Ob aus dem Wunsch des Künstlers, seine Position zum Ausdruck zu bringen, oder aus deren Fehlen, auf die eine oder andere Weise übermittelt Kunst eine politische Botschaft. Einer der dem Menschen innewohnenden Wünsche, der diese Manifestation motiviert, ist das Streben nach Freiheit. Im historischen Kontext Brasiliens wäre dies nicht anders. Schließlich ist die Ausübung von Kunst in Brasilien an sich schon ein politischer Akt. Vor diesem Hintergrund werden wir uns im heutigen Artikel mit der Schnittstelle zwischen Kunst und Politik in der Arbeit brasilianischer Künstler und ihrem Einfluss auf das Land befassen.
Kunst ist Politik!
Kunst ist und war schon immer ein politischer Ausdruck! Es ist sogar möglich, diesen Zusammenhang zu verschiedenen historischen Zeitpunkten zu analysieren. Sei es in der Renaissance, als Gemälde je nach politischer Stellung des Käufers in Auftrag gegeben und ausgeführt wurden. Sei es in einem diktatorischen Moment, in dem Kunst zensiert wird. Kunst ist politisch und künstlerischer Ausdruck hat eine Kraft, ob beabsichtigt oder nicht.
Bei der Schaffung eines Kunstwerks kann sich der Künstler beispielsweise dafür entscheiden, sich gegen das System, gegen Unterdrückung und gegen überholte gesellschaftliche Normen auszusprechen. Es gibt unendlich viele Positionen, die ein Künstler in seiner Arbeit anwenden kann. Ebenso wie es aber auch Künstler gibt, die keine politische Position vertreten wollen, ist die fehlende Meinungsäußerung eine Position für sich.
Anders als viele denken, muss die Verbindung von Kunst und Politik nicht unbedingt pamphletischer Natur sein. Mit anderen Worten: Unterstützen Sie eine Idee radikal und massiv. Die einfache Tatsache, dass bestimmte Künstler sich in ihren Werken ausdrücken und ihre Realität demonstrieren, ist ein politischer Akt.
Wenn wir über Kunst und Politik sprechen, ist es in der Gesellschaft auch üblich, dies als eine Auferlegung von Indoktrination gegenüber dem Betrachter zu verstehen. Die Realität beweist jedoch, dass dies oberflächliches und unbegründetes Denken ist. Denn Kunst ist subjektiv und interagiert mit jedem Einzelnen auf unterschiedliche Weise. Es gibt verschiedene Reize und Wirkungen, die der künstlerische Ausdruck auf den Betrachter auslöst, und ihre Interpretation hängt von seinem kulturellen, politischen und sozialen Hintergrund ab.
Kunst und Politik im brasilianischen Kontext
In Brasilien, einem Land voller Kultur und Vielfalt, ist Kunst ein starkes politisches Instrument. Um dies zu veranschaulichen, zeichnen wir eine Zeitleiste mit verschiedenen Künstlern und ihren Auswirkungen auf die brasilianische Gesellschaft.
Almeida Júnior – Hinterwäldler beim Tabakhacken
Der Künstler lebte im 19. Jahrhundert, genauer gesagt zwischen 1850 und 1899. Almeida Júnior wird meist mit einem Wort in Verbindung gebracht, das als abwertend angesehen werden kann: „caipira“. Diese Beziehung ergibt sich aus der Darstellung des brasilianischen Volkes in seiner Pluralität, wobei der Schwerpunkt auf „einfachen“ Menschen liegt und die Darstellung berühmter und aristokratischer Persönlichkeiten, wie es üblich war, vermieden wird.
Oswald de Andrade – Anthropophagisches Manifest
Die 1920er Jahre sind ein historischer Meilenstein für die brasilianische Kunst. Vor 101 Jahren fand die Woche der Modernen Kunst statt, mit der die modernistische Bewegung im Land ihren Anfang nahm. Einige Jahre später, 1928, veröffentlichte Oswald de Andrade sein Anthropophagisches Manifest. Inspiriert von den Ideen des Künstlers und politischen Aktivisten Filippo Tommaso Marinetti, dem Schöpfer des Futurismus in der Kunst, gründete Andrade eine historische Bewegung.
Der Künstler veröffentlichte sein Manifest in der Zeitschrift Antropofagia in São Paulo mit dem Ziel, Techniken und Einflüsse aus anderen Ländern zu „schlucken“. Auf diese Weise förderte Oswald de Andrade die Schaffung einer neuen brasilianischen künstlerischen Ästhetik.
