von Stephanie Wruck | 18. April 2022 | Artikel
Gradient Art ist eine Technik, bei der Farben in einem Farbverlauf verwendet werden, um ein Kunstwerk zu schaffen. Die Beliebtheit der Farbverlaufskunst hat zugenommen, bei der eine Farbe allmählich in eine andere übergeht und so unterschiedliche Farbübergänge entstehen. Abhängig von den verwendeten Farben kann die resultierende Farbverlaufskunst ein breites Spektrum an Emotionen und Gefühlen hervorrufen und die umgebenden Räume verändern.
Was ist Verlaufskunst?
Verlaufskunst ist eine Art von Kunst, die einen Farbverlauf verwendet, um die Illusion von Tiefe und dreidimensionalem Raum zu erzeugen. Farben werden auch in anderen Formen wie Malerei, Zeichnung, Skulptur, Fotografie usw. verwendet. Bei dieser Art von Kunst kann Licht aus verschiedenen Winkeln auf ein Objekt gestrahlt werden, was ihm ein realistisches Aussehen verleiht. Auch die Farben verändern sich, je nachdem, wie man sie betrachtet, was für einen künstlerischen Reiz sorgt und dem Betrachter unterschiedliche Interpretationen ermöglicht.
Künstler verwenden unterschiedliche Techniken, um diese Gemälde zu erstellen, z. B. Schichten, Mischen und Anwenden von Farbverläufen mit unterschiedlichen Farben oder Texturen. Sie können dies mit verschiedenen Pinseln, Bleistiften, Pastellkreiden oder sogar mit den Fingern tun.
Aber was sind Steigungen? Und wie unterscheiden sie sich farblich?
Farbverläufe sind Farbübergänge, die sich allmählich von einer Farbe zur anderen ändern. Winkel werden typischerweise mit einer Reihe unterschiedlich stark gemischter Farben erzeugt. Farbverläufe sind die gebräuchlichste Art von Verläufen und können für Hintergründe oder Ränder verwendet werden, sie können aber auch für andere Zwecke verwendet werden, beispielsweise zum Erstellen einer Akzentwand oder zum Hinzufügen von Tiefe zu einem Bild. Ein Regenbogenverlauf wird häufig verwendet, um Bildern Tiefe und Dimension zu verleihen.
Es gibt verschiedene Arten von Farbverläufen, darunter radiale Farbverläufe, lineare Farbverläufe und diagonale Farbverläufe.
Mark Rothko und seine eigene Verwendung von Farbverlaufskunst
Mark Rothko, bekannt für seine großen, fesselnden und farbenfrohen Gemälde, war daran interessiert, durch Malerei grundlegende menschliche Emotionen hervorzurufen – Wut, Untergang, Ekstase. Sein Werk war expansiv in der Verwendung von Farben und schuf weite, offene Räume, die es dem Betrachter ermöglichten, unterschiedliche Empfindungen zu erleben.
Rothkos Farbverläufe waren nicht präzise gemischt, sondern so konstruiert, dass sie den Betrachter dazu einluden, sich zu fragen, welche Farbe zuerst auf die Leinwand aufgetragen wurde. Er entwickelte seine Kompositionstechnik erstmals 1947 und beschrieb sie vom berühmten Kunstkritiker Clement Greenberg als „Farbfeldmalerei“, ein Begriff, der Rothkos Werk perfekt beschreiben würde.
Aufgrund der Art und Weise, wie der Künstler seine Bilder schuf, sind Rothkos Farbverläufe einzigartig. Rothko trug eine große Menge schwarzer Farbe in unregelmäßigen Strichen auf die Leinwand auf und verteilte sie dann an den Rändern, wodurch ein Kratzeffekt entstand. Rothkos einzigartige Farbverläufe finden sich in kleinen Bereichen der Gemälde, meist in der Mitte, wenn die Farbtöne von einem zum anderen übergehen.
Seine Bilder wurden geschaffen, um persönlich erlebt zu werden, wobei die Atmosphäre des Raumes die unterschiedlichen Emotionen widerspiegelt, die durch die Farben vermittelt werden. Eine von Rothkos berühmtesten Serien sind Seagrams Murals, ausgestellt in der Tate Modern in London. Die Serie besteht aus sieben dunklen und stimmungsvollen Gemälden mit einer Palette aus Schwarz-, Rot- und Brauntönen. Rothko schenkte die Gemälde der Tate Modern, dem Museum, in dem sich die größte Sammlung von Werken von JMW Turner befindet, und aufgrund seiner eigenen Bewunderung für Turner hoffte Rothko, dass die Serie zusammen mit Turners Werken in der Galerie ausgestellt würde.
Der Wechsel der Atmosphäre von Rothkos dunklen Farbverläufen zu Turners perfekt gemischten Farbverlaufs-Kunsthimmeln ist zutiefst bewegend. Wenn Besucher von einer Galerie zur nächsten gehen, entsteht sofort ein Dialog zwischen beiden.
