von Stephanie Wruck | 10. November 2021 | Neuer Künstler
GEBIET
Juliana Matsumura ist Brasilianerin und lebt derzeit in Lissabon. Er schloss sein Studium der Zeichnung an der Escola Ar.Co ab und absolvierte einen Abschluss in Textil und Mode an der USP. Der Künstler ist Mitglied von Risco Coletivo, einem Kollektiv zeitgenössischer Zeichenpraktiken. Die Zeichnung ist sein wichtigstes Ausdrucksmittel und zu seiner Umsetzung nutzt er verschiedene Werkzeuge wie Gravur, Fotografie und Malerei. Die hier vorgestellte Serie ist Teil seiner Arbeit „Memórias da Água“, die den engsten Kontakt mit seiner japanischen Abstammung und seinem Werdegang als brasilianischer Einwanderer in lusitanischen Ländern thematisiert. Die Unbekanntheit fremder Territorien wird durch diffuse Töne wie dunkle Flecken sichtbar. Die Formen ähneln verschwommenen Erinnerungen, die mit den Erwartungen verschmelzen, die mit dem Migrationsprozess einhergehen. Juliana ist in der Lage, neue Gebiete zu entwerfen, in denen das Gewicht der Abstammung und die Neuheiten, die sich aus neuen Erfahrungen ergeben, gleichzeitig präsent sind.
- Flüsse, die zu gemeinsamen Territorien führen und gleichzeitig Erinnerungen an verlorene Vorfahren in sich tragen;
- Der Fluss des Wassers ist für die Veränderung seiner Umgebung verantwortlich.
von Stephanie Wruck | 10. November 2021 | Neuer Künstler
Verschiebung
Natália Loyola hat einen Abschluss in Sozialkommunikation und Journalismus und strebt einen Master-Abschluss in an Anthropologie – Visuelle Kulturen an der Universidade Nova de Lisboa. Sein Forschungsschwerpunkt liegt auf der Beobachtung der Orte, die er bereist, insbesondere innerhalb städtischer Landschaften. Seine Fotografien fungieren als Bildkonstruktion territorialer Markierungen seines eigenen Migrationsprozesses, die sich alle in seinen Interaktionen mit der Stadt selbst und ihren Bewohnern zeigen. Natálias sensible Wahrnehmung basiert auf Dualitäten wie: Bewegung vs. Ruhe; Nomade vs. sesshaft; echt vs. imaginär und erweckt ein Gefühl der Vertrautheit in Bezug auf die Themen jedes Bildes. Die präsentierten Werke spiegeln die Auseinandersetzung des Künstlers mit Verdrängung als Übung der Körperkritik wider. Natália lebt in Almada und arbeitet auf der ganzen Welt.
- Gehen als kritische körperliche Praxis;
- Die Übung, aus dem Alltag einen Ort zu machen;
- Kartieren Sie imaginäre Felder durch die Aneignung physischer Räume.
von Stephanie Wruck | Okt. 31, 2021 | Veranstaltungen
Am Samstag, 20. November, um 17 Uhr unterhalten wir uns mit Natália Loyola und Roberta Goldfarb über ihre individuellen Praktiken und Werke, die in der Ausstellung präsentiert werden.
Besuchen Sie uns bei Fábrica Braço de Prata!
von Stephanie Wruck | Okt. 31, 2021 | Veranstaltungen
Coletivo Amarelo hat die Ehre, seine Eröffnungsausstellung anzukündigen Umfeld in Lissabon!
Eröffnung: 13. November in der Fábrica Braço de Prata, Beginn um 19 Uhr im zweiten Stock.
Dies ist die erste physische Ausstellung des Kollektivs, nachdem es ein Jahr lang ausschließlich digital gearbeitet hat. Die Ausstellung markiert die Rolle von Coletivo Amarelo im kulturellen und künstlerischen Panorama der Stadt Lissabon und präsentiert die Werke von Künstlern aus verschiedenen Teilen der Welt.
Entorno präsentiert die Arbeiten von sieben Künstlern: Juliana Matsumura, Eduardo Dias, Osias André, Gabriela Albuquerque, Martim Meirelles, Natália Loyola und Roberta Goldfarb. Die präsentierten Werke entfalten eine Reihe von Dialogen, die von einem roten Faden geprägt sind: unserer Umgebung.
