von Stephanie Wruck | Okt. 9, 2023 | Veranstaltungen
Inmitten der lebendigen Farben und kraftvollen Ausdrücke betreten wir ein Universum, in dem das Vorgestellte mit dem Konkreten verschmilzt, in dem zufällige Begegnungen Landschaften aus Gedanken und Emotionen zeichnen.
In der nächsten Ausstellung von Coletivo Amarelo geben wir der facettenreichen Welt des Künstlers und Schauspielers Chico Diaz Raum, dessen Kunst durch die geheimnisvollen Strömungen einer imaginären Realität navigiert und das Sichtbare und Unsichtbare mit gleicher Leidenschaft und Neugier malt.
Inspiriert von der Eindringlichkeit der „Begegnungen“, die João Fiadeiro und Fernanda Eugénio beschrieben haben, lädt uns diese Ausstellung ein, „Wunden“ zu erkunden, die aus Unfällen und dem Unerwarteten entstehen und in ihrer subtilen Brutalität und Zartheit die Bereiche des Möglichen erweitern und das Denkbare.
Solche Begegnungen, diese unerwarteten Zusammenflüsse bilden den Kern der Arbeit von Diaz, einem Künstler, dessen Praxis sich in einem ständigen Dialog zwischen Suche und Begegnung, zwischen Wahrnehmung und Schöpfung entfaltet.
Chico Diaz, Maler seit seiner Kindheit und Autodidakt schlechthin, verknüpft Traumerzählungen mit der Physik von Emotionen und Realität. Seine Arbeit ist nicht durch Formeln oder starre Vorschriften eingeschränkt, sondern fließt, unvorhersehbar und beunruhigend, immer auf der Suche nach neuen Bedeutungen, neuen Wegen, neuen „Real-Imaginären“, die aus seinem eigenen Unterbewusstsein und der Welt um ihn herum entstehen.
Diaz illustriert nicht nur, sondern formt und konstruiert durch seine Kunst alternative Realitäten und lädt uns ein, in Landschaften einzutauchen, in denen das Mystische und das Irdische aufeinanderprallen, in denen mysteriöse Gesichter mit allegorischen und tropischen Horizonten verschmelzen und ein visuelles Vokabular aufbauen, das zwischen dem Dunklen und dem Dunklen oszilliert das Fröhliche, das Licht und das Geblendete. Dies ist eine Welt, in der sich die Dichotomie zwischen dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren auflöst und jedes Gemälde zu einem Portal zu anderen Dimensionen der Wahrnehmung und Existenz wird.
zxDie Ausstellung REAL IMAGINÁRIO ist nicht nur eine Demonstration von Diaz‘ Fähigkeiten als Maler, sondern auch eine Würdigung seiner erzählerischen Fähigkeiten, ein tieferes Eintauchen in die Praxis von jemandem, der sein ganzes Leben lang Geschichten erzählte, sei es durch Schauspielerei oder Malerei.
Der wesentliche Unterschied besteht darin, dass sich seine Erzählungen auf der Leinwand von den Zwängen des Konkreten und Logischen lösen und einen freien Flug zwischen Bedeutungs- und Ausdrucksebenen ermöglichen, die sowohl aus seinem Inneren als auch aus der Welt um ihn herum entstehen.
Lasst uns also zwischen den Tagen gehen 12. Oktober und 10. November 2023 im Casa da Cidadania da Língua in Coimbra, Erforschung der Tiefen eines Universums, in dem das Reale und das Imaginäre koexistieren und koexistieren, nicht als getrennte Einheiten, sondern als integrierte und wesentliche Aspekte der menschlichen Erfahrung.
In diesem Raum werden wir in Begleitung ausgewählter Werke von Chico Diaz durch vertrautes und zugleich seltsam neues Terrain geführt, wo jeder Pinselstrich, jede Figur, jede Farbe zum Nachdenken, Fühlen und vor allem Finden einlädt uns selbst und verlieren uns. in der Weite des Sichtbaren und Unsichtbaren.
In dem Raum, in dem die Ausdrucksformen von Chico Diaz unsere Wände und vielleicht auch unsere Wahrnehmungen mit den Nuancen seiner „realen Vorstellungen“ färben, warten wir auf Ihren Besuch.
von Stephanie Wruck | Sep. 18, 2023 | Veranstaltungen
Unsere dritte Ausstellung wird am 23. September um 18 Uhr in unseren Räumlichkeiten eröffnet.
Eine Einzelausstellung von Gabriela Albuquerque, kuratiert von Cristiana Tejo. Die Ausstellung vereint Albuquerques jüngste Werkserie mit dem Titel „Beach House“ sowie andere Landschaftsgemälde. Dies ist die erste Einzelausstellung der Künstlerin und sie wird von Chico Diaz begleitet, der einige ihrer Werke in unserem Projektraum präsentieren wird: Die kleinste Galerie in Lissabon.
Gabriela Albuquerque ist ein brasilianischer Künstler, der in Cascais arbeitet und lebt. Sein aktueller Forschungsschwerpunkt liegt auf wiederkehrenden Landschaften und Entwicklungen jenseits der historischen akademischen Tradition dieses Genres. Die geradezu zwanghafte Wiederholung von Bildern versucht, das Paradoxon zwischen Beständigkeit und Vergänglichkeit unserer Umgebung, des uns Vertrauten, aber auch Vergänglichen, hervorzuheben. Die Wahl der Ölfarbe als Träger, die einer jahrhundertealten Tradition folgt, stellt die Kontinuität bestimmter Praktiken in Frage, die trotz ständiger Innovationen fortbestehen. Die Bilder sind mehr als nur Aufzeichnungen von Momenten und Orten, sie sind auch ein – vielleicht scheiternder – Versuch, das Flüchtige dauerhaft zu machen.