Von Rothkos bunten Rechtecken bis hin zu digitalisierten Farbverläufen, die in der Werbung verwendet werden: Das Experimentieren mit Farben ist sowohl für die Schaffung von Kunstwerken als auch für das Erlebnis des Betrachters von grundlegender Bedeutung.
Wie fühlst du dich bei jeder Farbe?
Kann man solche Gefühle beschreiben?
Fühlen sie sich unwohl? Oder beruhigen sie?
Welche Emotionen löst ein bestimmter Farbverlauf aus?
Weitere Informationen zur Tate-Sammlung: https://www.tate.org.uk/
von Stephanie Wruck | 21. Dezember 2021 | Artikel
Um unsere Diskussion über Zeit fortzusetzen, sprachen wir mit der aus São Paulo stammenden Künstlerin Dárida Rodrigues. Seine Forschung verwirklicht sich durch audiovisuelle Installationen, Audio-Spaziergänge, Performances und ortsspezifische Besonderheiten als Versuch, relationale Kunst und das menschliche Bewusstsein selbst zu untersuchen. Dárida teilte mit uns die Erfahrung des Schaffens in der Zeit der Isolation, die Rolle des Überflusses an Zeit in der künstlerischen Praxis und ihre persönliche Beziehung zum Lauf der Zeit.
Ich möchte damit beginnen, über die Absicht zu sprechen, die hinter Ihrer Arbeit steckt, indem Sie die Zeit „dehnen“, um unsere Umgebung und das, was auch in uns lebt, aufmerksamer zu beobachten. Woher kam dieses Bedürfnis, künstlerische Praxis mit meditativen Methoden zu verbinden?
D: Nun, ich habe das Gefühl, dass die Zeit, oder besser gesagt der Lauf der Zeit, die einzige Konstante in unserer Erfahrung ist, während sich alles verändert. Und die Möglichkeit, dass die Zeit aufgrund unserer Wahrnehmung jedes einzelnen Erlebnisses „anhält, sich verlängert oder vergeht“, hat mich schon immer sehr interessiert. Ich denke, dass dieses Phänomen der veränderten Wahrnehmung und vor allem die Beziehung, die zwischen dieser und unseren mentalen und emotionalen Zuständen entsteht, auch eines der Dinge ist, die mich schon seit langem mit meditativen Praktiken verbinden.
Ich denke also, dass dies die Öffnung eines inneren Raums ist, in dem sich die Zeitlichkeit in andere mögliche Konfigurationen entfaltet und der es einem gleichzeitig ermöglicht, den gegenwärtigen Moment, den ich viel durch Meditation erforscht habe, vollständiger zu verleben, um ihn, wenn auch nur für ein paar Sekunden, zu entleeren. Der Geist durchdringt auch meine Arbeit, ich denke auf eine Weise, die der Intentionalität vorausgeht. Es ist wirklich eine Lücke, die mich als Forscher anzieht und die ich in dieser Verlagerung von Territorien zwischen Kunst und Leben erkunden möchte, vielleicht weil, zumindest für mich, diese Bereiche des Meditativen oder des Spirituellen, wenn wir so wollen, sind auch das Betätigungsfeld der Kunst. . Es ist natürlich Teil des Prozesses geworden, meditative Methoden zu integrieren oder sogar zu untergraben, indem man mit der Schaffung von Beziehungen zwischen Subjektivität, Zeit und Raum experimentiert.
Sein neuestes Werk „Vice-Versa“ erforscht diese Idee der Bewegung von Zuneigungen, die das Innere und Äußere verbinden, die Aufnahme und den Ausdruck von Informationen und Bildern ... Und das Werk veranschaulicht schließlich auch den Lauf der Zeit durch die Beobachtung von der Menschenstrom auf der Straße und die Interaktion mit der Arbeit selbst. Was haben Sie aus der Erfahrung bei der Entstehung des Werks „Vice-Versa“ mitgenommen?
D: Ich bearbeite diese Ernte immer noch ... weil die Arbeit viele Schichten zum Vorschein gebracht hat, die interessant zu beobachten waren. Aber ich kann sagen, dass dieser Impuls, eine Umkehrung des Standpunkts zu erleben und sich die Beziehung zwischen Innen und Außen zunutze zu machen, die der Raum des Fensters und der Straße durch die Ressource des projizierten Videos bietet, die Herstellung vieler anderer Beziehungen ermöglicht und Konfrontation zu sein, etwa die Zeit mit dem Raum, im umgekehrten Spiegel, der den Betrachter nicht direkt reflektiert, der durch Video erzeugt wird und der unsere Aufmerksamkeit durch die Möglichkeit erregt, zwei oder mehr Zeitlichkeiten gleichzeitig zu erleben, etwa das, was im Inneren geschah, was draußen geschah, im gegenwärtigen Moment und was darin geschah, was in der Videoperformance/im projizierten Spiegel in Aktion gesehen wurde, was auch andere Geschwindigkeiten, Wiederholungen und Eingriffe mit sich brachte und diese unterschiedlichen Beziehungen zwischen pflanzlichen Subjekten, Passanten oder anderen vermittelte Gegenwart und Bild. Meiner Meinung nach lohnt es sich, diesen relationalen Zeitraum noch weiter zu erkunden.