Die Ausstellung untersucht, wie diese Künstler ihre Praktiken nutzten, um ihre greifbare Umgebung zu analysieren und den Betrachtern die Möglichkeit zu geben, mit Variationen desselben Konzepts zu interagieren. Die Arbeiten wurden in fünf Unterkategorien unterteilt: Beobachtung, Verschiebung, Territorium, Dokumentation und Vergänglichkeit. Obwohl die Welt im Jahr 2020 die Motoren menschlicher Abläufe drastisch auf ein im Wesentlichen virtuelles Leben umgestellt hat, sind die „realen“ Umgebungen, die uns umgeben, immer noch diejenigen, die unsere Erfahrungen am meisten beeinflussen. Im Zentrum der Ausstellung steht die individuelle Fähigkeit der Künstler, die Körperlichkeit ihrer Umgebung in einen Rahmen zu fassen. Jedes Werk ist eine Reaktion auf die visuelle Ebene, die zu einem bestimmten Zeitpunkt in Zeit und Raum existierte, und überschreitet die eigenen Disziplingrenzen (Malerei, Fotografie und Videoinstallation), um den Betrachter einer gemeinsamen Umlaufbahn näher zu bringen.
Ob durch die Beobachtung der Zeit, die Verschiebung des Körpers und der Identität, die Wiederentdeckung eines verlorenen Territoriums, die Dokumentation von Erfahrungen oder die Vergänglichkeit des Lebens – die präsentierten Werke dienen als Versuch, eine reflexive Landschaft der Realität zu konstruieren.
ÜBER DIE KÜNSTLER:
Osias André
Osias André, geboren in Mosambik, wanderte vor vier Jahren nach Portugal aus, wo er drei Stipendien der unabhängigen Kunstschule Ar.Co gewann, einer Institution, die sich dem Experimentieren und der künstlerischen Ausbildung widmet. Osias begann im Alter von acht Jahren zu malen und begann seine künstlerische Karriere mit grafischer Illustration und der Erstellung einer Büchersammlung. Für ihn erfordert die Malerei eine langsamere und indirektere Verdauung. Die hier präsentierten Gemälde sind mit ihren afrikanischen Ursprüngen verbunden und spiegeln gleichzeitig Osias' Identitätssuche wider, die in einer traditionellen europäischen Atelierpraxis durchgeführt wurde. Osias lebt und arbeitet derzeit in Lissabon.
Juliana Matsumura
Juliana Matsumura ist eine brasilianische Künstlerin, die derzeit in Lissabon lebt und arbeitet. Er schloss sein Designstudium an der Escola Ar.Co ab und studierte Textil und Mode an der Universität von São Paulo. Der Künstler ist außerdem Mitglied von Risco Coletivo, einem Kollektiv zeitgenössischer Zeichenpraktiken. Das Zeichnen steht im Mittelpunkt seiner Praxis und verwendet verschiedene Werkzeuge wie Gravur, Fotografie und Malerei. Juliana lebt und arbeitet derzeit in Lissabon.
Natalia Loyola
Natália Loyola hat einen Abschluss in Sozialkommunikation und Journalismus und schließt außerdem ihren Master in Anthropologie – Visuelle Kulturen an der Universidade Nova de Lisboa ab. Seine Forschung konzentriert sich hauptsächlich auf die Beobachtung der Orte, die er bereist, insbesondere städtische Landschaften. Natálias Fotografien sind eine Konstruktion territorialer Markierungen ihres eigenen Migrationsprozesses, die alle durch ihre Interaktionen mit der Stadt selbst und ihren Bewohnern sichtbar werden. Natália lebt und arbeitet derzeit in Almada, Portugal.
Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque ist eine brasilianische Künstlerin, die in Cascais arbeitet und lebt. Sein aktueller Forschungsschwerpunkt liegt auf wiederkehrenden Landschaften und Entwicklungen jenseits der historischen akademischen Tradition dieses Genres. Die geradezu zwanghafte Wiederholung von Bildern versucht, das Paradoxon zwischen der Beständigkeit und Vergänglichkeit unserer Umgebung, des uns Vertrauten, aber auch Vergänglichen, hervorzuheben. Die Wahl der Ölfarbe als Träger, die einer jahrhundertealten Tradition folgt, stellt die Kontinuität bestimmter Praktiken in Frage, die trotz ständiger Innovationen fortbestehen. Gabrielas Werk spannt die Tradition der Ölmalerei im Kontext zeitgenössischer Kunst.