Chico Diaz ist ein mexikanisch-brasilianischer Schauspieler und bildender Künstler, der derzeit in Rio de Janeiro, Brasilien, lebt. Diaz verbrachte den größten Teil seiner Kindheit damit, zwischen Peru, Costa Rica und Paraguay zu reisen. Im Alter von 14 Jahren begann Diaz seine Schauspielkarriere und ist seit den späten 1970er Jahren aktiv und trat in mehreren brasilianischen Fernsehserien und Filmen auf. 2022 gewann er beim Gramado Festival den Preis als bester Schauspieler für den Film „Noites Alienígenas“. Der Film wurde kürzlich auf dem FESTIN Film Festival in Lissabon gezeigt. Chico Diaz malt seit seiner Kindheit. Sein Werk ist geprägt von ausdrucksstarken Dichotomien, die alle in Traumerzählungen und Landschaften zu finden sind, die sich auf die Welt der Träume beziehen. Er ist in der Lage, ein kontrastierendes Vokabular zu entwickeln, das von spirituellen Symbolen bis hin zu brasilianischen Horizonten reicht. oft schwankend zwischen düsteren Gestalten und freudvollen Bildern.
Wir warten auf dich!
von Stephanie Wruck | 15. September 2023 | Artikel
Letzte Tage, um die 8. Ausgabe von Poster Mostra in Marvila zu besuchen
Die 8. Ausgabe von Poster Mostra, die am 20. Mai begann, geht zu Ende! Die Open-Air-Ausstellung läuft bis zum 20. September. Vier Monate lang wurde Kunst in Gebäuden in den Straßen von Marvila ausgestellt, einem Viertel voller Kultur in Lissabon.
Ausstellungsplakat – Open-Air-Kunst
Poster Mostra ist eine öffentliche Ausstellung in den Straßen von Marvila, einem der aktivsten Kulturzentren Lissabons. Die Initiative entstand als Hommage an eine der klassischsten Medienformen, das Plakat.
Die erstellten Poster umfassen Fotografie, Zeichnung, Text, Illustration oder Mischtechnik. Wie in den vorherigen Ausgaben wurden insgesamt 17 Gewinner ausgewählt, basierend auf Originalität, Ansatz und Anwendbarkeit auf das Posterformat.
Insgesamt sind es 37 Künstler, 20 Gäste und 17 Gewinner, die ihre Werke auf einem Rundgang zwischen Rua do Açúcar und Largo do Poço do Bispo ausstellen.
Mit Poster Mostra beweist Marvila einmal mehr, dass es ein kulturreiches Zentrum ist und verwandelt seine Straßen in eine wahre Kunstgalerie.
Dies ist nicht die einzige künstlerische Intervention in der Nachbarschaft, in der es mehrere Kunstgalerien gibt, darunter Underdogs im benachbarten Coletivo Amarelo, und in der kürzlich eine Ausstellung von Shepard Fairey, einem berühmten nordamerikanischen Straßenkünstler, zu sehen war.
Verpassen Sie nicht die Gelegenheit, dieses künstlerische Erlebnis durch die Hauptstraßen von Marvila zu erleben!
von Stephanie Wruck | Sep. 8, 2023 | Artikel
Die renommierte portugiesische Künstlerin Helena Almeida ist im Moreira Salles Institute in São Paulo ausgestellt. Unter dem Titel „Bewohnte Fotografie, Anthologie von Helena Almeida, 1969-2018“ ist dies die erste Einzelausstellung der Künstlerin in Brasilien. Die Ausstellung ist jetzt für die Öffentlichkeit zugänglich und findet bis zum 24. September im IMS Paulista statt.
Helena Almeida: Wer ist die Künstlerin?
Helena Almeida wurde 1934 in Lissabon geboren, wo sie bis zu ihrem Tod im September 2018 lebte.
Seine Reise in die Kunst umfasste verschiedene Formate, von Zeichnung, Malerei, Skulptur und Performance. Der Schwerpunkt ihrer Arbeit lag jedoch auf der Fotografie. Ende der 1960er-Jahre begann Helena Almeida mit dem, was ihr weiteres Leben als Künstlerin prägen sollte: der Fotografie, die sich durch Originalität und Pioniergeist auszeichnete.
Die Künstlerin experimentierte auch mit der Verwendung von Malerei in ihren Fotografien und schuf Werke, die ihre Karriere prägten, wie „Pinturas Habitadas“ (1975–1977) und „Dento de Mim“ (2001).
Der Künstler vertrat Portugal auf der ganzen Welt, zweimal auf der Biennale von Venedig, 1982 und 2005 auf der Biennale von São Paulo, 1979 und 2004 auf der Biennale von Sydney. Auf diesem Weg wurde Helena Almeida zu einer der bedeutendsten portugiesischen zeitgenössischen Künstlerinnen.
In den letzten Jahren wurden seine Arbeiten in Einzelausstellungen gezeigt, beispielsweise im Moreira Salles Institute in São Paulo.
Bewohnte Fotografie, Anthologie von Helena Almeida, 1969-2018
Die Ausstellung „Fotografia inhabitada, eine Anthologie von Helena Almeida, 1969-2018“ wird die erste Einzelausstellung der renommierten portugiesischen Künstlerin in Brasilien sein. Die von Isabel Carlos, Kuratorin für zeitgenössische Kunst und Kunsthistorikerin, kuratierte Ausstellung präsentiert eine Auswahl von Werken, die auf Fotografie und Zeichnung basieren und zwischen 1969 und 2018 entstanden sind.
Die Arbeiten thematisieren wiederkehrende Themen in Almeidas Schaffen, etwa die Befragung von Genres und künstlerischen Prozessen sowie die Selbstdarstellung von Künstlerinnen und Frauen.
In ihrer Produktion ist die Fotografie mehr als ein künstlerisches oder dokumentarisches Genre, sie ist eine konzeptionelle Stütze für die Ideen und Prozesse des Schaffens. Diese Untergrabung der Grenzen der Definitionen des Kunstwerks sowie die ständige Wiederholung ihres Status als Künstlerin bringen Helena Almeidas Werk auf den neuesten Stand und bestätigen die historische Relevanz ihrer Rolle in einer Generation, die neue Wege eröffnete und Prozesse in Denkweisen und artikulieren die Beziehung zwischen Kunst und Leben.