Die Bewegung erhielt ihren Namen von der Förderung des „Kannibalismus“ der fremden Kultur. Schließlich hat die ausländische Kultur die brasilianische Kunst stark beeinflusst. Das Ziel des Künstlers war es, eine neue brasilianische Identität zu fördern, multikulturell und originell, genau wie seine Menschen.
Tarsila do Amaral – Abaporu
Abaporu, eines der berühmtesten Gemälde der gefeierten brasilianischen Künstlerin, steht im Anthropophagischen Manifest im direkten Dialog mit der Arbeit ihres Mannes Oswald de Andrade.
Das Gemälde zeigt einen sitzenden Mann mit unverhältnismäßigen Gliedmaßen, vergrößerten Füßen und Händen und einem im Vergleich zum Rest des Körpers winzigen Kopf. Darüber hinaus verstärken die Sonne im Zentrum des Gemäldes und die Darstellung eines Kaktus die Idee, die wir aus dem Gemälde verstehen können.
Das Werk gilt als eine Kritik an der körperlichen Arbeit, erschöpfend und mit wenig kritischem Denken, die die Realität eines großen Teils der damaligen Bevölkerung widerspiegelt. Das Gemälde wurde 1928 gemalt und markiert die anthropophagische Phase des Künstlers, die bis 1930 andauerte.
Kunst und Politik während der Militärdiktatur in Brasilien
In den Jahren 1964 und 1985 erlebte Brasilien die Militärdiktatur, eine dunkle und repressive Zeit. Es gab fast 30 Jahre militärischer Unterdrückung und Künstler gehörten natürlich zu den großen Klassen, die von der Diktatur betroffen, verfolgt und zensiert wurden.
Kunst als Politik hat nicht geschwiegen, im Gegenteil. Selbst in einer Zeit der Zensur nutzten viele Künstler ihre Arbeit zur Förderung der Meinungsfreiheit, was jedoch zunehmend zum Schweigen gebracht wurde.
Wir haben einige der Künstler ausgewählt, die im Kampf gegen ein unterdrückerisches und diktatorisches System herausragten:
Cildo Meireles – Abweichung zum Roten
Cildo Meireles ist ein brasilianischer Künstler, der für seine Pionierarbeit bei der Schaffung von Kunstinstallationen im Land bekannt ist. Während der Diktatur bewies der Künstler eine starke politische Haltung, die wir in seiner Installation „Desvio para o Vermelho“ (1967 – 1984) analysieren können. Die Installation ist durch diese beiden Daten gekennzeichnet, da sie das Jahr ihrer Entstehung (1967) und das Jahr ihrer ersten Montage (1984) markiert.
Das Werk ist in drei rot gestrichene und miteinander verbundene Räume unterteilt. In der ersten Umgebung, Imprägnierung, befinden wir uns in einem weißen Raum voller Möbel und Arbeiten in Rottönen. Im Gegensatz dazu steht das schwache Licht von Entorno, der zweiten Umgebung, wo man eine umgestürzte Flasche beobachten kann, in der eine rote Flüssigkeit in einer völlig dunklen Umgebung fließt. In der letzten Umgebung, Desvio, führt das Geräusch von fließendem Wasser den Betrachter in einen völlig dunklen Raum. Die Dunkelheit wird nur durch ein seltsames Waschbecken unterbrochen, in dem rotes Wasser fließt und Lärm erzeugt.
Hélio Oiticica – Tropicália
Tropicália ist ein Begriff, der vom Künstler Hélio Oiticica geschaffen wurde und in einer Installation vertreten ist, die 1967 auf der Ausstellung Nova Objetivide Brasileira im Museum für Moderne Kunst in Rio de Janeiro ausgestellt wurde. Das Werk ist eine Umgebung bestehend aus Penetráveis, PN2 (1966) – Pureza É a Myth und PN3 (1966-1967) – Bilder. Dies war das Werk, das die ästhetische Schöpfung der Tropicalista-Bewegung zwischen den 1960er und 1970er Jahren inspirierte.
Das Werk ist reich an typischen Elementen der brasilianischen Populärkultur, wie unter anderem Sand, Erde, tropische Pflanzen, Stoffe. Alle diese Elemente zusammen untergruben die ästhetische Ordnung der europäischen Moderne.