Eduardo Dias
Eduardo Dias ist ein Biologe aus São Paulo, Brasilien und arbeitet derzeit an der Universidade Presbiteriana Mackenzie als Labortechniker am Biosciences Research Center. Seine Praxis führt ihn unter anderem in brasilianische Biome wie das Pantanal, den Cerrado, den Atlantischen Regenwald, und die Fotografie spielt auf seinen Reisen eine wichtige Rolle. Er nutzt es als Werkzeug, um seiner Fantasie freien Lauf zu lassen, aber auch als Mittel, um ein didaktisches Repertoire zu schaffen, in dem sein Wissen über Biologie mit Kunst verschmilzt.
Martim Meirelles
Martim Meirelles ist ein amerikanischer Fotograf, der in New York lebt und arbeitet. Als Nachkomme eines Portugiesen lebt Martim zwischen den USA, Portugal und Mosambik. Seine fotografischen Recherchen dokumentieren Menschenleben, die am Rande des wirtschaftlichen Wohlstands leben und denselben portugiesischen Sprachstamm haben. In seinem Werk liegt der Schwerpunkt auf Schönheit, Schmerz und Freude und unterstreicht die Fähigkeit des Künstlers, sich jedem Thema mit tiefer visueller Sensibilität zu nähern. Die hier präsentierten Fotografien sind das Ergebnis eines einjährigen Aufenthalts im Waisenhaus Madre Maria Clara in Mosambik im Jahr 2017 und auch eines künstlerischen Aufenthalts in Nazaré im Jahr 2014.
Roberta Goldfarb
Roberta Goldfarb ist eine brasilianische Künstlerin, die derzeit in Lissabon lebt und arbeitet. Sie hat einen Abschluss in Werbung (FAAP, 2001) mit Schwerpunkt Fotografie von Senac (São Paulo), La Escuela de la Imagen y el Diseño und Centre Cívic Pati Llimona (Barcelona) sowie dem International Center of Photography (New York). Ihre Forschung basiert auf dem Wunsch der Künstlerin, physische Objekte und Erfahrungen zu sammeln und zu katalogisieren, die sonst in der Erinnerung verloren gehen würden. Roberta baut Gefühls- und Bedeutungssphären auf, indem sie zeigt, was sie mit ihren Augen sieht. Zu den Ausstellungen, an denen er teilnahm, gehörten „Dizer Fazer“ (Ateliê RG, SP, 2014), „Enquanto Tempo“ (Oficina Oswald de Andrade, SP, 2014), Clube dos Colecionadores (NowHere, Lissabon, 2020) und die Einzelausstellung „Aufstände, Windböen oder Pläne, die Welt zu sehen“ (Ateliê RG, SP, 2014) und „Präambeln für eine Geschichte der Welt“ (Galeria Rabieh, SP, 2012). Derzeit nimmt er an der Gemeinschaftsausstellung „Pedágio de Mim – Foco Brasil“ (Kein Museum, Lissabon) teil.
Kuratiert von Stephanie Wruck
Um den vollständigen Ausstellungskatalog zu erhalten, senden Sie uns eine E-Mail an: contact@coletivoamarelo.com
von Stephanie Wruck | Aug. 19, 2021 | Artikel
Wahrnehmung:
Wirkung der Wahrnehmung, des Verstehens der Bedeutung von etwas durch die Sinne.
Die Beobachtung dessen, was uns umgibt, geschieht jeden Tag automatisch und unmittelbar, unabhängig von den Räumen, in denen wir uns befinden; ob im Museum, zu Hause oder beim Spaziergang durch die Straßen der Stadt. Basierend auf diesen Beobachtungen ist es möglich, bestimmten Situationen und Umständen Bedeutungen zuzuordnen.
Welche Vorteile hat es, ausgehend von dieser Idee, die eigenen Prozesse der Betrachtung künstlerischer Werke zu hinterfragen?
Das aktuelle Thema ist die Wahrnehmung, kontextualisiert innerhalb der Mechanismen des Blicks. Die Beobachtung eines Kunstwerks kann auf unzählige Arten erfolgen und zu unterschiedlichen Ergebnissen für das Werk selbst und auch für den Betrachter führen.