Die Ausstellung läuft bis zum 24. September von Dienstag bis Sonntag von 10 bis 22 Uhr im Instituto Moreira Salles Paulista in São Paulo.
von Stephanie Wruck | Aug. 24, 2023 | Artikel
Osias André und Ar.Co – Stipendiaten und Finalisten'22
Ar.Co ist eine unabhängige Kunstschule, die 1973 gegründet wurde und jährlich eine Ausstellung veranstaltet, die eine Auswahl von Werken von Finalisten und Stipendiaten des akademischen Jahres vereint. Einer der Künstler von Coletivo Amarelo, Osias André, ist unter den Ausgewählten und wir können seine Werke in der Ausstellung sehen, die bis zum 3. September läuft!
Ar.Co – Stipendiaten und Finalisten'22
Die Ausstellung, die den Werken der Studierenden und Stipendiaten der Schule gewidmet ist, trägt den Titel Ar.Co – Bolseiros & Finalistas'22 und zeigt die Arbeiten der Jahre 2021 und 2022. Insgesamt sind 25 Künstler aus verschiedenen künstlerischen Abteilungen vertreten, darunter Bildende Kunst. Zeichnen, Malen, Keramik, Fotografie, Illustration und Schmuck.
Laut dem Geschäftsführer der Ausstellung, Manuel Castro Caldas, zielt die jährliche Ausstellung darauf ab, die kritische Selbstdistanzierung der Aussteller und ihre Verantwortung gegenüber dem breiteren Gefüge der Gesellschaft und Geschichte zu fördern. Den Schulen ermöglicht die Ausstellung, die Relevanz und Wirksamkeit von Änderungen und Aktualisierungen ihrer Pädagogik zu bewerten. Und für Besucher ist die Ausstellung eine Gelegenheit, verschiedene Künste zu erleben, die einst als „klein“ und „groß“ galten.
Für Ar.Co und Coletivo Amarelo gibt es diese hierarchische Unterscheidung zwischen verschiedenen Kunstformen nicht. Mit der Ausstellung hat das Publikum die Möglichkeit, diese unterschiedlichen Kunstformen in sich aufzunehmen und zu verstehen, dass es kein größeres oder geringeres Gewicht gibt.
Osias André und Ar.Co
Osias André, ein mosambikanischer Künstler, ist einer derjenigen, die für die diesjährige Ausstellung ausgewählt wurden. Der Künstler hat einen einzigartigen Look und Ausdruck in seiner Kunst. Seine Arbeiten zeigen schwarze Körper in Bewegung, fast immer nackt, und verschiedene Bildelemente, die den Ausdruck dieser Bewegung unterstützen und eine Art Choreografie auf Leinwand schaffen.
Der Künstler war bereits in anderen Ausgaben der Ausstellung mit seinen Arbeiten vertreten und wurde bei anderen Gelegenheiten mit Preisen ausgezeichnet.
Zusätzlich zu den bei Ar.Co ausgestellten Werken ist es möglich, die Arbeit von Osias André in der Ausstellung Confluence do Coletivo Amarelo zu verfolgen, die bis zur zweiten Septemberhälfte läuft!
Ar.Co – Bolseiros & Finalistas'22 läuft bis zum 3. September und ist von Dienstag bis Sonntag von 10 bis 13 Uhr/14 bis 18 Uhr für die Öffentlichkeit zugänglich!
von Stephanie Wruck | Aug. 7, 2023 | Artikel
Barbie und Inspiration durch die Arbeit von Wayne Thiebaud
Einer der am meisten erwarteten Filme der letzten Jahre, der Live-Action-Film mit der berühmtesten Puppe der Welt, Barbie, feierte vor weniger als einem Monat Premiere und ist ein Erfolg beim Publikum und an den Kinokassen. Seit seiner Ankündigung hat der Film unterschiedliche Erwartungen geweckt. Was kann man schließlich von einem Puppenfilm erwarten?
Unter der Regie von Greta Gerwig, einer der vielversprechendsten Frauen der Branche, übertraf der Film die Erwartungen des Publikums und übertraf an den Kinokassen bereits die 1-Milliarde-US-Dollar-Marke und wurde damit zum größten von einer Frau gedrehten Film.
Ob es darum geht, die Rolle der Puppe in der Gesellschaft zu diskutierenDer Film spiegelt das Patriarchat wider oder spricht darüber, was es bedeutet, eine Frau zu sein. Er ist viel mehr als eine Realpuppe. Und ein Beweis dafür sind die Inspirationen, die der Regisseur und Drehbuchautor nutzte, um Barbieland zu erschaffen, die ideale Welt, in der Barbies leben und alle Bereiche der Gesellschaft beherrschen. Eine dieser Inspirationen ist der Künstler Wayne Thiebaud!
Wer ist Wayne Thiebaud?
Wayne Thiebaud ist ein renommierter nordamerikanischer Künstler, der ursprünglich aus Mesa, Arizona stammt und einer der wichtigsten Namen der Pop Art ist! Der Künstler ist für seine Gemälde von Alltagsgegenständen und städtischen Szenen bekannt, in denen er sich häufig mit Themen rund um Essen, insbesondere Desserts, beschäftigt.
Thiebaud ist weltbekannt für seine
uas Pinselstrichdie auffälligen und lebendigen Farben, die seinen Werken eine dreidimensionale und fast skulpturale Qualität verleihen. Ihr AnsatzEinzigartige Action verbindet Realismus mit einem Hauch von Humor und Übertreibung und schafft Bilder mit einem aufmerksamen Blick auf alltägliche Objekte.
Eine seiner ikonischsten und bekanntesten Serien ist seine Malerei von Kuchen, Torten und Eiscreme, in der er Texturen und Formen auf detaillierte und ansprechende Weise erforscht. Diese Serie ist eine der Inspirationen, die Greta Gerwig für die Entwicklung des Barbieland-Szenarios genutzt hat.
Wayne Thiebaud und Barbie
Barbieland, die magische Welt, in der Barbies leben, ist eine wahre Fantasie. Die mit Rosa gefüllten Szenerien wurden vollständig im Studio erstellt und entwickelt, ohne die Hilfe von Technologien wie beispielsweise CGI. Zu diesem Zweck haben Greta und der Produktionsdesigner von
Im Film verwendete Sarah Greenwood ein rosa Pigment, das zu einem weltweiten Mangel an fluoreszierenden Farben der Marke Rosco führte. Aber was hat das mit Wayne Thiebaud zu tun?