Anna Maria Maiolino – „Was übrig bleibt“
Durch politische und provokante Arbeiten erkundete die italienisch-brasilianische Künstlerin Anna Maria Maiolino verschiedene Materialien und Ausdrucksmittel. In diktatorischen Zeiten waren die Fragen immer präsent: „Wie spricht man?“ Wie kommuniziert man in Zeiten der Diktatur?“
Diese Zweifel kommen im Werk des Künstlers zum Ausdruck, etwa in der Fotografie „O que Sobra“ (1974), die eine Frau mit entblößter Zunge zwischen einer Schere zeigt. Durch ihre Kunst stellt die Künstlerin Fragen!
Adriana Varejão
Der Künstler hat eine einzigartige Vision und Werke. Seine Arbeit beginnt mit einer Frage: „Was wäre, wenn die Wände Eingeweide, Muskeln und Blut hätten?“ Adriana Varejão gehört zu den bedeutendsten Namen der brasilianischen zeitgenössischen Kunst und hat im Inhotim, dem größten Freilichtmuseum der Welt in Brumadinho, Minas Gerais, einen Pavillon, der ihrer Arbeit gewidmet ist.
Im Zentrum seiner Arbeit steht jedoch nicht nur die Idee von Wänden, die menschliche Eingeweide simulieren. In ihren bei Inhotim ausgestellten Werken kritisiert die Künstlerin die Wunden, die die brasilianische Geschichte hinterlassen hat.
Regina Parra
Die Künstlerin drückt ihre Kunst durch Malerei, Fotografie und Video aus, mit einem starken politischen Charakter, der mit aktuellen Fragen des Feminismus und des Überlebens in einem Universum verbunden ist, das immer noch frauenfeindlich und sexistisch ist. Regina Parra thematisiert in ihren Arbeiten Themen wie Unterdrückung, Ungehorsam und weiblichen Widerstand.
Kunst und Politik im aktuellen Szenario in Brasilien
Die brasilianische Politik war gelinde gesagt mit Brüchen konfrontiert. Vier Jahre lang herrschte eine Regierung, die offen gegen den künstlerischen Ausdruck war. Gleich zu Beginn der Amtszeit des ehemaligen Präsidenten wurde das Kulturministerium abgeschafft, der audiovisuelle Sektor abgeschafft und die Kunst entmutigt.
Das Jahr 2023 begann mit dem Wechsel dieser Regierung, doch der Übergang verlief nicht reibungslos. Der derzeitige Präsident Brasiliens, Luís Inácio Lula da Silva, trat am 1. Januar sein Amt an und nur eine Woche später drangen Anhänger des ehemaligen Präsidenten in die Gebäude der drei Mächte in Brasília ein. Die von einer organisierten Gruppe verübten Terroranschläge hinterließen ein verheerendes Bild.
Das öffentliche Erbe des Landes wurde zerstört oder beschädigt, darunter auch unschätzbare Kunstwerke. Zu den Verlusten gehört das Gemälde As Mulatas von Di Cavalcanti. Es handelt sich um eine horizontale Tafel mit großer Betonung auf vier weiblichen Figuren, die über einer großen Landschaft arbeiten. Es handelt sich um Frauen mit bräunlicher Hautfarbe, Mischlinge und Mulattinnen.
In diesem Gemälde verwendet die Künstlerin die gleiche Logik wie Almeida Júnior, die darin besteht, marginalisierten und sozial unterdrückten Figuren Protagonisten zu geben, die aber den Kern des Funktionierens unseres sozialen Gefüges bilden. Das auf 8 Mio. R$ geschätzte Werk befand sich im Edlen Saal des Palácio do Planalto und hatte sieben Risse auf der Leinwand.
Neben Di Cavalcantes gefeierten Werken wurden bei den Terroranschlägen vom 8. Januar 2023 mehrere Kunstwerke getroffen und zerstört.
Die Zerstörung dieses Erbes durch Extremisten beweist, dass Kunst politisch ist! Es beweist, dass Kunst tatsächlich notwendig ist. Schließlich erzeugt die brasilianische Realität, die mit der Absicht ausgedrückt wird, sich ihr zu stellen, selbst beim Laien Unbehagen. Kunst ist politisch und wird es immer sein, egal wie viele Gegenkräfte auftauchen.
von Stephanie Wruck | 22. November 2022 | Neuer Künstler
Wie lernt man etwas über Kunst? Diese etwas subjektive Frage wird von einem der neuesten Künstler bei Coletivo Amarelo, Gianlluca Carneiro, beantwortet. Der brasilianische Künstler und Lehrer engagiert sich direkt in Bürgerschafts- und Ethikprojekten und hat im Klassenzimmer Wege gefunden, seine Schüler durch Bildung durch Kunst an Politik heranzuführen.