Unsere Fähigkeit, künstlerischen Werken Bedeutungen zuzuschreiben, kann sich tiefer entwickeln, wenn wir auf unsere eigenen Beobachtungsprozesse achten. Was ist der Unterschied zwischen Bedeutungszuweisung und echtem, organischem Verstehen?
Es gibt Bilder, die dazu dienen, Situationen und Szenarien einen Sinn zu geben, und andere, die ein automatisches Verständnis dessen bieten, was bisher nicht für unseren Konsum gedacht war. Welche Rolle wäre in diesem Fall der Betrachter bei der Herstellung von Bedeutungen für Kunstwerke?
Unsere Wahrnehmungen greifen auch in die Produktion unserer Erinnerungen ein, indem sie Bildinformationen verschmelzen und neue Sprachen und Bedeutungen schaffen. Daher verändern sich unsere imaginären Felder ständig. Ist es möglich, unseren eigenen Sehmechanismus zu kultivieren, um tiefer und bedeutungsvoller zu werden?
In den nächsten Wochen werden wir visuelle Übungen vorschlagen, unsere Beziehung zur Art und Weise, wie wir Kunstwerke sehen, untersuchen und das Thema veranschaulichen, indem wir Werke von Künstlern vorstellen, die sich mit diesen Fragen befassen.
Bild: Marco Tirelli
von Stephanie Wruck | Apr. 30, 2021 | Artikel
Eduardo Politzer ist ein brasilianischer Sounddesigner und Künstler aus Rio de Janeiro und heute sprechen wir mit ihm über sein digitales Werk „Labirinto“.
Dies ist eine Einladung, Kopfhörer aufzusetzen, sich zu verlieren, sich selbst neu zu entdecken und hoffentlich zu träumen. Politzer schuf einen neuen digitalen Raum voller Klänge, Erinnerungen, Träume, Gedichte und loser Gedanken. Während Sie durch das Labyrinth navigieren und auf Hyperlinks klicken, die Sie zu verschiedenen Ecken weiterleiten, zeichnen Sie Ihren eigenen Weg. Manchmal kann das Labyrinth zutiefst bewegend und persönlich sein, manchmal kann es entspannend und unterhaltsam sein.
Wir hatten die Gelegenheit, mit ihm durch Eduardos Labyrinth zu navigieren und dabei Fragen zu stellen. Er erzählte uns, wie der Entstehungsprozess des Werks ablief und was er aus dieser Erfahrung gelernt hat.
„Setzen Sie Ihre Kopfhörer auf.
Verliere dich, träume.
Wenn dir klar wird, dass du dich in einem Labyrinth befindest
Das liegt daran, dass du schon lange dort bist.
Aber beeil dich nicht,
Vielleicht lernen Sie unterwegs etwas.
Vielleicht finden Sie etwas Wertvolles,
Vielleicht erfahren Sie etwas Wertvolles über sich selbst,
Vielleicht,
Vielleicht wachst du mit dem Gefühl auf,
Vielleicht nutzt Ihr Gehirn diese Zeit, um verschiedene Situationen zu simulieren.
Das verwerfen, was von geringer Bedeutung ist.
Sich auf etwas in der Zukunft vorbereiten.
In diesem Labyrinth finden Sie Charaktere und Orte,
Ton und Bild.
Zeit und Gedanken.
Metaphysik und Unsinn.
Ich erzähle dir meine Träume
Und dann erzählst du mir deines.
Das ist eine Verzierung
Eine Halskette, die wir der Zeit um den Hals legen,
Um zu sehen, ob es gezähmt wird.“
Wir laden Sie ein, das Labyrinth auf eigene Faust zu erkunden. Besuchen Sie uns Hier. Klicken Hier um Eduardos Website zu besuchen. Folgen Sie ihm auf IG: @eduardopolitzer
von Stephanie Wruck | Apr. 26, 2021 | Artikel
Letztes Jahr führte die COVID-19-Pandemie zu einer unbestreitbaren Bedeutung der Arbeit in digitalen Umgebungen. Wie andere Produktionsbereiche erfuhr auch die künstlerische Produktion in dieser Zeit mehrere Anpassungen. In den letzten zwei Wochen haben wir von Coletivo Amarelo eine historische Untersuchung der Beziehung zwischen Kunst und Internet vorgeschlagen und dabei Überlegungen zu den ersten Experimenten mit Technologie und den Interventionen der NetArt-Bewegung in den 90er Jahren angeregt, die oft die Leistung von Künstlern in den 1990er Jahren vorhersagten eine zunehmend digitalisierte Welt. . Die bisherigen Texte finden Sie auf unserem Blog unter dem Stichwort „Internet“. Klicken Sie hier, um unseren neuesten Beitrag über die Net.Art-Bewegung zu lesen.