Laut Greenwood,der PygmäeMithilfe eines bestimmten Farbtons wurden etwa 12 verschiedene Rosatöne erzeugt, die in der gesamten Szenerie des Films verwendet wurden. Dies ist eine direkte Folge der Bewunderung von Regisseur Gerwig für Thiebauds Arbeit. Noch
Laut dem Produktionsdesigner ist dies auf die Arbeit von Thiebaud zurückzuführen, der in seinen Gemälden niemals Schwarz und Weiß verwendet. In diesem Fall bestanden ihre Schatten aus Blau- und Lilatönen.
Barbies Farbschema folgte diesem Muster, ohne Schwarz-, Weiß- oder Chromtöne zu verwenden, um die fantastische Welt der Puppen zu erschaffen, sondern nur verschiedene Rosatöne.
Die verschiedenen Formender Kunst
Die siebte Kunst, besser bekannt als Kino, nutzt seit jeher Parallelen zu den verschiedenen bestehenden Kunstformen. Ob in der Darstellung eines von einem Gemälde inspirierten Plans, in der Beleuchtung oder in den Farben. Die Künste überschneiden sich, um ein neues Konzept, eine neue Kunst zu schaffen.
Auch wenn Barbie ein weltweiter Blockbuster ist und der erste Kontakt für viele aussichtslos erscheinen mag, geht die Arbeit der künstlerischen Leitung des Films über das Oberflächliche hinaus und konzentriert sich auf Details, die die Produktion bereichern.
Zusätzlich zu dem Drehbuch, das anders ist als erwartet, können wir die Liebe zum Detail bei der Entwicklung der Hauptschauplätze, der Kleidung und sogar den Haaren der Hauptfigur, der stereotypischen Barbie, gespielt von Margot Robbie, bemerken. Denn die von der Schauspielerin getragene Perücke wurde täglich mit einem speziell für den Film entwickelten Toner getönt. Ziel war es, den Gelbstich der Blondine zu neutralisieren und einen starken Kontrast zwischen den Kostümen und den Haaren der Figur zu vermeiden.
Letztendlich bereichert die Liebe zum Detail in der künstlerischen Leitung Greta Gerwigs Arbeit nur und unterstreicht, dass Kunst sich auf unterschiedliche Weise präsentieren und auf sich selbst zurückwirken kann, was zu neuen Arbeiten und Perspektiven auf den unterschiedlichsten Plattformen und Formaten inspiriert. Barbie ist nur ein weiteres Beispiel dafür, wie Kunst sich selbst verewigt und neue Künstler inspiriert.
von Stephanie Wruck | 29. Juni 2023 | Veranstaltungen
Unsere zweite Ausstellung „KOLLEKTIVES EXPERIMENT: CONFLUÊNCIA“ wird am 8. Juli um 18 Uhr in unseren Räumlichkeiten eröffnet.
Die Ausstellung vereint die Arbeiten von drei Künstlern aus verschiedenen Teilen der Welt in einem einzigartigen Treffen in Lissabon. Osias Andre aus Mosambik, Gianlluca Carneiro aus Brasilien und Michael SaintClaire aus den Vereinigten Staaten. Es gibt verschiedene Kontinente und Kontexte, die eine durch ihre Ähnlichkeiten akzentuierte Poesie in sich tragen. Die von Cristiana Tejo kuratierte Ausstellung schafft eine Szene voller lebendiger Farben und Darstellungen jedes geografischen und persönlichen Bereichs. Osias Andre und Gianlluca Carneiro teilen sich unseren Hauptausstellungsraum, während Michael SaintClaire die „Minor Galeria de Lisboa“ mit speziell für die Ausstellung angefertigten Gemälden bewohnt. Die Künstler stehen im Dialog miteinander und präsentieren Gemälde, die eng mit ihren persönlichen Erfahrungen und künstlerischen Universen verknüpft sind.
Kommen Sie und stoßen Sie mit uns am Samstag, den 8. Juli, von 18 bis 21 Uhr in Marvila an.
Osias Andre
Gianlluca Carneiro
Michael SaintClaire
von Stephanie Wruck | 15. Juni 2023 | Artikel
Ich würde sagen, dass meine ersten Begegnungen mit Zines nur aufgrund meiner tiefen Bewunderung und Begeisterung für Punkrock entstanden sind. Auch wenn ich noch nicht einmal das Maximum Rocknroll- Zine angehört oder die atemberaubende „Copy-and-Paste“-Punk-Ästhetik der ersten Ausgabe von Search & Destroy live gesehen habe, stand ich schon immer im faszinierenden Bann unabhängiger Printpublikationen . Es gibt etwas Besonderes über die impulsive Energie der Zine-Schöpfer zu sagen, die etwas produzieren, angetrieben von Leidenschaft, Wut oder Rebellion, ohne sich große Sorgen um Geld zu machen, sondern in erster Linie das herauszubringen, was von innen kommt.
Als Coletivo Amarelo geboren wurde, gab es viel auszudrücken. Künstler hatten nicht nur Arbeiten zu zeigen, sondern auch Dinge zu sagen. Ich wusste, dass wir einen Weg finden mussten, diese Geschichten zu erzählen, und der digitale Raum würde nicht ausreichen. Vielleicht war es ein Versuch, Kunst in die Richtlinien der DIY-Welt einzupassen, und ich war wirklich gespannt, was dabei herauskommen würde.
Papier ist eine Revolution für sich. Während wir uns zwischen den Ecken des Internets bewegen, sind diese Cyberspaces ständig im Aufbau. Alles geht schnell. Es passiert jetzt. Papier hingegen nimmt mehr Zeit in Anspruch. Es ist eine langsamere Verdauung. Eine Einladung zur Intimität. Es zwingt uns, länger zu bleiben.