Sein anderes Werk [Des]segredo schlug eine Flugbahn eines kartierten Pfades vor, der durch das Werk in einem bestimmten Raum verlaufen soll. Wie manipulieren ortsspezifische Arbeiten unsere Zeitwahrnehmung?
D: Im Prozess der Schaffung von [Des]segredo, das auch ein Meisterprojekt war, wurde die Audiowand À Luz für eine bestimmte Route im Belas Artes-Gebäude in Lissabon entwickelt, einem sehr alten Gebäude mit historischer Materialität, wo man sich befindet spürt die Last nicht nur materiell, sondern auch zeitlich; Es war interessant, die These eines inneren (oder meditativen) Driftens durch Verschiebung im Raum zu untersuchen, als einen Prozess der Annäherung an einen gemeinsamen Ort einer Eins-zu-eins-Beziehung, rund um die Idee des Geheimnisses, die am Ende vorgeschlagen wurde .
Anhand dieser Klanglandschaft, die durch Sprachanweisungen erzeugt und in der Gegenwart beim Gehen durch den Raum und auch durch die subjektiven Zeitlichkeiten, die im Moment geschehen, erlebt und nachgebildet wurde, konnte ich für jeden Teilnehmer auch beobachten, wie eine Raum-/Zeitreise speziell zum Leben erweckt wurde in einem Raum in einem künstlerischen Kontext, kann unsere Zeitwahrnehmung nicht nur beeinflussen (oder manipulieren), sondern auch von ihr beeinflusst werden. Das liegt daran, dass ich das Gefühl habe, dass ortsspezifische Arbeiten untrennbar mit dem Raum verbunden sind und sich gleichzeitig durch diese Möglichkeit, einen untergrabenen zeitlichen Raum zu manifestieren, für Eingriffe und Transformationen desselben öffnen, und in diesem Sinne sind sie es auch sehr interessant in dieser Erforschung des inneren und relationalen Universums im Dialog mit der Zeitlichkeit.
Das während der Quarantäne entstandene Werk [In]surgir ist ein weiteres seiner Werke der auditiven Immersion. Eine unserer Fragen zum Thema Zeit besteht darin, zu untersuchen, wie sich der Mangel oder die Fülle an Zeit auf die Schöpfungsprozesse auswirkt. Wie war es, dieses Werk in einer Zeit der Isolation zu schaffen?
D: Es war zumindest eine gute Verhörübung, und zwar so sehr, dass ich die [In]Surgir-Reihe zu Beginn „Übungen zum Berühren des Werdens, Umarmen des Schmerzes und Kauen auf der Realität“ nannte.
Ich, der beschlossen hatte, im Bereich der Kunst einige meditative Methoden ein wenig zu überschreiten, indem er Verschiebung, Ablenkung, eine Poetik vorschlug, die mich persönlich in die Texte und Audios einbezog, hatte plötzlich das Gefühl, dass das Leben zuallererst nach einer Verdauung verlangte beispiellose Einschränkung von Raum und Bewegung, eine dystopische und ungewisse Realität, in der mir diese „konventionellen“ Meditationsmethoden, obwohl sie physiologisch sehr nützlich waren, in diesem Moment keinen großen Sinn mehr zu ergeben schienen. Es war wirklich eine Notwendigkeit, sie in den Entstehungsprozess zu integrieren. Also begann ich, diese Audioanweisungen zu schreiben, um mit den Möglichkeiten einer meditativen und sensorischen Abstraktion zu arbeiten, die auf diesem Zustand der Gefangenschaft und dem plötzlichen Pseudoüberfluss an Zeit und Unmöglichkeit der Bewegung basiert, mit all den Emotionen und Fragen, die in mir immer wieder aufkamen.
Ist es für Künstler möglich, die esoterische Natur des Schaffensprozesses in einer extrem schnelllebigen Welt wie der, in der wir heute leben, zu genießen?