In den ersten Monaten des Jahres 2021 erlebten wir, was der Auslöser für eine neue Ära in der Beziehung zwischen Kunst und Internet zu sein schien. NFT-Editionen eroberten soziale Netzwerke und Kunstgruppen, kurz nachdem das Traditionshaus Christie's ein vollständig digitales Kunstwerk für 69 Millionen US$ (oder 382 Millionen R$) versteigert hatte.
“Alltag: die ersten 5000 Tage“, vom zeitgenössischen Digitalkünstler Beeple, erzielte bei der letzten Auktion des Auktionshauses Christie's einen Erlös von $69 Millionen.
Das Werk ist eine Collage aus täglichen Illustrationen, die der Künstler an 5000 aufeinanderfolgenden Tagen erstellt hat (Bild: Beeple/Christies, verfügbar auf BBC.com)
Was ist passiert? Wo ist es hergekommen? Ist das ein neuer Trend?
Nach fast zwei Jahrzehnten instabiler Spekulationen sind Kryptowährungsportfolios wie Bitcoin insbesondere im vergangenen Jahr stark gestiegen. Der Wert von nur 1 Bitcoin ist von 0,34 US$ Mitte 2010 auf etwa 50.000 US$ (oder etwa 280.000 R$ – Zitat von Google: Morningstar und Coinbase, konsultiert am 23.04.2021) gestiegen.
Allerdings hatte nicht jede Art von Produkt die gleichen Chancen, auf dem Kryptowährungsmarkt eingeführt zu werden, da der in der technologischen Welt stattfindende Währungshandel zunehmend eine sicherere Struktur erforderte, da die gesamte Transaktion in einer Währung abgewickelt wurde existiert nicht in der Welt. die reale Welt. Aus diesem Bedürfnis heraus entstand das Blockchain-Onlinesystem. Dabei handelt es sich um eine Plattform, die als Kryptowährungsbörse fungiert und dazu dient, komplexe Transaktionen zu erkunden, zu verfolgen, zu überwachen und aufzuzeichnen.
In der Blockchain ist jeder Handel als unveränderlicher Link kodiert und daher wurden jetzt auch andere Objekte in den Kryptowährungshandel eingeführt, die bei sichereren Transaktionen einen nicht austauschbaren Wert benötigen würden, wie zum Beispiel Kunstwerke.
Aber was bedeutet „Gegenstände mit nicht austauschbaren Werten“? Stellen Sie sich zwei Situationen vor:
- Sie befinden sich in einem Geschäft und Ihr Einkauf beläuft sich auf $ 100. Sie haben die Möglichkeit, mit zwei $ 50-Scheinen, 5 $ 20-Scheinen oder 10 $ 10-Scheinen usw. zu bezahlen. Daher ist die gemeinsame Währung untereinander austauschbar (oder fungibel).
- Nehmen wir an, Sie sind Eigentümer von drei Häusern in derselben Straße, eines im Wert von $ 500.000 und zwei weitere im Wert von jeweils $ 250.000. Obwohl ihr Preis nahe beieinander liegt, haben sie, wenn hypothetisch die beiden Häuser im Wert von $ 250.000 zusammengefasst werden, nicht unbedingt den gleichen vereinbarten Wert wie das Haus im Wert von $ 500.000, auch wenn die kombinierten Einheitswerte einen äquivalenten Wert ergeben. Denn jedes Haus ist einzigartig und hat seine eigenen Eigenschaften, also Werte gegenseitig nicht austauschbar (oder nicht fungibel).