Unser „Katalog, Ordner, Broschüre, zusammengestellt aus Geschichten, Veröffentlichung, Zine“ wurde als Sammelobjekt, wiederverwendbar und greifbar konzipiert. Jede Ausstellung in unserer Galerie wird ein eigenes Kapitel haben. Sie können die einzelnen Kapitel gerne sammeln, indem Sie sie Ihrem Exemplar des Katalogs hinzufügen. Es ist ein modularer Tanz, eine Hommage an die tadellose Arbeit von Grafikdesignern, eine gemeinsame Anstrengung einer Gruppe von Künstlern. Es ist ein rebellisches, aber durchaus romantisches Engagement, eingetaucht in die nostalgische und verführerische Natur gedruckter Materialien.
Unser Katalog steht auf unserer Website zum Kauf bereit. Während unserer Ausstellungen werden wir die nächsten Kapitel verteilen. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihr Exemplar des Katalogs haben, damit Sie jedes Kapitel sammeln können.
Lebendig! Bis zum nächsten Mal!
von Stephanie Wruck | 10. Mai 2023 | Veranstaltungen
Wir freuen uns, Sie zur Einweihung unseres physischen Raums in Lissabon am 20. Mai von 18:00 bis 21:00 Uhr in der Rua Capitão Leitão 74 einzuladen
ICH HOFFE: JERUSA SIMONE
Zunächst im virtuellen Bereich eröffnet die Plattform am 20. Mai ihren physischen Raum im Viertel Marvila mit der Ausstellung Oxalá, der ersten Einzelausstellung der portugiesischen Künstlerin Jerusa Simone in Lissabon. Die von Cristiana Tejo kuratierte Ausstellung umfasst aktuelle Gemälde, die die in ihren Werken wiederkehrenden Zeichen wie Feuer, das Auge und dissidente Körper in einer traumhaften Atmosphäre hervorheben, die die persönlichen Erinnerungen der Künstlerin wachruft.
Die Ausstellungen im Coletivo Amarelo-Raum sind wie Kapitel einer Geschichte, die nach und nach enthüllt wird und die Besucher dazu einlädt, zurückzukommen, um ihr zu folgen. Gleichzeitig finden Besetzungen in der Menor Galeria de Lisboa statt, einem Projektraum, der Künstler des Kollektivs und Gastkünstler willkommen heißt. Die kleinste Galerie debütiert mit Veridiana Leite, einer in Lissabon lebenden brasilianischen Künstlerin, die in ihren Gemälden besuchte und imaginäre Landschaften in Bildkompositionen erforscht, die Abstraktionismus und Figurativismus sowie menschliche und nichtmenschliche Wesen miteinander verschränken. Seine Bildschirme erweitern sich oft zu Installationen und Objekten.
Wir beginnen jetzt ein neues Kapitel für Coletivo Amarelo. Kunstwerke sind ein wichtiger Teil der Gesellschaft und wir hoffen, die Kluft zwischen Kunst und Öffentlichkeit zu überbrücken, indem wir echte kreative Erlebnisse bieten. Stoßen Sie an und feiern Sie mit uns die lebendige künstlerische Atmosphäre von Marvila!
von Stephanie Wruck | 20. März 2023 | Veranstaltungen
Am 22. findet die Alentejo International Biennale statt. Bei der Ausgabe der Veranstaltung, die vom 22. bis 26. März 2023 in Estremoz stattfinden wird, werden mehr als 140 nationale und internationale Künstler aus 15 Ländern anwesend sein, um die Vielfalt der künstlerischen Modelle und Techniken zu gewährleisten Ausdruck zeitgenössisch. Unter so vielen Künstlern wurde eines ihrer Werke für die Ausstellung von Gabriela Albuquerque, Gründungspartnerin von Coletivo Amarelo, ausgewählt.
Nutzlose Landschaft VI, 2021, Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque ist eine brasilianische Künstlerin, die ihre Erfahrungen in verschiedenen Kontexten künstlerisch darstellen möchte. Seine erste Ausbildung absolvierte er in Literatur an der Universität von São Paulo, doch schon bald wechselte er in den Bereich der bildenden Künste, als er an der PUC-SP sein Studium der Kritik und Kuratierung abschloss. Anschließend arbeitete sie kurzzeitig als Kuratorin und Kunstkritikerin in der Stadt São Paulo.
Die Künstlerin zog nach Washington DC, der Hauptstadt der Vereinigten Staaten, und begann ihre praktische Ausbildung als bildende Künstlerin an der Art League-Schule in Alexandria, Virginia. All dies, ohne sein Feld der Kritik und Kuration aufzugeben, indem er aktiv an Gruppen, Treffen und Workshops teilnimmt, die von der Smithsonian Institution und der National Gallery of Art gefördert werden.
Nachdem Gabriela Albuquerque drei Jahre in Virginia gelebt hatte, zog sie nach Seattle im Bundesstaat Washington. In der neuen Stadt trat sie in die Gage Academy of Art ein, wo sie ihre künstlerische Ausbildung fortsetzte.
Derzeit lebt Gabriela in Cascais, Portugal. Die Brasilianerin hat ihre Ausbildung in Malerei am Ar.CO-Studienzentrum abgeschlossen und ist derzeit Teil der NowHere-Studien- und kritischen Überwachungsgruppe unter der Leitung der Kuratorin Cristiana Tejo.
Die Internationale Alentejo-Biennale
Die erste Ausgabe von BIALE wird von ARTMOZ mit Unterstützung des Stadtrats von Estremoz und der regionalen Kulturdirektion von Alentejo organisiert und hat als Partner die Cerveira International Arts Biennial und die National Society of Fine Arts. Zu den Werken internationaler und nationaler Künstler zählen Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle, Skulpturen, Keramiken und Fotografien.
Die Veranstaltung beginnt am 22. März, die Eröffnung ist für 18:30 Uhr geplant. Am Sonntag, 26. März, findet die Abschlusssitzung der Alentejo International Biennale statt.