D: Ja, es ist schwierig, darüber nachzudenken, was künstlerisch nicht möglich ist. Persönlich halte ich es jedoch für wesentlich, uns im Leben und in der Kunst so ganzheitlich wie möglich für jeden Menschen existieren zu lassen, um nicht völlig von dem extrem kapitalisierten und mediatisierten Leben, das das Leben charakterisiert, verschluckt oder gefangen genommen zu werden etablierter, fehlerhafter „Humanismus“, der sich jedoch heute beschleunigt. Und ich denke, dass dieses esoterische, spirituelle oder transpersonale Universum in unserer subjektiven Erfahrung viel umfassender und präsenter ist, als wir es uns oft vorstellen oder intellektualisieren, insbesondere weil wir uns fast immer im westlichen hegemonialen Denken bewegen, wo wir Schwierigkeiten haben, Platz für das zu schaffen, was nicht möglich ist Wir werden durch diese Parameter konfiguriert und haben daher keine Verbindung zu den Möglichkeiten, unsere eigenen Rituale oder Zaubersprüche zu erlernen und zu erschaffen, die natürlich und nicht „übernatürlich“ sind, um unser inneres Universum zu erforschen und andere Realitäten zu erfinden. Der künstlerische Bereich ist meiner Meinung nach ein sehr fruchtbarer Boden für diese Erkundung. Vieles von dem, was wir als Teil esoterischer Natur betrachten und das nichts mit dem uns bekannten rationalen Denken zu tun hat, kann beispielsweise bei einigen anderen Gemeinschaften und Arten gängige Praxis sein. Wenn wir Kunst nur aus der Sicht unserer (oft begrenzten) Kultur sehen oder machen, werden wir immer Erfahrungen und Erfahrungen außen vor lassen, die vielleicht grundlegend für die Existenz sind und wer weiß, tatsächlich und politisch in der Gegenwart aufblühen. Ich sehe dafür keinen empfänglicheren Raum/Zeit als die Kunst.
von Stephanie Wruck | 13. Dezember 2021 | Artikel
Um unsere Diskussion rund um das Thema ZEIT zu beginnen, stellen wir Ihnen heute das Werk der Künstlerin Hilma af Klint vor, die zwischen 1906 und 1915 mehr als 150 Gemälde schuf. Diese Gemälde wurden „Die Tempelgemälde“ genannt und bestehen hauptsächlich aus Bildern abstrakte und organische Formen, inspiriert von der Geometrie der Natur. Klints Werk präsentiert eine Welt jenseits der uns bekannten; das über seine aktuelle Zeit hinausgeht und die Art und Weise, wie wir die Realität betrachten, in Frage stellt.
Klint stellte sich einen Tempel vor, der die Gemälde beherbergen würde, und beschrieb ihn in einem seiner vielen Tagebücher als „rundes Gebäude, in dem Besucher auf einer spirituellen Reise eine Wendeltreppe hinaufsteigen würden“. Hilmas Beschreibung ist außergewöhnlich, da sie das Solomon R. Guggenheim Museum in New York City beschreibt, das nur Jahrzehnte später erbaut wurde und auch das Gastgebermuseum für ihre Einzelausstellung „Paintings for the Future“ im Jahr 2018 sein sollte. Frank Lloyd Wright, der Der Architekt des Guggenheim-Museums schuf einen unkonventionellen Ort für ungegenständliche Kunst und sowohl er als auch Klint teilten eine Affinität zu organischen Formen und der spirituellen Symbolik rund um die Spirale. Sowohl Wrights architektonische Vision als auch Klints Gemälde stellten einen Bruch mit der Tradition dar und boten einen neuen Ansatz für den kreativen Ausdruck.
Klints Mystik beinhaltet viele Interessen an Okkultismus, Theosophie, Spiritualismus und wissenschaftlichen Konzepten. Die Gemälde für den Tempel dienten als Zeugnis der höheren Geister und der Künstler verbrachte fast ein Jahrzehnt damit, an ihnen zu arbeiten. Seine abstrakten Gemälde veränderten den Lauf der Kunstgeschichte und warfen die Frage auf: Welche Rolle spielt die Zeit im esoterischen Prozess der Kunstherstellung?
Wie können Künstler den Lauf der Zeit durch ihre Praktiken manipulieren?
von Stephanie Wruck | 10. Dezember 2021 | Artikel
Welche Rolle spielt die Zeitlichkeit im künstlerischen Prozess?
Das Konzept der Zeit stand im Mittelpunkt des künstlerischen Ausdrucks, von den schnellen Strichen der Impressionisten bis hin zu Bruce Naumans Beobachtung der Zeit im Verhältnis zum Raum; Die Zeit diente sowohl als Katalysator für die Entstehung neuer Standpunkte als auch als Thema für tiefergehende Untersuchungen. Die Art und Weise, wie Künstler Zeit im Kontext ihrer Praxis verstehen, spiegelt seit jeher die Dynamik zwischen dem Künstler und den äußeren Anforderungen der Welt wider, sei es durch Kontemplation oder Intervention.
Da wir in einer sich ständig verändernden, extrem schnelllebigen Welt leben und unsere sozialen Erfahrungen durch hektische Anforderungen bestimmt werden, wie wirkt sich der Mangel oder die Fülle an Zeit auf die künstlerische Praxis aus?