Lernen Sie Gianlluca Carneiro und seine Vision zur Kunsterziehung kennen
In seinem Portfolio erzählt Gianlluca einen kleinen Teil seiner Geschichte. Der in Minas Gerais, Brasilien, geborene bildende Künstler ist außerdem Geschichtslehrer an der städtischen Schule von Cariacica in Espírito Santo. Darüber hinaus verfügt Gianlluca über einen Abschluss in Rechtswissenschaften und studierte Kunst und Pädagogik an der CEFART in Belo Horizonte.
Schon in sehr jungen Jahren, genauer gesagt ab seinem 6. Lebensjahr, zeigte sich Gianlluca durch die Malerei als Künstler. Seitdem hat er mehr als 20 Jahre damit verbracht, seine Kunst auf verschiedenen Ausstellungen in Minas Gerais, São Paulo und Espírito Santo zu zeigen. Ganz zu schweigen von Veröffentlichungen in national und international renommierten Magazinen und Ausstellungen, wie etwa seinem Werk „Humor Azul, Coração Azul“, das Finalist der Doncaster Art Fair war.
Gianlluca Carneiro nennt sein künstlerisches Universum Cabeça Vazia, eine Anspielung auf das beliebte Sprichwort „leerer Kopf, die Werkstatt des Teufels“. In seinen eigenen Worten: „Wichtig ist, dass dieser leere Kopf voll ist und damit beschäftigt ist, Werke mit Farben, Linien und farbenfrohen und chaotischen Kompositionen zu produzieren, die immer von Kritik an politischen und sozialen Strukturen und der zeitgenössischen Lebensweise getragen werden.“
Der zeitgenössische Künstler ist mit den neuesten Diskussionen auf der ganzen Welt verbunden. Einer davon ist, wie wichtig es ist, das aktuelle künstlerische Ausbildungssystem zu überdenken.
Documenta 15
Die Documenta ist eine der größten Ausstellungen zeitgenössischer Kunst weltweit und findet alle fünf Jahre in der Stadt Kassel statt. Die Ausstellung wurde 1955 von Arnold Bode im Nachkriegsdeutschland ins Leben gerufen. Ein Teil seiner Motivation entstand aus der Notwendigkeit, die vom Nationalsozialismus verbotene Kunst wiederzubeleben und das Land wieder an die neuesten internationalen Trends heranzuführen. Seitdem hat sich die Ausstellung Documenta 15 zu einer sehr wichtigen Institution in der Kunstwelt entwickelt.
Im Jahr 2022 fand die 15. Ausgabe der Ausstellung statt, kuratiert vom Ruangrupa-Kollektiv aus Jakarta, Indonesien. Das Kollektiv basierte auf der Documenta auf den Werten und Ideen eines in Indonesien sehr gebräuchlichen Begriffs: Lumbung, was so viel wie „gemeinschaftlicher Reisspeicher“ bedeutet. Die Idee, diesen Begriff als künstlerisches und wirtschaftliches Leitbild zu nutzen, basiert auf Prinzipien wie Kollektivität, der gemeinsamen Konstruktion von Ressourcen und deren gerechter Verteilung.
In dieser Ausgabe fanden mehrere Punkte Anklang und einer von ihnen steht im direkten Dialog mit der Kunst und aktiven Positionierung von Gianlluca Carneiro, die darin besteht, die Strukturen der zeitgenössischen künstlerischen Ausbildung neu zu denken. In der Ausstellung wird dies aus der Idee des Kollektivs übersetzt und die Frage gestellt, warum wir nicht voneinander lernen und Paradigmen wie die Autoritätsfigur des Lehrers brechen können.
Diese Idee der Transformation der Bildung kommt in der Documenta 15 durch die Kunst von *foundationClass zum Ausdruck, einem 2016 an der Weißensee Kunsthochschule Berlin (KHB) gegründeten Kollektiv. Das Kollektiv entstand als Bildungsplattform für Kunst und als Toolkit, um das Leben von Einwanderern, die von Rassismus in Deutschland betroffen sind, zu erleichtern.
Um tiefer in dieses Konzept der kollektiven künstlerischen Bildung einzutauchen und den Künstler besser kennenzulernen, führte Coletivo Amarelo ein Interview mit Gianlluca Carneiro. Lesen Sie einen Auszug aus unserem Gespräch, das wir mit einer Rede des Künstlers eröffnet haben, die all diese Gedanken hinter der künstlerischen Ausbildung und dieses unerforschte Potenzial vereint.