Wir laden Sie ein, an dieser Veranstaltung teilzunehmen und die Chance zu nutzen, Werke von Künstlern aus 15 Ländern zu entdecken. Darunter auch die Brasilianerin Gabriela Albuquerque, unsere Gründungspartnerin.
von Stephanie Wruck | Feb. 6, 2023 | Artikel
Es lässt sich nicht leugnen, dass Kunst und Politik miteinander verbunden sind. Ob aus dem Wunsch des Künstlers, seine Position zum Ausdruck zu bringen, oder aus deren Fehlen, auf die eine oder andere Weise übermittelt Kunst eine politische Botschaft. Einer der dem Menschen innewohnenden Wünsche, der diese Manifestation motiviert, ist das Streben nach Freiheit. Im historischen Kontext Brasiliens wäre dies nicht anders. Schließlich ist die Ausübung von Kunst in Brasilien an sich schon ein politischer Akt. Vor diesem Hintergrund werden wir uns im heutigen Artikel mit der Schnittstelle zwischen Kunst und Politik in der Arbeit brasilianischer Künstler und ihrem Einfluss auf das Land befassen.
Kunst ist Politik!
Kunst ist und war schon immer ein politischer Ausdruck! Es ist sogar möglich, diesen Zusammenhang zu verschiedenen historischen Zeitpunkten zu analysieren. Sei es in der Renaissance, als Gemälde je nach politischer Stellung des Käufers in Auftrag gegeben und ausgeführt wurden. Sei es in einem diktatorischen Moment, in dem Kunst zensiert wird. Kunst ist politisch und künstlerischer Ausdruck hat eine Kraft, ob beabsichtigt oder nicht.
Bei der Schaffung eines Kunstwerks kann sich der Künstler beispielsweise dafür entscheiden, sich gegen das System, gegen Unterdrückung und gegen überholte gesellschaftliche Normen auszusprechen. Es gibt unendlich viele Positionen, die ein Künstler in seiner Arbeit anwenden kann. Ebenso wie es aber auch Künstler gibt, die keine politische Position vertreten wollen, ist die fehlende Meinungsäußerung eine Position für sich.
Anders als viele denken, muss die Verbindung von Kunst und Politik nicht unbedingt pamphletischer Natur sein. Mit anderen Worten: Unterstützen Sie eine Idee radikal und massiv. Die einfache Tatsache, dass bestimmte Künstler sich in ihren Werken ausdrücken und ihre Realität demonstrieren, ist ein politischer Akt.
Wenn wir über Kunst und Politik sprechen, ist es in der Gesellschaft auch üblich, dies als eine Auferlegung von Indoktrination gegenüber dem Betrachter zu verstehen. Die Realität beweist jedoch, dass dies oberflächliches und unbegründetes Denken ist. Denn Kunst ist subjektiv und interagiert mit jedem Einzelnen auf unterschiedliche Weise. Es gibt verschiedene Reize und Wirkungen, die der künstlerische Ausdruck auf den Betrachter auslöst, und ihre Interpretation hängt von seinem kulturellen, politischen und sozialen Hintergrund ab.
Kunst und Politik im brasilianischen Kontext
In Brasilien, einem Land voller Kultur und Vielfalt, ist Kunst ein starkes politisches Instrument. Um dies zu veranschaulichen, zeichnen wir eine Zeitleiste mit verschiedenen Künstlern und ihren Auswirkungen auf die brasilianische Gesellschaft.
Almeida Júnior – Hinterwäldler beim Tabakhacken
Der Künstler lebte im 19. Jahrhundert, genauer gesagt zwischen 1850 und 1899. Almeida Júnior wird meist mit einem Wort in Verbindung gebracht, das als abwertend angesehen werden kann: „caipira“. Diese Beziehung ergibt sich aus der Darstellung des brasilianischen Volkes in seiner Pluralität, wobei der Schwerpunkt auf „einfachen“ Menschen liegt und die Darstellung berühmter und aristokratischer Persönlichkeiten, wie es üblich war, vermieden wird.
Oswald de Andrade – Anthropophagisches Manifest
Die 1920er Jahre sind ein historischer Meilenstein für die brasilianische Kunst. Vor 101 Jahren fand die Woche der Modernen Kunst statt, mit der die modernistische Bewegung im Land ihren Anfang nahm. Einige Jahre später, 1928, veröffentlichte Oswald de Andrade sein Anthropophagisches Manifest. Inspiriert von den Ideen des Künstlers und politischen Aktivisten Filippo Tommaso Marinetti, dem Schöpfer des Futurismus in der Kunst, gründete Andrade eine historische Bewegung.
Der Künstler veröffentlichte sein Manifest in der Zeitschrift Antropofagia in São Paulo mit dem Ziel, Techniken und Einflüsse aus anderen Ländern zu „schlucken“. Auf diese Weise förderte Oswald de Andrade die Schaffung einer neuen brasilianischen künstlerischen Ästhetik.
Die Bewegung erhielt ihren Namen von der Förderung des „Kannibalismus“ der fremden Kultur. Schließlich hat die ausländische Kultur die brasilianische Kunst stark beeinflusst. Das Ziel des Künstlers war es, eine neue brasilianische Identität zu fördern, multikulturell und originell, genau wie seine Menschen.
Tarsila do Amaral – Abaporu
Abaporu, eines der berühmtesten Gemälde der gefeierten brasilianischen Künstlerin, steht im Anthropophagischen Manifest im direkten Dialog mit der Arbeit ihres Mannes Oswald de Andrade.
Das Gemälde zeigt einen sitzenden Mann mit unverhältnismäßigen Gliedmaßen, vergrößerten Füßen und Händen und einem im Vergleich zum Rest des Körpers winzigen Kopf. Darüber hinaus verstärken die Sonne im Zentrum des Gemäldes und die Darstellung eines Kaktus die Idee, die wir aus dem Gemälde verstehen können.
Das Werk gilt als eine Kritik an der körperlichen Arbeit, erschöpfend und mit wenig kritischem Denken, die die Realität eines großen Teils der damaligen Bevölkerung widerspiegelt. Das Gemälde wurde 1928 gemalt und markiert die anthropophagische Phase des Künstlers, die bis 1930 andauerte.
Kunst und Politik während der Militärdiktatur in Brasilien
In den Jahren 1964 und 1985 erlebte Brasilien die Militärdiktatur, eine dunkle und repressive Zeit. Es gab fast 30 Jahre militärischer Unterdrückung und Künstler gehörten natürlich zu den großen Klassen, die von der Diktatur betroffen, verfolgt und zensiert wurden.