In diesem Sinne ermöglicht die Blockchain den Tausch von Objekten mit nicht austauschbarem Wert gegen Kryptowährung, wobei ein grundlegender Aspekt erhalten bleibt: die Einzigartigkeit. Um dies zu erreichen, wird jedes Objekt mit einem unveränderlichen Link verknüpft, der in der Blockchain aufgezeichnet wird. Diese unveränderlichen Links werden NFT (Non-fungible Token) genannt. NFTs sind auch in der Lage, einen weiteren wesentlichen Aspekt des Kunstmarktes zu unterstützen: das Konzept der Knappheit, das für die Bewertung des Stücks unter Berücksichtigung der Anzahl identischer Einheiten verantwortlich ist oder nicht. Darüber hinaus bieten NFTs eine neue Art der Registrierung für Künstler, da auf der Blockchain registrierte unveränderliche Links alle Informationen und technischen Spezifikationen des produzierten Werks in einem „Smart Contract“-Format enthalten können.
Kurz gesagt, die neue Revolution in der Welt und auf dem Kunstmarkt ermöglicht den digitalen Verkauf von Werken und bildet ein neues Segment: Crypto Art. Jedes Bild, jedes Video, jeder Ton, jeder Text oder jede Softwaredatei, auch wenn sie einzigartig oder von limitierter Auflage ist Edition wird zu einem auf der Blockchain registrierten NFT. Infolgedessen wird jeder NFT in Kryptowährung bepreist und verkauft.
Standbild aus der NFT-Videoarbeit des amerikanischen Grafikdesigners Kii Arens, die auf einem echten Haus in Kalifornien basiert.
Bieter werden auf dieses NFT bieten, wobei der Gewinner auch das physische Grundstück in der 221 Dryden Street erhält.
Nach diesem Prozess verfügt der NFT über einen nachvollziehbaren Vertrag mit glaubwürdigeren, sichereren und innovativeren Urheberrechten. Bis zum Aufkommen der Kryptokunst erhielt ein Künstler beispielsweise keinen Prozentsatz des Gewinns, der dem Weiterverkauf seiner Werke entsprach. Beim Smart Contract kann eine Klausel einen verbindlichen Prozentsatz der Übertragung an den Urheber des Werks knüpfen, wenn der NFT weiterverkauft wird. Noah David, der Experte, der für die erste NFT-Auktion bei Christie's verantwortlich war, erklärte, dass „das Potenzial von NFTs, das traditionelle Kunstauktionsmodell zu stören, immens ist.“
Dennoch handelt es sich immer noch um digitale Dateien. Kann also jemand sie haben? Theoretisch ja, in der Praxis nein, da nur diejenigen Eigentümer des NFT sind, die das Werk besitzen. Der rechtmäßige Eigentümer wird im Blockchain-Register versichert.
Es sei daran erinnert, dass Crypto Art stark von Videospielen beeinflusst wird (tatsächlich handelt es sich um eine Nische des visuellen Designs, die in letzter Zeit einen wohlverdienten Platz in der Produktion mit künstlerischen Inhalten erlangt hat). Mit anderen Worten: Die vorgestellte Erscheinung weist futuristische Züge auf, die sogar den prädiktiven Interventionen von NetArt ähneln.
„Götter in Hi-Res”, vom kanadischen Künstler Grimes. Die Arbeit hat einen futuristischen Look, der von Spielen inspiriert ist.
Der NFT wurde für $ 77.000 versteigert (Bild: Grimes / Niftygateway)
Schließlich wird in diesem Kontext der Kongruenz, der durch ein technologisches Umfeld unendlicher Möglichkeiten in Verbindung mit einer globalen Situation des digitalen Protagonismus ausgeübt wird, eine neue Ära für Kunst und Internet eingeläutet. Crypto Art schlägt eine Reintegration der Avantgarde der 90er Jahre vor. Ein Neustart. Es liegt an uns Künstlern, über unseren eigenen Konservatismus in Bezug auf Fortschritte in Kunst und Technologie nachzudenken. Kryptokunst etabliert sich nicht nur als Trend, sondern als Bewegung. Es ist naiv, nur auf der Grundlage, dass diese Kunst im wirklichen Leben „nicht existiert“, an die Illegitimität der Bewegung zu glauben. Denn wenn es Digitales gibt, dann deshalb, weil wir es geschaffen und zu einem Teil unserer Realität gemacht haben. Damit erfüllt die Kunst ihre Rolle als Katalysator für neue Lesarten dieser Realitäten.