Einige wichtige Punkte, die Sie berücksichtigen sollten:
Zeitlichkeit im Prozess der Kunstproduktion
Zunächst ist es wichtig, darüber nachzudenken, wie die Zeit in die künstlerische Praxis Einzug gehalten hat und wie Künstler versuchen, die abstrakte und unsichtbare Natur der Zeit durch visuelle Kunst darzustellen. Zweitens ist auch der Akt der Betrachtung eines Kunstwerks austauschbar, da sich das Werk selbst im Laufe der Zeit verändert und neue Wahrnehmungen und Bedeutungen erhält. Nagel und Wood (2010) argumentierten, dass Kunstwerke immer „plurale Zeitlichkeiten bewohnen“, da ein Kunstwerk von jemandem zu einem bestimmten Zeitpunkt geschaffen wird, sich aber auf Ideen oder Ereignisse bezieht, die oft diesem Moment vorausgingen oder auf etwas Imaginäres verweisen Zukunft. (Serafini und Banks).
Portfoliogesteuerte künstlerische Praxis
Gibt es Raum für Überraschungen und langsame Experimente, da Künstler unter zunehmend zeitlich begrenzten Bedingungen arbeiten, autark sein und Arbeiten für bestimmte Formate und Plattformen (ein Portfolio, eine Website oder soziale Medien) produzieren müssen?
Da unsere digitalen Umgebungen immer komplexer werden, scheint die Notwendigkeit, Werke zu produzieren, die für die aktuelle Zeit relevant sind, die einzig „richtige“ Art zu sein, Kunst zu machen. Aber wenn sich relevante Themen ständig ändern und es unmöglich ist, mit ihrer Geschwindigkeit Schritt zu halten, bleibt dann noch Zeit, Ideen organisch entwickeln zu lassen? Wie können Künstler die esoterische – und oft langsame – Natur des kreativen Prozesses in der heutigen Welt ausnutzen?
Zeitmangel beim Betrachten von Kunst
Der Zeitmangel in der bildenden Kunst wirkt sich nicht nur auf den Schöpfer, sondern auch auf den Betrachter aus. Haben wir als Zuschauer noch genügend Zeit für Kontemplationsübungen? Was ist der ideale Zeitpunkt für das ästhetische Erlebnis?
Bleiben Sie in den kommenden Wochen auf dem Laufenden, wenn wir uns mit diesen und anderen Fragen befassen, die mehr mit Zeit und Kunst zu tun haben.
Quellen:
Nagel, Alexander & Wood, Christopher (2010): Anachronic Renaissance, New York: Zone Books.
Serafini, Paula & Banks, Mark (2020): Prekäre Leben, Zeit und Zeitlichkeit in Karrieren in der bildenden Kunst
von Stephanie Wruck | 10. November 2021 | Neuer Künstler
VERSCHIEBUNG
Osias André aus Mosambik wanderte vor vier Jahren nach Portugal aus, wo er drei Stipendien der unabhängigen Kunstschule Ar.Co gewann, einer Institution, die sich dem Experimentieren und der künstlerischen Ausbildung widmet. Osias begann im Alter von 8 Jahren zu malen und begann seine künstlerische Karriere mit grafischer Illustration und der Erstellung einer Büchersammlung. Für ihn erfordert die Malerei eine langsamere und indirektere Verdauung. In den hier ausgestellten Gemälden lässt sich eine Identitätssuche erkennen, die mit ihrer afrikanischen Herkunft durch eine traditionelle europäische Atelierpraxis verbunden ist. Das Ergebnis sind wirkungsvolle Gemälde, in denen Farben, Formen und Inhalte im Gleichgewicht wirken und sich die westliche Bildpraxis aneignen, um Elemente ans Licht zu bringen, die aus dem kulturellen Widerstand Afrikas gegen jahrhundertelange eurozentrische Hegemonie entstanden sind. Osias lebt und arbeitet in Lissabon.
- Die Verlagerung klassischer eurozentrischer Bildkompositionen in neue Umgebungen;
- Manipulation von Farben und Formen;
- Die eigene Identität stärken, sich von der Heimat distanzieren;
- Balance zwischen den Sensibilitäten der afrikanischen Diaspora und der europäischen Beschäftigung mit Theorie und Vernunft.
von Stephanie Wruck | 10. November 2021 | Neuer Künstler
UNBESTÄNDIGKEIT
Eduardo Dias ist ein Biologe aus São Paulo, Brasilien, und arbeitet derzeit an der Universidade Presbiteriana Mackenzie als Labortechniker im Biosciences Research Center. Seine Arbeit führt ihn zu brasilianischen Biomen wie dem Pantanal, dem Cerrado, dem Atlantischen Regenwald und vielen anderen Zielen, und die Fotografie spielt auf seinen Reisen eine wichtige Rolle. Er nutzt es als Werkzeug, um seiner Fantasie freien Lauf zu lassen, aber auch als Mittel, um ein didaktisches Repertoire zu schaffen, in dem sein Wissen über Biologie mit Kunst zusammenkommt. Sein Ziel ist es, die Schönheit der Natur durch einfühlsame Bilder zu zeigen und ihre organischen Strukturen und Einzigartigkeiten hervorzuheben. Für Eduardo ist diese Verbindung von Kunst und Biologie eine Möglichkeit, uns die Umwelt, in der wir leben, und alles, was um uns herum lebt, bewusst zu machen.