Kunst als Politik hat nicht geschwiegen, im Gegenteil. Selbst in einer Zeit der Zensur nutzten viele Künstler ihre Arbeit zur Förderung der Meinungsfreiheit, was jedoch zunehmend zum Schweigen gebracht wurde.
Wir haben einige der Künstler ausgewählt, die im Kampf gegen ein unterdrückerisches und diktatorisches System herausragten:
Cildo Meireles – Abweichung zum Roten
Cildo Meireles ist ein brasilianischer Künstler, der für seine Pionierarbeit bei der Schaffung von Kunstinstallationen im Land bekannt ist. Während der Diktatur bewies der Künstler eine starke politische Haltung, die wir in seiner Installation „Desvio para o Vermelho“ (1967 – 1984) analysieren können. Die Installation ist durch diese beiden Daten gekennzeichnet, da sie das Jahr ihrer Entstehung (1967) und das Jahr ihrer ersten Montage (1984) markiert.
Das Werk ist in drei rot gestrichene und miteinander verbundene Räume unterteilt. In der ersten Umgebung, Imprägnierung, befinden wir uns in einem weißen Raum voller Möbel und Arbeiten in Rottönen. Im Gegensatz dazu steht das schwache Licht von Entorno, der zweiten Umgebung, wo man eine umgestürzte Flasche beobachten kann, in der eine rote Flüssigkeit in einer völlig dunklen Umgebung fließt. In der letzten Umgebung, Desvio, führt das Geräusch von fließendem Wasser den Betrachter in einen völlig dunklen Raum. Die Dunkelheit wird nur durch ein seltsames Waschbecken unterbrochen, in dem rotes Wasser fließt und Lärm erzeugt.
Hélio Oiticica – Tropicália
Tropicália ist ein Begriff, der vom Künstler Hélio Oiticica geschaffen wurde und in einer Installation vertreten ist, die 1967 auf der Ausstellung Nova Objetivide Brasileira im Museum für Moderne Kunst in Rio de Janeiro ausgestellt wurde. Das Werk ist eine Umgebung bestehend aus Penetráveis, PN2 (1966) – Pureza É a Myth und PN3 (1966-1967) – Bilder. Dies war das Werk, das die ästhetische Schöpfung der Tropicalista-Bewegung zwischen den 1960er und 1970er Jahren inspirierte.
Das Werk ist reich an typischen Elementen der brasilianischen Populärkultur, wie unter anderem Sand, Erde, tropische Pflanzen, Stoffe. Alle diese Elemente zusammen untergruben die ästhetische Ordnung der europäischen Moderne.
Anna Maria Maiolino – „Was übrig bleibt“
Durch politische und provokante Arbeiten erkundete die italienisch-brasilianische Künstlerin Anna Maria Maiolino verschiedene Materialien und Ausdrucksmittel. In diktatorischen Zeiten waren die Fragen immer präsent: „Wie spricht man?“ Wie kommuniziert man in Zeiten der Diktatur?“
Diese Zweifel kommen im Werk des Künstlers zum Ausdruck, etwa in der Fotografie „O que Sobra“ (1974), die eine Frau mit entblößter Zunge zwischen einer Schere zeigt. Durch ihre Kunst stellt die Künstlerin Fragen!
Adriana Varejão
Der Künstler hat eine einzigartige Vision und Werke. Seine Arbeit beginnt mit einer Frage: „Was wäre, wenn die Wände Eingeweide, Muskeln und Blut hätten?“ Adriana Varejão gehört zu den bedeutendsten Namen der brasilianischen zeitgenössischen Kunst und hat im Inhotim, dem größten Freilichtmuseum der Welt in Brumadinho, Minas Gerais, einen Pavillon, der ihrer Arbeit gewidmet ist.
Im Zentrum seiner Arbeit steht jedoch nicht nur die Idee von Wänden, die menschliche Eingeweide simulieren. In ihren bei Inhotim ausgestellten Werken kritisiert die Künstlerin die Wunden, die die brasilianische Geschichte hinterlassen hat.
Regina Parra
Die Künstlerin drückt ihre Kunst durch Malerei, Fotografie und Video aus, mit einem starken politischen Charakter, der mit aktuellen Fragen des Feminismus und des Überlebens in einem Universum verbunden ist, das immer noch frauenfeindlich und sexistisch ist. Regina Parra thematisiert in ihren Arbeiten Themen wie Unterdrückung, Ungehorsam und weiblichen Widerstand.
Kunst und Politik im aktuellen Szenario in Brasilien
Die brasilianische Politik war gelinde gesagt mit Brüchen konfrontiert. Vier Jahre lang herrschte eine Regierung, die offen gegen den künstlerischen Ausdruck war. Gleich zu Beginn der Amtszeit des ehemaligen Präsidenten wurde das Kulturministerium abgeschafft, der audiovisuelle Sektor abgeschafft und die Kunst entmutigt.
Das Jahr 2023 begann mit dem Wechsel dieser Regierung, doch der Übergang verlief nicht reibungslos. Der derzeitige Präsident Brasiliens, Luís Inácio Lula da Silva, trat am 1. Januar sein Amt an und nur eine Woche später drangen Anhänger des ehemaligen Präsidenten in die Gebäude der drei Mächte in Brasília ein. Die von einer organisierten Gruppe verübten Terroranschläge hinterließen ein verheerendes Bild.
Das öffentliche Erbe des Landes wurde zerstört oder beschädigt, darunter auch unschätzbare Kunstwerke. Zu den Verlusten gehört das Gemälde As Mulatas von Di Cavalcanti. Es handelt sich um eine horizontale Tafel mit großer Betonung auf vier weiblichen Figuren, die über einer großen Landschaft arbeiten. Es handelt sich um Frauen mit bräunlicher Hautfarbe, Mischlinge und Mulattinnen.
In diesem Gemälde verwendet die Künstlerin die gleiche Logik wie Almeida Júnior, die darin besteht, marginalisierten und sozial unterdrückten Figuren Protagonisten zu geben, die aber den Kern des Funktionierens unseres sozialen Gefüges bilden. Das auf 8 Mio. R$ geschätzte Werk befand sich im Edlen Saal des Palácio do Planalto und hatte sieben Risse auf der Leinwand.
Neben Di Cavalcantes gefeierten Werken wurden bei den Terroranschlägen vom 8. Januar 2023 mehrere Kunstwerke getroffen und zerstört.
Die Zerstörung dieses Erbes durch Extremisten beweist, dass Kunst politisch ist! Es beweist, dass Kunst tatsächlich notwendig ist. Schließlich erzeugt die brasilianische Realität, die mit der Absicht ausgedrückt wird, sich ihr zu stellen, selbst beim Laien Unbehagen. Kunst ist politisch und wird es immer sein, egal wie viele Gegenkräfte auftauchen.
von Stephanie Wruck | 6. Januar 2023 | Neuer Künstler
Coletivo Amarelo ist stolz, einen weiteren unglaublichen Künstler in unser Repertoire aufzunehmen. Shikha Baheti Lohia ist eine indische Künstlerin mit einer einzigartigen Vision und Kunstfertigkeit.
Lernen Sie Shikha Baheti kennen, eine Künstlerin, die ihre Erfahrungen durch botanische Kunst und schwarze Tinte zum Ausdruck bringt
Shikha Bahetis Arbeiten sind eine visuelle Zusammenfassung ihrer Überlegungen und Prinzipien zu nicht nur ästhetischen, sondern auch existenziellen Aspekten der Natur. Schließlich sind Zeit und Erfahrung, Weisheit und Alter, Tod und Überleben wesentliche Bestandteile des Lebensprozesses.
Shikha, eine aufstrebende Künstlerin aus Hyderabad, der Hauptstadt des Bundesstaates Telangana, hat abstrakte botanische Designs geschaffen, die die physiologischen Aspekte des Überlebens, des Alters und der Weisheit aufgreifen und dabei Blumen als Thema ihrer Arbeit verwenden. Der Künstler dekonstruiert die Blume, um ihre ursprünglichen Aspekte der Fortpflanzung, des Hungers und des Überlebens freizulegen.
Shikha zieht Parallelen zu ihrem Erwachsenwerden, nachdem sie Mutter geworden war, und blickt über die Schönheit und Zerbrechlichkeit hinaus, mit der Blumen oft in Verbindung gebracht werden, und betrachtet sie als matriarchalisches Leuchtfeuer der Weisheit, Entschlossenheit und Widerstandsfähigkeit. Seine Verwendung von schwarzer Tinte ist nicht nur von seinem Bildungshintergrund inspiriert, sondern auch von der Tatsache, dass Schwarz und Weiß allumfassend und seiner Meinung nach die reinsten, bescheidensten und wahrsten Farben sind.
Derzeit zeigt der Künstler zwei Ausstellungen, eine bei Art Mela und die andere in der Holy Art Gallery in London, einer Galerie, die aufstrebenden Künstlern gewidmet ist.
Es ist eine Ehre, Shikha Baheti im Yellow Collective begrüßen zu dürfen.
Die Darstellung von Blumen in der weiblichen Kunst
Shikha Baheti ist nicht die erste Frau, die Blumendarstellungen in ihrer Kunst verwendet. Wir haben vier Künstlerinnen ausgewählt, die im Laufe ihrer Karriere Blumen in ihrer künstlerischen Vision repräsentierten.
Georgia O'Keeffe
Die amerikanische Künstlerin ist für ihre poetischen Gemälde verschiedener Blumenarten bekannt und gilt als eine der bedeutendsten weiblichen Figuren der Kunstgeschichte.
Ihr Einsatz von Farben und die organischen Formen der Blumen verleihen ihr eine feminine und zarte Atmosphäre, die auch auf das große Interesse der Malerin an Musik zurückzuführen ist. Seit 1918 tauchen in ihren Gemälden Blumen auf, doch erst 1924 malte sie ihre erste vergrößerte Blume. Zwischen 1918 und 1932 schuf der Künstler mehr als 200 Gemälde mit Blumen aller Art: Rosen, Petunien, Mohn, Kamelien, Sonnenblumen usw.
Red Canna, Georgia O'Keeffe
Marianne North
Marianne war eine englische Biologin, die auch für ihre Gemälde von Blumen, Pflanzen und Naturlandschaften bekannt war. Seine Arbeit erfasste die tiefsten Details der Botanik bemerkenswert und unglaublich genau.
Im Jahr 1870 reiste er nach Brasilien, wo er acht Monate lang mehr als 100 Gemälde anfertigte, die auf Beobachtungen des dortigen Ökosystems und der Fauna basierten. Diese Leidenschaft für Landschaften und Malerei führte die Künstlerin dazu, sich in einer Hütte im Wald zurückzuziehen, wo sie die Landschaften, die sie fand, in Öl malte.
Osterblume, Morro Velho, Brasilien, Marianne North
Anna Atkins
Die Botanikerin und Fotografin Atkins war die erste Künstlerin, die ein Fotobuch mit Bildern veröffentlichte, und außerdem eine der ersten Fotografinnen. Anna fertigte Cyanotypien an, bei denen es sich im Fall der Künstlerin um in Blau gedruckte Bilder von Blumen und Pflanzen handelt. Seine Fassungen waren für die damalige Zeit revolutionär. Darin platzierte der Künstler Pflanzen auf Fotopapier und schuf so filigrane Fotogramme. Das Unglaubliche an diesem Prozess ist, dass er im Jahr 1850 durchgeführt wurde!
Cyanotypie von Cystoseira fibrosa, der britischen Alge von Anna Atkins
Hilma af Klint
Die Schwedin Hilma af Klint gilt als Pionierin der abstrakten Kunst. Mitte der 1890er Jahre fertigte der Künstler einige botanische Studien an und übertrug sie in detaillierte Zeichnungen in Aquarell und Graphit auf Papier.
Zwischen 1906 und 1915 schuf Hilma mehr als 150 Gemälde.
Über die Betrachtung von Blumen und Bäumen, Hilma af Klint
Shikha Baheti macht sich auf den Weg zu diesen großartigen Künstlern als Frau, die Blumen verwendet, um die gesamte Komplexität ihrer Existenz darzustellen. Coletivo Amarelo ist sehr stolz, Teil dieser Geschichte zu sein. Kaufen Sie jetzt Shikhas exklusive Werke.