VERWEISE:
Außergewöhnlicher Verkauf – BBC News Brasil
JPG-Datei für 69 Millionen verkauft – New York Times
NFT-Kunstwerk wird mit physischem Haus in Kalifornien verkauft – Dezeen
von Stephanie Wruck | Apr. 15, 2021 | Artikel
Net.Art entstand in den frühen 1990er Jahren, als eine Gruppe von Künstlern begann, die Möglichkeiten zu erkunden, die das Internet bot: von der Förderung ihrer Arbeit bis hin zur Verwendung von Software und Browsern erschaffen neue Werke. Diese Künstler erkannten schnell die Bedeutung des Internets als Werkzeug zur Wiederentdeckung des inneren Werts der Kunst, abgekoppelt von den Mechanismen des Kunstmarktes und verlagerten den Fokus vom Objekt auf den Prozess.
Die in dieser Zeit durchgeführten Arbeiten veranschaulichen den dynamischen und kollaborativen Geist des Internets im kreativen Prozess. Das Internet war ein neues Terrain, in dem Künstler die Möglichkeiten des Neuen erforschen konnten, die über physische Räume hinaus existierten. Diese völlige Freiheit von Vermittlern, die Kunstinstitutionen über die Arbeit des Künstlers stellen, und die Vielseitigkeit des Internets als Medium verwandelten die Netzkunstbewegung in eine Revolution. Es stellte die Art und Weise in Frage, wie Kunst hergestellt, ausgetauscht, gefördert und ausgestellt wurde.
DIE ARTISTEN
Wir bringen drei namhafte Künstler zusammen, die mit der Netzkunstbewegung verbunden sind, und heben die Bedeutung ihrer Arbeit hervor.
Olia Lialina
Als Pionierin der Netzkunst-Bewegung ist Lialina vor allem für ihr browserbasiertes Kunstwerk „My Boyfriend Came Back From The War“ aus dem Jahr 1996 bekannt. Es besteht aus mehreren verlinkten Bildern und Texten, alle in Schwarzweiß, die der Betrachter sehen kann Navigieren Sie, indem Sie auf verschiedene Teile des Bildschirms klicken, während eine Erzählung entwickelt wird. Die Geschichte handelt von einem Paar, das nach dem Krieg wieder zusammenkommt und Schwierigkeiten hat, sich wieder emotional zu verbinden. Sie gesteht eine Affäre mit ihrer Nachbarin, während ein Heiratsantrag entsteht. Dieses filmische, körnige, GIF-ähnliche Stück beeinflusste viele spätere Künstler, die mit Browsern und Software experimentierten. Besuchen Sie das Werk Hier.
Mouchette
Mouchette ist das 1996 erstmals geschaffene Werk der Amsterdamer Künstlerin Martine Neddam. Sie lädt den Betrachter ein, durch ein HTML-Website-Labyrinth zu navigieren, das das turbulente Leben eines Teenagers zeigt, der mit Selbstmord und Trauma zu kämpfen hat. Das Stück ist düster, aber humorvoll und unterhaltsam und lässt uns rätseln, was als nächstes passieren könnte. Als das Werk erstellt wurde, fanden Benutzer über einen interaktiven Bot, Quizze und E-Mail Anweisungen, wo es zu finden ist. Die Beteiligung der Öffentlichkeit war ein zentraler Teil der Arbeit und schuf einen Raum, an dem wir alle teilhaben konnten. Über die Mouchette-Website konnten Nutzer auch eigene Netzkunstwerke einreichen. Besuchen Sie das Werk Hier.
Alexei Schulgin
Shulgins Werk „Form Art“ aus dem Jahr 1997 ist ein weiteres wichtiges Archiv aus der Netzkunst-Ära. Er nutzte HTML-Schaltflächen und -Boxen, um monochromatische Kompositionen zu erstellen, die als Untersuchung der Mechanismen von HTML selbst dienten. „Form Art“ wurde jedoch zu einem lyrischeren und abstrakteren Kunstwerk und enthüllte das Skelett des Internets auf eine noch nie dagewesene Weise. Shulgin sagte: „Sie in den Fokus zu rücken, war ein Ausdruck der Tatsache, dass ein Computer keine „transparente“ unsichtbare Schicht ist, die als selbstverständlich angesehen wird, sondern etwas, das die Art und Weise definiert, wie wir arbeiten und sogar denken müssen.“ Besuchen Sie das Werk Hier.