- Erfassen Sie Landschaften und Arten als Warnung vor der drohenden Bedrohung der Natur.
- Entmystifizieren Sie Vorstellungen über die natürliche Welt, indem Sie die Schönheit ihrer Realität loben;
- Reduzieren Sie den Abstand zwischen Menschen und ihrer Umgebung.
von Stephanie Wruck | 10. November 2021 | Neuer Künstler
UNBESTÄNDIGKEIT
Gabriela Albuquerque ist eine brasilianische Künstlerin, die in Cascais lebt und arbeitet. Sein aktueller Forschungsschwerpunkt liegt auf Landschaften und wiederkehrenden Entwicklungen jenseits der wissenschaftsgeschichtlichen Tradition dieses Genres. Die geradezu zwanghafte Wiederholung von Bildern soll das Paradoxon zwischen Beständigkeit und Vergänglichkeit unserer Umgebung, des uns Vertrauten, aber auch Vergänglichen hervorheben. Die Option für Ölgemälde, die einer jahrhundertealten Tradition folgen, stellt die Kontinuität bestimmter Praktiken in Frage, die trotz ständiger Innovationen fortbestehen. Sie sind mehr als Aufzeichnungen von Momenten und Orten, sie sind auch ein – vielleicht scheiternder – Versuch, das Vergängliche dauerhaft zu machen. Die hier gezeigten Werke verstärken die Vorstellung, dass wir vergänglich sind und nicht die Räume, die wir einnehmen.
- Landschaften beobachten uns, nicht umgekehrt;
- Naturlandschaften erinnern an die Vergänglichkeit des Menschen.
von Stephanie Wruck | 10. November 2021 | Neuer Künstler
DOKUMENTATION
Martim Meirelles ist ein amerikanischer Fotograf, der in New York lebt und arbeitet. Als Nachkomme eines Portugiesen lebt Martim zwischen den USA, Portugal und Mosambik. Seine fotografischen Recherchen dokumentieren Menschenleben, die am Rande des wirtschaftlichen Wohlstands leben und alle einen gemeinsamen portugiesischen Sprachursprung haben. In seinem Werk liegt der Schwerpunkt auf Schönheit, Schmerz und Freude und unterstreicht die Fähigkeit des Künstlers, sich jedem Thema mit tiefer visueller Sensibilität zu nähern. Die hier präsentierten Fotografien sind das Ergebnis eines einjährigen Aufenthalts im Waisenhaus Madre Maria Clara in Mosambik im Jahr 2017 und eines künstlerischen Aufenthalts in Nazaré im Jahr 2014.
- Dokumentation von Leben und Traditionen;
- Aufdeckung des menschlichen Zustands.
von Stephanie Wruck | 10. November 2021 | Neuer Künstler
GEBIET
Juliana Matsumura ist Brasilianerin und lebt derzeit in Lissabon. Er schloss sein Studium der Zeichnung an der Escola Ar.Co ab und absolvierte einen Abschluss in Textil und Mode an der USP. Der Künstler ist Mitglied von Risco Coletivo, einem Kollektiv zeitgenössischer Zeichenpraktiken. Die Zeichnung ist sein wichtigstes Ausdrucksmittel und zu seiner Umsetzung nutzt er verschiedene Werkzeuge wie Gravur, Fotografie und Malerei. Die hier vorgestellte Serie ist Teil seiner Arbeit „Memórias da Água“, die den engsten Kontakt mit seiner japanischen Abstammung und seinem Werdegang als brasilianischer Einwanderer in lusitanischen Ländern thematisiert. Die Unbekanntheit fremder Territorien wird durch diffuse Töne wie dunkle Flecken sichtbar. Die Formen ähneln verschwommenen Erinnerungen, die mit den Erwartungen verschmelzen, die mit dem Migrationsprozess einhergehen. Juliana ist in der Lage, neue Gebiete zu entwerfen, in denen das Gewicht der Abstammung und die Neuheiten, die sich aus neuen Erfahrungen ergeben, gleichzeitig präsent sind.
- Flüsse, die zu gemeinsamen Territorien führen und gleichzeitig Erinnerungen an verlorene Vorfahren in sich tragen;
- Der Fluss des Wassers ist für die Veränderung seiner Umgebung verantwortlich.
von Stephanie Wruck | 10. November 2021 | Neuer Künstler
Verschiebung
Natália Loyola hat einen Abschluss in Sozialkommunikation und Journalismus und strebt einen Master-Abschluss in an Anthropologie – Visuelle Kulturen an der Universidade Nova de Lisboa. Sein Forschungsschwerpunkt liegt auf der Beobachtung der Orte, die er bereist, insbesondere innerhalb städtischer Landschaften. Seine Fotografien fungieren als Bildkonstruktion territorialer Markierungen seines eigenen Migrationsprozesses, die sich alle in seinen Interaktionen mit der Stadt selbst und ihren Bewohnern zeigen. Natálias sensible Wahrnehmung basiert auf Dualitäten wie: Bewegung vs. Ruhe; Nomade vs. sesshaft; echt vs. imaginär und erweckt ein Gefühl der Vertrautheit in Bezug auf die Themen jedes Bildes. Die präsentierten Werke spiegeln die Auseinandersetzung des Künstlers mit Verdrängung als Übung der Körperkritik wider. Natália lebt in Almada und arbeitet auf der ganzen Welt.
- Gehen als kritische körperliche Praxis;
- Die Übung, aus dem Alltag einen Ort zu machen;
- Kartieren Sie imaginäre Felder durch die Aneignung physischer Räume.
von Stephanie Wruck | 31. Okt. 2021 | Veranstaltungen
Am Samstag, 20. November, um 17 Uhr unterhalten wir uns mit Natália Loyola und Roberta Goldfarb über ihre individuellen Praktiken und Werke, die in der Ausstellung präsentiert werden.
Besuchen Sie uns bei Fábrica Braço de Prata!
von Stephanie Wruck | 31. Okt. 2021 | Veranstaltungen
Coletivo Amarelo hat die Ehre, seine Eröffnungsausstellung anzukündigen Umfeld in Lissabon!
Eröffnung: 13. November in der Fábrica Braço de Prata, Beginn um 19 Uhr im zweiten Stock.
Dies ist die erste physische Ausstellung des Kollektivs, nachdem es ein Jahr lang ausschließlich digital gearbeitet hat. Die Ausstellung markiert die Rolle von Coletivo Amarelo im kulturellen und künstlerischen Panorama der Stadt Lissabon und präsentiert die Werke von Künstlern aus verschiedenen Teilen der Welt.
Entorno präsentiert die Arbeiten von sieben Künstlern: Juliana Matsumura, Eduardo Dias, Osias André, Gabriela Albuquerque, Martim Meirelles, Natália Loyola und Roberta Goldfarb. Die präsentierten Werke entfalten eine Reihe von Dialogen, die von einem roten Faden geprägt sind: unserer Umgebung.
Die Ausstellung untersucht, wie diese Künstler ihre Praktiken nutzten, um ihre greifbare Umgebung zu analysieren und den Betrachtern die Möglichkeit zu geben, mit Variationen desselben Konzepts zu interagieren. Die Arbeiten wurden in fünf Unterkategorien unterteilt: Beobachtung, Verschiebung, Territorium, Dokumentation und Vergänglichkeit. Obwohl die Welt im Jahr 2020 die Motoren menschlicher Abläufe drastisch auf ein im Wesentlichen virtuelles Leben umgestellt hat, sind die „realen“ Umgebungen, die uns umgeben, immer noch diejenigen, die unsere Erfahrungen am meisten beeinflussen. Im Zentrum der Ausstellung steht die individuelle Fähigkeit der Künstler, die Körperlichkeit ihrer Umgebung in einen Rahmen zu fassen. Jedes Werk ist eine Reaktion auf die visuelle Ebene, die zu einem bestimmten Zeitpunkt in Zeit und Raum existierte, und überschreitet die eigenen Disziplingrenzen (Malerei, Fotografie und Videoinstallation), um den Betrachter einer gemeinsamen Umlaufbahn näher zu bringen.
Ob durch die Beobachtung der Zeit, die Verschiebung des Körpers und der Identität, die Wiederentdeckung eines verlorenen Territoriums, die Dokumentation von Erfahrungen oder die Vergänglichkeit des Lebens – die präsentierten Werke dienen als Versuch, eine reflexive Landschaft der Realität zu konstruieren.
ÜBER DIE KÜNSTLER:
Osias André
Osias André, geboren in Mosambik, wanderte vor vier Jahren nach Portugal aus, wo er drei Stipendien der unabhängigen Kunstschule Ar.Co gewann, einer Institution, die sich dem Experimentieren und der künstlerischen Ausbildung widmet. Osias begann im Alter von acht Jahren zu malen und begann seine künstlerische Karriere mit grafischer Illustration und der Erstellung einer Büchersammlung. Für ihn erfordert die Malerei eine langsamere und indirektere Verdauung. Die hier präsentierten Gemälde sind mit ihren afrikanischen Ursprüngen verbunden und spiegeln gleichzeitig Osias' Identitätssuche wider, die in einer traditionellen europäischen Atelierpraxis durchgeführt wurde. Osias lebt und arbeitet derzeit in Lissabon.
Juliana Matsumura
Juliana Matsumura ist eine brasilianische Künstlerin, die derzeit in Lissabon lebt und arbeitet. Er schloss sein Designstudium an der Escola Ar.Co ab und studierte Textil und Mode an der Universität von São Paulo. Der Künstler ist außerdem Mitglied von Risco Coletivo, einem Kollektiv zeitgenössischer Zeichenpraktiken. Das Zeichnen steht im Mittelpunkt seiner Praxis und verwendet verschiedene Werkzeuge wie Gravur, Fotografie und Malerei. Juliana lebt und arbeitet derzeit in Lissabon.
Natalia Loyola
Natália Loyola hat einen Abschluss in Sozialkommunikation und Journalismus und schließt außerdem ihren Master in Anthropologie – Visuelle Kulturen an der Universidade Nova de Lisboa ab. Seine Forschung konzentriert sich hauptsächlich auf die Beobachtung der Orte, die er bereist, insbesondere städtische Landschaften. Natálias Fotografien sind eine Konstruktion territorialer Markierungen ihres eigenen Migrationsprozesses, die alle durch ihre Interaktionen mit der Stadt selbst und ihren Bewohnern sichtbar werden. Natália lebt und arbeitet derzeit in Almada, Portugal.
Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque ist eine brasilianische Künstlerin, die in Cascais arbeitet und lebt. Sein aktueller Forschungsschwerpunkt liegt auf wiederkehrenden Landschaften und Entwicklungen jenseits der historischen akademischen Tradition dieses Genres. Die geradezu zwanghafte Wiederholung von Bildern versucht, das Paradoxon zwischen der Beständigkeit und Vergänglichkeit unserer Umgebung, des uns Vertrauten, aber auch Vergänglichen, hervorzuheben. Die Wahl der Ölfarbe als Träger, die einer jahrhundertealten Tradition folgt, stellt die Kontinuität bestimmter Praktiken in Frage, die trotz ständiger Innovationen fortbestehen. Gabrielas Werk spannt die Tradition der Ölmalerei im Kontext zeitgenössischer Kunst.
Eduardo Dias
Eduardo Dias ist ein Biologe aus São Paulo, Brasilien und arbeitet derzeit an der Universidade Presbiteriana Mackenzie als Labortechniker am Biosciences Research Center. Seine Praxis führt ihn unter anderem in brasilianische Biome wie das Pantanal, den Cerrado, den Atlantischen Regenwald, und die Fotografie spielt auf seinen Reisen eine wichtige Rolle. Er nutzt es als Werkzeug, um seiner Fantasie freien Lauf zu lassen, aber auch als Mittel, um ein didaktisches Repertoire zu schaffen, in dem sein Wissen über Biologie mit Kunst verschmilzt.
Martim Meirelles
Martim Meirelles ist ein amerikanischer Fotograf, der in New York lebt und arbeitet. Als Nachkomme eines Portugiesen lebt Martim zwischen den USA, Portugal und Mosambik. Seine fotografischen Recherchen dokumentieren Menschenleben, die am Rande des wirtschaftlichen Wohlstands leben und denselben portugiesischen Sprachstamm haben. In seinem Werk liegt der Schwerpunkt auf Schönheit, Schmerz und Freude und unterstreicht die Fähigkeit des Künstlers, sich jedem Thema mit tiefer visueller Sensibilität zu nähern. Die hier präsentierten Fotografien sind das Ergebnis eines einjährigen Aufenthalts im Waisenhaus Madre Maria Clara in Mosambik im Jahr 2017 und auch eines künstlerischen Aufenthalts in Nazaré im Jahr 2014.
Roberta Goldfarb
Roberta Goldfarb ist eine brasilianische Künstlerin, die derzeit in Lissabon lebt und arbeitet. Sie hat einen Abschluss in Werbung (FAAP, 2001) mit Schwerpunkt Fotografie von Senac (São Paulo), La Escuela de la Imagen y el Diseño und Centre Cívic Pati Llimona (Barcelona) sowie dem International Center of Photography (New York). Ihre Forschung basiert auf dem Wunsch der Künstlerin, physische Objekte und Erfahrungen zu sammeln und zu katalogisieren, die sonst in der Erinnerung verloren gehen würden. Roberta baut Gefühls- und Bedeutungssphären auf, indem sie zeigt, was sie mit ihren Augen sieht. Zu den Ausstellungen, an denen er teilnahm, gehörten „Dizer Fazer“ (Ateliê RG, SP, 2014), „Enquanto Tempo“ (Oficina Oswald de Andrade, SP, 2014), Clube dos Colecionadores (NowHere, Lissabon, 2020) und die Einzelausstellung „Aufstände, Windböen oder Pläne, die Welt zu sehen“ (Ateliê RG, SP, 2014) und „Präambeln für eine Geschichte der Welt“ (Galeria Rabieh, SP, 2012). Derzeit nimmt er an der Gemeinschaftsausstellung „Pedágio de Mim – Foco Brasil“ (Kein Museum, Lissabon) teil.
Kuratiert von Stephanie Wruck
Um den vollständigen Ausstellungskatalog zu erhalten, senden Sie uns eine E-Mail an: contact@coletivoamarelo.com