Gianlluca: Ich sehe bei meinen Schülern großes künstlerisches Potenzial, das in der Schule nicht so sehr ausgeschöpft wird, und versuche als Lehrer und Künstler, ihnen dieses jederzeit nahezubringen. Was mitbringen? Wir bringen Ideen ein, um etwas in ihnen zu wecken, und entmystifizieren die Vorstellung, dass es Kunst nur in Museen gibt, während wir in Wirklichkeit ständig Kunst machen. Und nutzen Sie dies, um über Politik zu diskutieren
Gelbes Kollektiv: Gibt es innerhalb der Schule Hindernisse bei der Einführung dieser neuen Modelle? Was ist der Widerstand?
Gianlluca: Das Verrückteste an der ganzen Sache ist, dass ich Teil eines Projekts namens „Ensina Brasil“ bin, das auf Bereiche mit sozialer Verwundbarkeit abzielt, und durch Zufall in eine Schule geraten bin, in der es Militärpersonal gibt. Für einen Moment dachte ich, das wäre ein Hindernis, aber es gelingt mir, das Thema Politik tiefergehend anzusprechen, ohne oberflächliche Reden und auch ohne Parteilichkeit. Aber seltsamerweise erleichtert dies mithilfe von Kunst sogar den Prozess innerhalb der Schule.
Gelbes Kollektiv: Die Figur des Lehrers ist ein Ort des Trostes, der Sicherheit, wo „es keine dummen Fragen gibt“, ein weniger einschüchternder Raum … Welchen Rat würden Sie als Lehrer denjenigen geben, die mit dem Kunstschaffen beginnen und mehr über Kunst lernen möchten? , aber nicht. Wissen Sie, wo Sie anfangen sollen, oder sind Sie vielleicht schüchtern?
Gianlluca: Die Distanz zur Kunst kommt manchmal von sehr komplexen Sprachen, die wir Menschen nur schwer näher bringen können ... Ich gebe Ihnen ein Beispiel für etwas, das mir diese Woche passiert ist. Als ich in der Schule an einem Kunstwettbewerb teilnahm, betonte ich, dass es einen Preis geben würde, dieser aber nicht dazu dienen sollte, diesen aggressiven Wettbewerb anzuregen, sondern vielmehr die Kreativität anzuregen.
Einer meiner Sonderschüler hat Glasaugen, Sehbehinderung und hat den Zeichenwettbewerb gewonnen. Es war ein Außenstand, sein Lächeln war unglaublich. Eine andere Studentin mit sehr geringem Selbstwertgefühl gewann den Malwettbewerb und konnte nie sehen, was sie tat. Ich habe immer gesagt, dass alles, was ich gemacht habe, Scheiße war ... Das hat mir wieder einmal gezeigt, dass Kunst das ist, was wir auf möglichst authentische Weise tun.
Der Anfang ist in der Tat kompliziert, aber heute haben wir so viele neue Wege, Kollektive wie Coletivo Amarelo, alternative Vorschläge, Orte, die uns offener aufnehmen und uns ermutigen, Dinge zu tun. Dies ist für diejenigen, die anfangen, Kunst zu machen, sie zu konsumieren und davon zu leben. Egal wie banal es auch sein mag, das Geheimnis besteht darin, sein ganzes Spiel zu spielen.
Gelbes Kollektiv: Was Sie gesagt haben, dass es heutzutage so viele Tools und Informationen gibt, ist manchmal auch beängstigend. Weil es vielleicht dazu führt, dass die Person ein wenig unsicher ist, wo sie anfangen soll, oder dass sie nicht versteht, wo sie in all das hineinpasst ... Und am Ende vergessen wir, dass das Schaffen von Kunst ein langer Prozess ist, der Zeit braucht und eine langsame Verdauung erfordert. Der Prozess des Künstlers, dort zu verweilen und darauf zu warten, dass etwas passiert, ist manchmal äußerst einsam und äußerst verwirrend.
Gianlluca: Es ist ein Prozess, der lange dauert. Und wir machen es nicht für eine Galerie, wir machen es, weil es gemacht werden muss. Ich bin ein bisschen verrückt ... Ich habe mein Skizzenbuch, meine Kritzeleien ... und die Ideen kommen, die Farben, die Formen, und von dort aus experimentiere ich. Meistens kommt es nicht dort an, wo ich es haben möchte. Es gibt Schichten, die sich aufbauen, und ich habe keine Angst, ich plane nicht zu viel, mir geht es mehr um Action.
Exklusive Werke von Gianlluca sind in unserem Shop erhältlich, schauen Sie sich diese an!