In dieser Zeit konnten die Künstler von net.art ein neues emotionales Universum entwerfen, das parallel zu den physischen emotionalen Räumen, in denen wir leben, existiert und schließlich zu der digitalen Infrastruktur wurde, in der wir heute navigieren. Der hybride Charakter des Internets, in dem alle Formen der Kunst nebeneinander existieren – Bilder, Text, Video, Ton usw. – hat den Kern des Schaffensprozesses beeinflusst. Es gab keine Trennung mehr zwischen dem Ort, an dem Sie erstellen, zusammenarbeiten, entwerfen und werben. Alles passierte im Internet. Die Idee, dass das Internet alle Aspekte des kreativen Prozesses umfassen könnte, beeinflusste sowohl die Werke selbst als auch die Reaktion des Publikums darauf.
“Desktop ist“, Alexei Schulgin, 1997
Josephine Bosma, Kritikerin und Theoretikerin, die sich auf Kunst im Kontext des Internets spezialisiert hat, sagte:
„Um Netzkunst in die richtige Perspektive zu rücken, muss die Kunstgeschichte teilweise neu geschrieben werden. In diesem Jahrhundert wurde viel Wert auf den Warenstatus von Kunstwerken gelegt. Dieser Trend hat zwangsläufig dazu geführt, dass bestimmte Künste und Künstler ausgeschlossen wurden, die die entsprechenden Kriterien nicht erfüllen. Vielleicht bietet uns Net.Art die Möglichkeit, die Kriterien, nach denen Kunst bewertet wird, zu überdenken. Natürlich ist Netzkunst kein leicht erkennbares Objekt. Viele Kunstwerke im Internet erscheinen aufgrund der Medienvielfalt und Vergänglichkeit sehr verstreut. Um es zu erleben, muss man ein begeisterter Anhänger von net.culture sein.“
Bosmas Einsicht in den Einfluss der Qualität des Internetraums auf die Künste ist auch heute noch von unglaublichem Wert. Was sie 1998 „net.culture“ nannte, berührt uns alle – Künstler und Kunstkonsumenten – vielleicht mehr denn je. Während wir uns durch diese dichte Mediendecke auf sozialen Plattformen und im gesamten Web bewegen, fragen wir uns unweigerlich, wohin wir als nächstes gehen werden. Vielleicht sollten wir Bosmas Rat befolgen und die Kunstgeschichte neu schreiben.
Wie kategorisieren wir Kunst im Kontext des Internets? Besteht noch die Notwendigkeit, verschiedene Kunstformen zu kategorisieren? Net.art hat es nahezu irrelevant gemacht, zu unterscheiden, was Kunst ist und was nicht. Daher kam Bosma zu dem Schluss, dass Künstler, die ihre Arbeit nicht als Kunst bezeichnen möchten, eine einschränkende Diskussion über die Relevanz und den Wert ihrer Arbeit innerhalb eines „Kunstmarkts“ vermeiden können. Da viele Net.Art-Künstler es vorzogen, unsichtbar zu bleiben und sich in ihren ephemeren und temporären Werken im Internet aufzulösen, hinterließ uns Bosma eine wichtige Überlegung: Profitiert die Kunst schließlich nur von dieser Dunkelheit?
“Cyberfeministisches Manifest für das 21. Jahrhundert“, VNS Matrix, 1991
“Brandon“, Shu Lea Cheang, 1998
“Mobiles Bild“, Kit Galloway, Sherrie Rabinowitz und Kollegen, 1975
“Sommer“, Olia Lialina, 2013
Seit 1998 hat sich viel verändert, aber das Internet bleibt ein Ort, an dem ständig Mauern niedergerissen und wieder aufgebaut werden. Jeden Tag werden neue visuelle Sprachen geschrieben, die unser schwindelerregendes gemeinsames digitales Erlebnis befeuern und durch bearbeitete, vergängliche Schichten mehr über uns selbst preisgeben. Wie kann Kunst uns helfen, die sich ständig verändernden Mechanismen des kreativen Ausdrucks zu verstehen?
Ist das Internet schließlich unser größter Verbündeter beim Schaffen von Kunst?
Verweise:
