von Stephanie Wruck | 7. August 2023 | Artikel
Barbie und Inspiration durch die Arbeit von Wayne Thiebaud
Einer der am meisten erwarteten Filme der letzten Jahre, der Live-Action-Film mit der berühmtesten Puppe der Welt, Barbie, feierte vor weniger als einem Monat Premiere und ist ein Erfolg beim Publikum und an den Kinokassen. Seit seiner Ankündigung hat der Film unterschiedliche Erwartungen geweckt. Was kann man schließlich von einem Puppenfilm erwarten?
Unter der Regie von Greta Gerwig, einer der vielversprechendsten Frauen der Branche, übertraf der Film die Erwartungen des Publikums und übertraf an den Kinokassen bereits die 1-Milliarde-US-Dollar-Marke und wurde damit zum größten von einer Frau gedrehten Film.
Ob es darum geht, die Rolle der Puppe in der Gesellschaft zu diskutierenDer Film spiegelt das Patriarchat wider oder spricht darüber, was es bedeutet, eine Frau zu sein. Er ist viel mehr als eine Realpuppe. Und ein Beweis dafür sind die Inspirationen, die der Regisseur und Drehbuchautor nutzte, um Barbieland zu erschaffen, die ideale Welt, in der Barbies leben und alle Bereiche der Gesellschaft beherrschen. Eine dieser Inspirationen ist der Künstler Wayne Thiebaud!
Wer ist Wayne Thiebaud?
Wayne Thiebaud ist ein renommierter nordamerikanischer Künstler, der ursprünglich aus Mesa, Arizona stammt und einer der wichtigsten Namen der Pop Art ist! Der Künstler ist für seine Gemälde von Alltagsgegenständen und städtischen Szenen bekannt, in denen er sich häufig mit Themen rund um Essen, insbesondere Desserts, beschäftigt.
Thiebaud ist weltbekannt für seine
uas Pinselstrichdie auffälligen und lebendigen Farben, die seinen Werken eine dreidimensionale und fast skulpturale Qualität verleihen. Ihr AnsatzEinzigartige Action verbindet Realismus mit einem Hauch von Humor und Übertreibung und schafft Bilder mit einem aufmerksamen Blick auf alltägliche Objekte.
Eine seiner ikonischsten und bekanntesten Serien ist seine Malerei von Kuchen, Torten und Eiscreme, in der er Texturen und Formen auf detaillierte und ansprechende Weise erforscht. Diese Serie ist eine der Inspirationen, die Greta Gerwig für die Entwicklung des Barbieland-Szenarios genutzt hat.
Wayne Thiebaud und Barbie
Barbieland, die magische Welt, in der Barbies leben, ist eine wahre Fantasie. Die mit Rosa gefüllten Szenerien wurden vollständig im Studio erstellt und entwickelt, ohne die Hilfe von Technologien wie beispielsweise CGI. Zu diesem Zweck haben Greta und der Produktionsdesigner von
Im Film verwendete Sarah Greenwood ein rosa Pigment, das zu einem weltweiten Mangel an fluoreszierenden Farben der Marke Rosco führte. Aber was hat das mit Wayne Thiebaud zu tun?
Laut Greenwood,der PygmäeMithilfe eines bestimmten Farbtons wurden etwa 12 verschiedene Rosatöne erzeugt, die in der gesamten Szenerie des Films verwendet wurden. Dies ist eine direkte Folge der Bewunderung von Regisseur Gerwig für Thiebauds Arbeit. Noch
Laut dem Produktionsdesigner ist dies auf die Arbeit von Thiebaud zurückzuführen, der in seinen Gemälden niemals Schwarz und Weiß verwendet. In diesem Fall bestanden ihre Schatten aus Blau- und Lilatönen.
Barbies Farbschema folgte diesem Muster, ohne Schwarz-, Weiß- oder Chromtöne zu verwenden, um die fantastische Welt der Puppen zu erschaffen, sondern nur verschiedene Rosatöne.
Die verschiedenen Formender Kunst
Die siebte Kunst, besser bekannt als Kino, nutzt seit jeher Parallelen zu den verschiedenen bestehenden Kunstformen. Ob in der Darstellung eines von einem Gemälde inspirierten Plans, in der Beleuchtung oder in den Farben. Die Künste überschneiden sich, um ein neues Konzept, eine neue Kunst zu schaffen.
Auch wenn Barbie ein weltweiter Blockbuster ist und der erste Kontakt für viele aussichtslos erscheinen mag, geht die Arbeit der künstlerischen Leitung des Films über das Oberflächliche hinaus und konzentriert sich auf Details, die die Produktion bereichern.
Zusätzlich zu dem Drehbuch, das anders ist als erwartet, können wir die Liebe zum Detail bei der Entwicklung der Hauptschauplätze, der Kleidung und sogar den Haaren der Hauptfigur, der stereotypischen Barbie, gespielt von Margot Robbie, bemerken. Denn die von der Schauspielerin getragene Perücke wurde täglich mit einem speziell für den Film entwickelten Toner getönt. Ziel war es, den Gelbstich der Blondine zu neutralisieren und einen starken Kontrast zwischen den Kostümen und den Haaren der Figur zu vermeiden.
Letztendlich bereichert die Liebe zum Detail in der künstlerischen Leitung Greta Gerwigs Arbeit nur und unterstreicht, dass Kunst sich auf unterschiedliche Weise präsentieren und auf sich selbst zurückwirken kann, was zu neuen Arbeiten und Perspektiven auf den unterschiedlichsten Plattformen und Formaten inspiriert. Barbie ist nur ein weiteres Beispiel dafür, wie Kunst sich selbst verewigt und neue Künstler inspiriert.
von Stephanie Wruck | 29. Juni 2023 | Veranstaltungen
Unsere zweite Ausstellung „KOLLEKTIVES EXPERIMENT: CONFLUÊNCIA“ wird am 8. Juli um 18 Uhr in unseren Räumlichkeiten eröffnet.
Die Ausstellung vereint die Arbeiten von drei Künstlern aus verschiedenen Teilen der Welt in einem einzigartigen Treffen in Lissabon. Osias Andre aus Mosambik, Gianlluca Carneiro aus Brasilien und Michael SaintClaire aus den Vereinigten Staaten. Es gibt verschiedene Kontinente und Kontexte, die eine durch ihre Ähnlichkeiten akzentuierte Poesie in sich tragen. Die von Cristiana Tejo kuratierte Ausstellung schafft eine Szene voller lebendiger Farben und Darstellungen jedes geografischen und persönlichen Bereichs. Osias Andre und Gianlluca Carneiro teilen sich unseren Hauptausstellungsraum, während Michael SaintClaire die „Minor Galeria de Lisboa“ mit speziell für die Ausstellung angefertigten Gemälden bewohnt. Die Künstler stehen im Dialog miteinander und präsentieren Gemälde, die eng mit ihren persönlichen Erfahrungen und künstlerischen Universen verknüpft sind.
Kommen Sie und stoßen Sie mit uns am Samstag, den 8. Juli, von 18 bis 21 Uhr in Marvila an.
Osias Andre
Gianlluca Carneiro
Michael SaintClaire
von Stephanie Wruck | 15. Juni 2023 | Artikel
Ich würde sagen, dass meine ersten Begegnungen mit Zines nur aufgrund meiner tiefen Bewunderung und Begeisterung für Punkrock entstanden sind. Auch wenn ich noch nicht einmal das Maximum Rocknroll- Zine angehört oder die atemberaubende „Copy-and-Paste“-Punk-Ästhetik der ersten Ausgabe von Search & Destroy live gesehen habe, stand ich schon immer im faszinierenden Bann unabhängiger Printpublikationen . Es gibt etwas Besonderes über die impulsive Energie der Zine-Schöpfer zu sagen, die etwas produzieren, angetrieben von Leidenschaft, Wut oder Rebellion, ohne sich große Sorgen um Geld zu machen, sondern in erster Linie das herauszubringen, was von innen kommt.
Als Coletivo Amarelo geboren wurde, gab es viel auszudrücken. Künstler hatten nicht nur Arbeiten zu zeigen, sondern auch Dinge zu sagen. Ich wusste, dass wir einen Weg finden mussten, diese Geschichten zu erzählen, und der digitale Raum würde nicht ausreichen. Vielleicht war es ein Versuch, Kunst in die Richtlinien der DIY-Welt einzupassen, und ich war wirklich gespannt, was dabei herauskommen würde.
Papier ist eine Revolution für sich. Während wir uns zwischen den Ecken des Internets bewegen, sind diese Cyberspaces ständig im Aufbau. Alles geht schnell. Es passiert jetzt. Papier hingegen nimmt mehr Zeit in Anspruch. Es ist eine langsamere Verdauung. Eine Einladung zur Intimität. Es zwingt uns, länger zu bleiben.
Unser „Katalog, Ordner, Broschüre, zusammengestellt aus Geschichten, Veröffentlichung, Zine“ wurde als Sammelobjekt, wiederverwendbar und greifbar konzipiert. Jede Ausstellung in unserer Galerie wird ein eigenes Kapitel haben. Sie können die einzelnen Kapitel gerne sammeln, indem Sie sie Ihrem Exemplar des Katalogs hinzufügen. Es ist ein modularer Tanz, eine Hommage an die tadellose Arbeit von Grafikdesignern, eine gemeinsame Anstrengung einer Gruppe von Künstlern. Es ist ein rebellisches, aber durchaus romantisches Engagement, eingetaucht in die nostalgische und verführerische Natur gedruckter Materialien.
Unser Katalog steht auf unserer Website zum Kauf bereit. Während unserer Ausstellungen werden wir die nächsten Kapitel verteilen. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihr Exemplar des Katalogs haben, damit Sie jedes Kapitel sammeln können.
Lebendig! Bis zum nächsten Mal!
von Stephanie Wruck | 10. Mai 2023 | Veranstaltungen
Wir freuen uns, Sie zur Einweihung unseres physischen Raums in Lissabon am 20. Mai von 18:00 bis 21:00 Uhr in der Rua Capitão Leitão 74 einzuladen
ICH HOFFE: JERUSA SIMONE
Zunächst im virtuellen Bereich eröffnet die Plattform am 20. Mai ihren physischen Raum im Viertel Marvila mit der Ausstellung Oxalá, der ersten Einzelausstellung der portugiesischen Künstlerin Jerusa Simone in Lissabon. Die von Cristiana Tejo kuratierte Ausstellung umfasst aktuelle Gemälde, die die in ihren Werken wiederkehrenden Zeichen wie Feuer, das Auge und dissidente Körper in einer traumhaften Atmosphäre hervorheben, die die persönlichen Erinnerungen der Künstlerin wachruft.
Die Ausstellungen im Coletivo Amarelo-Raum sind wie Kapitel einer Geschichte, die nach und nach enthüllt wird und die Besucher dazu einlädt, zurückzukommen, um ihr zu folgen. Gleichzeitig finden Besetzungen in der Menor Galeria de Lisboa statt, einem Projektraum, der Künstler des Kollektivs und Gastkünstler willkommen heißt. Die kleinste Galerie debütiert mit Veridiana Leite, einer in Lissabon lebenden brasilianischen Künstlerin, die in ihren Gemälden besuchte und imaginäre Landschaften in Bildkompositionen erforscht, die Abstraktionismus und Figurativismus sowie menschliche und nichtmenschliche Wesen miteinander verschränken. Seine Bildschirme erweitern sich oft zu Installationen und Objekten.
Wir beginnen jetzt ein neues Kapitel für Coletivo Amarelo. Kunstwerke sind ein wichtiger Teil der Gesellschaft und wir hoffen, die Kluft zwischen Kunst und Öffentlichkeit zu überbrücken, indem wir echte kreative Erlebnisse bieten. Stoßen Sie an und feiern Sie mit uns die lebendige künstlerische Atmosphäre von Marvila!
von Stephanie Wruck | 20. Mrz. 2023 | Veranstaltungen
Am 22. findet die Alentejo International Biennale statt. Bei der Ausgabe der Veranstaltung, die vom 22. bis 26. März 2023 in Estremoz stattfinden wird, werden mehr als 140 nationale und internationale Künstler aus 15 Ländern anwesend sein, um die Vielfalt der künstlerischen Modelle und Techniken zu gewährleisten Ausdruck zeitgenössisch. Unter so vielen Künstlern wurde eines ihrer Werke für die Ausstellung von Gabriela Albuquerque, Gründungspartnerin von Coletivo Amarelo, ausgewählt.
Nutzlose Landschaft VI, 2021, Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque ist eine brasilianische Künstlerin, die ihre Erfahrungen in verschiedenen Kontexten künstlerisch darstellen möchte. Seine erste Ausbildung absolvierte er in Literatur an der Universität von São Paulo, doch schon bald wechselte er in den Bereich der bildenden Künste, als er an der PUC-SP sein Studium der Kritik und Kuratierung abschloss. Anschließend arbeitete sie kurzzeitig als Kuratorin und Kunstkritikerin in der Stadt São Paulo.
Die Künstlerin zog nach Washington DC, der Hauptstadt der Vereinigten Staaten, und begann ihre praktische Ausbildung als bildende Künstlerin an der Art League-Schule in Alexandria, Virginia. All dies, ohne sein Feld der Kritik und Kuration aufzugeben, indem er aktiv an Gruppen, Treffen und Workshops teilnimmt, die von der Smithsonian Institution und der National Gallery of Art gefördert werden.
Nachdem Gabriela Albuquerque drei Jahre in Virginia gelebt hatte, zog sie nach Seattle im Bundesstaat Washington. In der neuen Stadt trat sie in die Gage Academy of Art ein, wo sie ihre künstlerische Ausbildung fortsetzte.
Derzeit lebt Gabriela in Cascais, Portugal. Die Brasilianerin hat ihre Ausbildung in Malerei am Ar.CO-Studienzentrum abgeschlossen und ist derzeit Teil der NowHere-Studien- und kritischen Überwachungsgruppe unter der Leitung der Kuratorin Cristiana Tejo.
Die Internationale Alentejo-Biennale
Die erste Ausgabe von BIALE wird von ARTMOZ mit Unterstützung des Stadtrats von Estremoz und der regionalen Kulturdirektion von Alentejo organisiert und hat als Partner die Cerveira International Arts Biennial und die National Society of Fine Arts. Zu den Werken internationaler und nationaler Künstler zählen Gemälde, Zeichnungen, Aquarelle, Skulpturen, Keramiken und Fotografien.
Die Veranstaltung beginnt am 22. März, die Eröffnung ist für 18:30 Uhr geplant. Am Sonntag, 26. März, findet die Abschlusssitzung der Alentejo International Biennale statt.
Wir laden Sie ein, an dieser Veranstaltung teilzunehmen und die Chance zu nutzen, Werke von Künstlern aus 15 Ländern zu entdecken. Darunter auch die Brasilianerin Gabriela Albuquerque, unsere Gründungspartnerin.
von Stephanie Wruck | 6. Februar 2023 | Artikel
Es lässt sich nicht leugnen, dass Kunst und Politik miteinander verbunden sind. Ob aus dem Wunsch des Künstlers, seine Position zum Ausdruck zu bringen, oder aus deren Fehlen, auf die eine oder andere Weise übermittelt Kunst eine politische Botschaft. Einer der dem Menschen innewohnenden Wünsche, der diese Manifestation motiviert, ist das Streben nach Freiheit. Im historischen Kontext Brasiliens wäre dies nicht anders. Schließlich ist die Ausübung von Kunst in Brasilien an sich schon ein politischer Akt. Vor diesem Hintergrund werden wir uns im heutigen Artikel mit der Schnittstelle zwischen Kunst und Politik in der Arbeit brasilianischer Künstler und ihrem Einfluss auf das Land befassen.
Kunst ist Politik!
Kunst ist und war schon immer ein politischer Ausdruck! Es ist sogar möglich, diesen Zusammenhang zu verschiedenen historischen Zeitpunkten zu analysieren. Sei es in der Renaissance, als Gemälde je nach politischer Stellung des Käufers in Auftrag gegeben und ausgeführt wurden. Sei es in einem diktatorischen Moment, in dem Kunst zensiert wird. Kunst ist politisch und künstlerischer Ausdruck hat eine Kraft, ob beabsichtigt oder nicht.
Bei der Schaffung eines Kunstwerks kann sich der Künstler beispielsweise dafür entscheiden, sich gegen das System, gegen Unterdrückung und gegen überholte gesellschaftliche Normen auszusprechen. Es gibt unendlich viele Positionen, die ein Künstler in seiner Arbeit anwenden kann. Ebenso wie es aber auch Künstler gibt, die keine politische Position vertreten wollen, ist die fehlende Meinungsäußerung eine Position für sich.
Anders als viele denken, muss die Verbindung von Kunst und Politik nicht unbedingt pamphletischer Natur sein. Mit anderen Worten: Unterstützen Sie eine Idee radikal und massiv. Die einfache Tatsache, dass bestimmte Künstler sich in ihren Werken ausdrücken und ihre Realität demonstrieren, ist ein politischer Akt.
Wenn wir über Kunst und Politik sprechen, ist es in der Gesellschaft auch üblich, dies als eine Auferlegung von Indoktrination gegenüber dem Betrachter zu verstehen. Die Realität beweist jedoch, dass dies oberflächliches und unbegründetes Denken ist. Denn Kunst ist subjektiv und interagiert mit jedem Einzelnen auf unterschiedliche Weise. Es gibt verschiedene Reize und Wirkungen, die der künstlerische Ausdruck auf den Betrachter auslöst, und ihre Interpretation hängt von seinem kulturellen, politischen und sozialen Hintergrund ab.
Kunst und Politik im brasilianischen Kontext
In Brasilien, einem Land voller Kultur und Vielfalt, ist Kunst ein starkes politisches Instrument. Um dies zu veranschaulichen, zeichnen wir eine Zeitleiste mit verschiedenen Künstlern und ihren Auswirkungen auf die brasilianische Gesellschaft.
Almeida Júnior – Hinterwäldler beim Tabakhacken
Der Künstler lebte im 19. Jahrhundert, genauer gesagt zwischen 1850 und 1899. Almeida Júnior wird meist mit einem Wort in Verbindung gebracht, das als abwertend angesehen werden kann: „caipira“. Diese Beziehung ergibt sich aus der Darstellung des brasilianischen Volkes in seiner Pluralität, wobei der Schwerpunkt auf „einfachen“ Menschen liegt und die Darstellung berühmter und aristokratischer Persönlichkeiten, wie es üblich war, vermieden wird.
Oswald de Andrade – Anthropophagisches Manifest
Die 1920er Jahre sind ein historischer Meilenstein für die brasilianische Kunst. Vor 101 Jahren fand die Woche der Modernen Kunst statt, mit der die modernistische Bewegung im Land ihren Anfang nahm. Einige Jahre später, 1928, veröffentlichte Oswald de Andrade sein Anthropophagisches Manifest. Inspiriert von den Ideen des Künstlers und politischen Aktivisten Filippo Tommaso Marinetti, dem Schöpfer des Futurismus in der Kunst, gründete Andrade eine historische Bewegung.
Der Künstler veröffentlichte sein Manifest in der Zeitschrift Antropofagia in São Paulo mit dem Ziel, Techniken und Einflüsse aus anderen Ländern zu „schlucken“. Auf diese Weise förderte Oswald de Andrade die Schaffung einer neuen brasilianischen künstlerischen Ästhetik.
Die Bewegung erhielt ihren Namen von der Förderung des „Kannibalismus“ der fremden Kultur. Schließlich hat die ausländische Kultur die brasilianische Kunst stark beeinflusst. Das Ziel des Künstlers war es, eine neue brasilianische Identität zu fördern, multikulturell und originell, genau wie seine Menschen.
Tarsila do Amaral – Abaporu
Abaporu, eines der berühmtesten Gemälde der gefeierten brasilianischen Künstlerin, steht im Anthropophagischen Manifest im direkten Dialog mit der Arbeit ihres Mannes Oswald de Andrade.
Das Gemälde zeigt einen sitzenden Mann mit unverhältnismäßigen Gliedmaßen, vergrößerten Füßen und Händen und einem im Vergleich zum Rest des Körpers winzigen Kopf. Darüber hinaus verstärken die Sonne im Zentrum des Gemäldes und die Darstellung eines Kaktus die Idee, die wir aus dem Gemälde verstehen können.
Das Werk gilt als eine Kritik an der körperlichen Arbeit, erschöpfend und mit wenig kritischem Denken, die die Realität eines großen Teils der damaligen Bevölkerung widerspiegelt. Das Gemälde wurde 1928 gemalt und markiert die anthropophagische Phase des Künstlers, die bis 1930 andauerte.
Kunst und Politik während der Militärdiktatur in Brasilien
In den Jahren 1964 und 1985 erlebte Brasilien die Militärdiktatur, eine dunkle und repressive Zeit. Es gab fast 30 Jahre militärischer Unterdrückung und Künstler gehörten natürlich zu den großen Klassen, die von der Diktatur betroffen, verfolgt und zensiert wurden.
Kunst als Politik hat nicht geschwiegen, im Gegenteil. Selbst in einer Zeit der Zensur nutzten viele Künstler ihre Arbeit zur Förderung der Meinungsfreiheit, was jedoch zunehmend zum Schweigen gebracht wurde.
Wir haben einige der Künstler ausgewählt, die im Kampf gegen ein unterdrückerisches und diktatorisches System herausragten:
Cildo Meireles – Abweichung zum Roten
Cildo Meireles ist ein brasilianischer Künstler, der für seine Pionierarbeit bei der Schaffung von Kunstinstallationen im Land bekannt ist. Während der Diktatur bewies der Künstler eine starke politische Haltung, die wir in seiner Installation „Desvio para o Vermelho“ (1967 – 1984) analysieren können. Die Installation ist durch diese beiden Daten gekennzeichnet, da sie das Jahr ihrer Entstehung (1967) und das Jahr ihrer ersten Montage (1984) markiert.
Das Werk ist in drei rot gestrichene und miteinander verbundene Räume unterteilt. In der ersten Umgebung, Imprägnierung, befinden wir uns in einem weißen Raum voller Möbel und Arbeiten in Rottönen. Im Gegensatz dazu steht das schwache Licht von Entorno, der zweiten Umgebung, wo man eine umgestürzte Flasche beobachten kann, in der eine rote Flüssigkeit in einer völlig dunklen Umgebung fließt. In der letzten Umgebung, Desvio, führt das Geräusch von fließendem Wasser den Betrachter in einen völlig dunklen Raum. Die Dunkelheit wird nur durch ein seltsames Waschbecken unterbrochen, in dem rotes Wasser fließt und Lärm erzeugt.
Hélio Oiticica – Tropicália
Tropicália ist ein Begriff, der vom Künstler Hélio Oiticica geschaffen wurde und in einer Installation vertreten ist, die 1967 auf der Ausstellung Nova Objetivide Brasileira im Museum für Moderne Kunst in Rio de Janeiro ausgestellt wurde. Das Werk ist eine Umgebung bestehend aus Penetráveis, PN2 (1966) – Pureza É a Myth und PN3 (1966-1967) – Bilder. Dies war das Werk, das die ästhetische Schöpfung der Tropicalista-Bewegung zwischen den 1960er und 1970er Jahren inspirierte.
Das Werk ist reich an typischen Elementen der brasilianischen Populärkultur, wie unter anderem Sand, Erde, tropische Pflanzen, Stoffe. Alle diese Elemente zusammen untergruben die ästhetische Ordnung der europäischen Moderne.
Anna Maria Maiolino – „Was übrig bleibt“
Durch politische und provokante Arbeiten erkundete die italienisch-brasilianische Künstlerin Anna Maria Maiolino verschiedene Materialien und Ausdrucksmittel. In diktatorischen Zeiten waren die Fragen immer präsent: „Wie spricht man?“ Wie kommuniziert man in Zeiten der Diktatur?“
Diese Zweifel kommen im Werk des Künstlers zum Ausdruck, etwa in der Fotografie „O que Sobra“ (1974), die eine Frau mit entblößter Zunge zwischen einer Schere zeigt. Durch ihre Kunst stellt die Künstlerin Fragen!
Adriana Varejão
Der Künstler hat eine einzigartige Vision und Werke. Seine Arbeit beginnt mit einer Frage: „Was wäre, wenn die Wände Eingeweide, Muskeln und Blut hätten?“ Adriana Varejão gehört zu den bedeutendsten Namen der brasilianischen zeitgenössischen Kunst und hat im Inhotim, dem größten Freilichtmuseum der Welt in Brumadinho, Minas Gerais, einen Pavillon, der ihrer Arbeit gewidmet ist.
Im Zentrum seiner Arbeit steht jedoch nicht nur die Idee von Wänden, die menschliche Eingeweide simulieren. In ihren bei Inhotim ausgestellten Werken kritisiert die Künstlerin die Wunden, die die brasilianische Geschichte hinterlassen hat.
Regina Parra
Die Künstlerin drückt ihre Kunst durch Malerei, Fotografie und Video aus, mit einem starken politischen Charakter, der mit aktuellen Fragen des Feminismus und des Überlebens in einem Universum verbunden ist, das immer noch frauenfeindlich und sexistisch ist. Regina Parra thematisiert in ihren Arbeiten Themen wie Unterdrückung, Ungehorsam und weiblichen Widerstand.
Kunst und Politik im aktuellen Szenario in Brasilien
Die brasilianische Politik war gelinde gesagt mit Brüchen konfrontiert. Vier Jahre lang herrschte eine Regierung, die offen gegen den künstlerischen Ausdruck war. Gleich zu Beginn der Amtszeit des ehemaligen Präsidenten wurde das Kulturministerium abgeschafft, der audiovisuelle Sektor abgeschafft und die Kunst entmutigt.
Das Jahr 2023 begann mit dem Wechsel dieser Regierung, doch der Übergang verlief nicht reibungslos. Der derzeitige Präsident Brasiliens, Luís Inácio Lula da Silva, trat am 1. Januar sein Amt an und nur eine Woche später drangen Anhänger des ehemaligen Präsidenten in die Gebäude der drei Mächte in Brasília ein. Die von einer organisierten Gruppe verübten Terroranschläge hinterließen ein verheerendes Bild.
Das öffentliche Erbe des Landes wurde zerstört oder beschädigt, darunter auch unschätzbare Kunstwerke. Zu den Verlusten gehört das Gemälde As Mulatas von Di Cavalcanti. Es handelt sich um eine horizontale Tafel mit großer Betonung auf vier weiblichen Figuren, die über einer großen Landschaft arbeiten. Es handelt sich um Frauen mit bräunlicher Hautfarbe, Mischlinge und Mulattinnen.
In diesem Gemälde verwendet die Künstlerin die gleiche Logik wie Almeida Júnior, die darin besteht, marginalisierten und sozial unterdrückten Figuren Protagonisten zu geben, die aber den Kern des Funktionierens unseres sozialen Gefüges bilden. Das auf 8 Mio. R$ geschätzte Werk befand sich im Edlen Saal des Palácio do Planalto und hatte sieben Risse auf der Leinwand.
Neben Di Cavalcantes gefeierten Werken wurden bei den Terroranschlägen vom 8. Januar 2023 mehrere Kunstwerke getroffen und zerstört.
Die Zerstörung dieses Erbes durch Extremisten beweist, dass Kunst politisch ist! Es beweist, dass Kunst tatsächlich notwendig ist. Schließlich erzeugt die brasilianische Realität, die mit der Absicht ausgedrückt wird, sich ihr zu stellen, selbst beim Laien Unbehagen. Kunst ist politisch und wird es immer sein, egal wie viele Gegenkräfte auftauchen.
von Stephanie Wruck | 6. Januar 2023 | Neuer Künstler
Coletivo Amarelo ist stolz, einen weiteren unglaublichen Künstler in unser Repertoire aufzunehmen. Shikha Baheti Lohia ist eine indische Künstlerin mit einer einzigartigen Vision und Kunstfertigkeit.
Lernen Sie Shikha Baheti kennen, eine Künstlerin, die ihre Erfahrungen durch botanische Kunst und schwarze Tinte zum Ausdruck bringt
Shikha Bahetis Arbeiten sind eine visuelle Zusammenfassung ihrer Überlegungen und Prinzipien zu nicht nur ästhetischen, sondern auch existenziellen Aspekten der Natur. Schließlich sind Zeit und Erfahrung, Weisheit und Alter, Tod und Überleben wesentliche Bestandteile des Lebensprozesses.
Shikha, eine aufstrebende Künstlerin aus Hyderabad, der Hauptstadt des Bundesstaates Telangana, hat abstrakte botanische Designs geschaffen, die die physiologischen Aspekte des Überlebens, des Alters und der Weisheit aufgreifen und dabei Blumen als Thema ihrer Arbeit verwenden. Der Künstler dekonstruiert die Blume, um ihre ursprünglichen Aspekte der Fortpflanzung, des Hungers und des Überlebens freizulegen.
Shikha zieht Parallelen zu ihrem Erwachsenwerden, nachdem sie Mutter geworden war, und blickt über die Schönheit und Zerbrechlichkeit hinaus, mit der Blumen oft in Verbindung gebracht werden, und betrachtet sie als matriarchalisches Leuchtfeuer der Weisheit, Entschlossenheit und Widerstandsfähigkeit. Seine Verwendung von schwarzer Tinte ist nicht nur von seinem Bildungshintergrund inspiriert, sondern auch von der Tatsache, dass Schwarz und Weiß allumfassend und seiner Meinung nach die reinsten, bescheidensten und wahrsten Farben sind.
Derzeit zeigt der Künstler zwei Ausstellungen, eine bei Art Mela und die andere in der Holy Art Gallery in London, einer Galerie, die aufstrebenden Künstlern gewidmet ist.
Es ist eine Ehre, Shikha Baheti im Yellow Collective begrüßen zu dürfen.
Die Darstellung von Blumen in der weiblichen Kunst
Shikha Baheti ist nicht die erste Frau, die Blumendarstellungen in ihrer Kunst verwendet. Wir haben vier Künstlerinnen ausgewählt, die im Laufe ihrer Karriere Blumen in ihrer künstlerischen Vision repräsentierten.
Georgia O'Keeffe
Die amerikanische Künstlerin ist für ihre poetischen Gemälde verschiedener Blumenarten bekannt und gilt als eine der bedeutendsten weiblichen Figuren der Kunstgeschichte.
Ihr Einsatz von Farben und die organischen Formen der Blumen verleihen ihr eine feminine und zarte Atmosphäre, die auch auf das große Interesse der Malerin an Musik zurückzuführen ist. Seit 1918 tauchen in ihren Gemälden Blumen auf, doch erst 1924 malte sie ihre erste vergrößerte Blume. Zwischen 1918 und 1932 schuf der Künstler mehr als 200 Gemälde mit Blumen aller Art: Rosen, Petunien, Mohn, Kamelien, Sonnenblumen usw.
Red Canna, Georgia O'Keeffe
Marianne North
Marianne war eine englische Biologin, die auch für ihre Gemälde von Blumen, Pflanzen und Naturlandschaften bekannt war. Seine Arbeit erfasste die tiefsten Details der Botanik bemerkenswert und unglaublich genau.
Im Jahr 1870 reiste er nach Brasilien, wo er acht Monate lang mehr als 100 Gemälde anfertigte, die auf Beobachtungen des dortigen Ökosystems und der Fauna basierten. Diese Leidenschaft für Landschaften und Malerei führte die Künstlerin dazu, sich in einer Hütte im Wald zurückzuziehen, wo sie die Landschaften, die sie fand, in Öl malte.
Osterblume, Morro Velho, Brasilien, Marianne North
Anna Atkins
Die Botanikerin und Fotografin Atkins war die erste Künstlerin, die ein Fotobuch mit Bildern veröffentlichte, und außerdem eine der ersten Fotografinnen. Anna fertigte Cyanotypien an, bei denen es sich im Fall der Künstlerin um in Blau gedruckte Bilder von Blumen und Pflanzen handelt. Seine Fassungen waren für die damalige Zeit revolutionär. Darin platzierte der Künstler Pflanzen auf Fotopapier und schuf so filigrane Fotogramme. Das Unglaubliche an diesem Prozess ist, dass er im Jahr 1850 durchgeführt wurde!
Cyanotypie von Cystoseira fibrosa, der britischen Alge von Anna Atkins
Hilma af Klint
Die Schwedin Hilma af Klint gilt als Pionierin der abstrakten Kunst. Mitte der 1890er Jahre fertigte der Künstler einige botanische Studien an und übertrug sie in detaillierte Zeichnungen in Aquarell und Graphit auf Papier.
Zwischen 1906 und 1915 schuf Hilma mehr als 150 Gemälde.
Über die Betrachtung von Blumen und Bäumen, Hilma af Klint
Shikha Baheti macht sich auf den Weg zu diesen großartigen Künstlern als Frau, die Blumen verwendet, um die gesamte Komplexität ihrer Existenz darzustellen. Coletivo Amarelo ist sehr stolz, Teil dieser Geschichte zu sein. Kaufen Sie jetzt Shikhas exklusive Werke.
von Stephanie Wruck | 22. November 2022 | Neuer Künstler
Wie lernt man etwas über Kunst? Diese etwas subjektive Frage wird von einem der neuesten Künstler bei Coletivo Amarelo, Gianlluca Carneiro, beantwortet. Der brasilianische Künstler und Lehrer engagiert sich direkt in Bürgerschafts- und Ethikprojekten und hat im Klassenzimmer Wege gefunden, seine Schüler durch Bildung durch Kunst an Politik heranzuführen.
Lernen Sie Gianlluca Carneiro und seine Vision zur Kunsterziehung kennen
In seinem Portfolio erzählt Gianlluca einen kleinen Teil seiner Geschichte. Der in Minas Gerais, Brasilien, geborene bildende Künstler ist außerdem Geschichtslehrer an der städtischen Schule von Cariacica in Espírito Santo. Darüber hinaus verfügt Gianlluca über einen Abschluss in Rechtswissenschaften und studierte Kunst und Pädagogik an der CEFART in Belo Horizonte.
Schon in sehr jungen Jahren, genauer gesagt ab seinem 6. Lebensjahr, zeigte sich Gianlluca durch die Malerei als Künstler. Seitdem hat er mehr als 20 Jahre damit verbracht, seine Kunst auf verschiedenen Ausstellungen in Minas Gerais, São Paulo und Espírito Santo zu zeigen. Ganz zu schweigen von Veröffentlichungen in national und international renommierten Magazinen und Ausstellungen, wie etwa seinem Werk „Humor Azul, Coração Azul“, das Finalist der Doncaster Art Fair war.
Gianlluca Carneiro nennt sein künstlerisches Universum Cabeça Vazia, eine Anspielung auf das beliebte Sprichwort „leerer Kopf, die Werkstatt des Teufels“. In seinen eigenen Worten: „Wichtig ist, dass dieser leere Kopf voll ist und damit beschäftigt ist, Werke mit Farben, Linien und farbenfrohen und chaotischen Kompositionen zu produzieren, die immer von Kritik an politischen und sozialen Strukturen und der zeitgenössischen Lebensweise getragen werden.“
Der zeitgenössische Künstler ist mit den neuesten Diskussionen auf der ganzen Welt verbunden. Einer davon ist, wie wichtig es ist, das aktuelle künstlerische Ausbildungssystem zu überdenken.
Documenta 15
Die Documenta ist eine der größten Ausstellungen zeitgenössischer Kunst weltweit und findet alle fünf Jahre in der Stadt Kassel statt. Die Ausstellung wurde 1955 von Arnold Bode im Nachkriegsdeutschland ins Leben gerufen. Ein Teil seiner Motivation entstand aus der Notwendigkeit, die vom Nationalsozialismus verbotene Kunst wiederzubeleben und das Land wieder an die neuesten internationalen Trends heranzuführen. Seitdem hat sich die Ausstellung Documenta 15 zu einer sehr wichtigen Institution in der Kunstwelt entwickelt.
Im Jahr 2022 fand die 15. Ausgabe der Ausstellung statt, kuratiert vom Ruangrupa-Kollektiv aus Jakarta, Indonesien. Das Kollektiv basierte auf der Documenta auf den Werten und Ideen eines in Indonesien sehr gebräuchlichen Begriffs: Lumbung, was so viel wie „gemeinschaftlicher Reisspeicher“ bedeutet. Die Idee, diesen Begriff als künstlerisches und wirtschaftliches Leitbild zu nutzen, basiert auf Prinzipien wie Kollektivität, der gemeinsamen Konstruktion von Ressourcen und deren gerechter Verteilung.
In dieser Ausgabe fanden mehrere Punkte Anklang und einer von ihnen steht im direkten Dialog mit der Kunst und aktiven Positionierung von Gianlluca Carneiro, die darin besteht, die Strukturen der zeitgenössischen künstlerischen Ausbildung neu zu denken. In der Ausstellung wird dies aus der Idee des Kollektivs übersetzt und die Frage gestellt, warum wir nicht voneinander lernen und Paradigmen wie die Autoritätsfigur des Lehrers brechen können.
Diese Idee der Transformation der Bildung kommt in der Documenta 15 durch die Kunst von *foundationClass zum Ausdruck, einem 2016 an der Weißensee Kunsthochschule Berlin (KHB) gegründeten Kollektiv. Das Kollektiv entstand als Bildungsplattform für Kunst und als Toolkit, um das Leben von Einwanderern, die von Rassismus in Deutschland betroffen sind, zu erleichtern.
Um tiefer in dieses Konzept der kollektiven künstlerischen Bildung einzutauchen und den Künstler besser kennenzulernen, führte Coletivo Amarelo ein Interview mit Gianlluca Carneiro. Lesen Sie einen Auszug aus unserem Gespräch, das wir mit einer Rede des Künstlers eröffnet haben, die all diese Gedanken hinter der künstlerischen Ausbildung und dieses unerforschte Potenzial vereint.
Gianlluca: Ich sehe bei meinen Schülern großes künstlerisches Potenzial, das in der Schule nicht so sehr ausgeschöpft wird, und versuche als Lehrer und Künstler, ihnen dieses jederzeit nahezubringen. Was mitbringen? Wir bringen Ideen ein, um etwas in ihnen zu wecken, und entmystifizieren die Vorstellung, dass es Kunst nur in Museen gibt, während wir in Wirklichkeit ständig Kunst machen. Und nutzen Sie dies, um über Politik zu diskutieren
Gelbes Kollektiv: Gibt es innerhalb der Schule Hindernisse bei der Einführung dieser neuen Modelle? Was ist der Widerstand?
Gianlluca: Das Verrückteste an der ganzen Sache ist, dass ich Teil eines Projekts namens „Ensina Brasil“ bin, das auf Bereiche mit sozialer Verwundbarkeit abzielt, und durch Zufall in eine Schule geraten bin, in der es Militärpersonal gibt. Für einen Moment dachte ich, das wäre ein Hindernis, aber es gelingt mir, das Thema Politik tiefergehend anzusprechen, ohne oberflächliche Reden und auch ohne Parteilichkeit. Aber seltsamerweise erleichtert dies mithilfe von Kunst sogar den Prozess innerhalb der Schule.
Gelbes Kollektiv: Die Figur des Lehrers ist ein Ort des Trostes, der Sicherheit, wo „es keine dummen Fragen gibt“, ein weniger einschüchternder Raum … Welchen Rat würden Sie als Lehrer denjenigen geben, die mit dem Kunstschaffen beginnen und mehr über Kunst lernen möchten? , aber nicht. Wissen Sie, wo Sie anfangen sollen, oder sind Sie vielleicht schüchtern?
Gianlluca: Die Distanz zur Kunst kommt manchmal von sehr komplexen Sprachen, die wir Menschen nur schwer näher bringen können ... Ich gebe Ihnen ein Beispiel für etwas, das mir diese Woche passiert ist. Als ich in der Schule an einem Kunstwettbewerb teilnahm, betonte ich, dass es einen Preis geben würde, dieser aber nicht dazu dienen sollte, diesen aggressiven Wettbewerb anzuregen, sondern vielmehr die Kreativität anzuregen.
Einer meiner Sonderschüler hat Glasaugen, Sehbehinderung und hat den Zeichenwettbewerb gewonnen. Es war ein Außenstand, sein Lächeln war unglaublich. Eine andere Studentin mit sehr geringem Selbstwertgefühl gewann den Malwettbewerb und konnte nie sehen, was sie tat. Ich habe immer gesagt, dass alles, was ich gemacht habe, Scheiße war ... Das hat mir wieder einmal gezeigt, dass Kunst das ist, was wir auf möglichst authentische Weise tun.
Der Anfang ist in der Tat kompliziert, aber heute haben wir so viele neue Wege, Kollektive wie Coletivo Amarelo, alternative Vorschläge, Orte, die uns offener aufnehmen und uns ermutigen, Dinge zu tun. Dies ist für diejenigen, die anfangen, Kunst zu machen, sie zu konsumieren und davon zu leben. Egal wie banal es auch sein mag, das Geheimnis besteht darin, sein ganzes Spiel zu spielen.
Gelbes Kollektiv: Was Sie gesagt haben, dass es heutzutage so viele Tools und Informationen gibt, ist manchmal auch beängstigend. Weil es vielleicht dazu führt, dass die Person ein wenig unsicher ist, wo sie anfangen soll, oder dass sie nicht versteht, wo sie in all das hineinpasst ... Und am Ende vergessen wir, dass das Schaffen von Kunst ein langer Prozess ist, der Zeit braucht und eine langsame Verdauung erfordert. Der Prozess des Künstlers, dort zu verweilen und darauf zu warten, dass etwas passiert, ist manchmal äußerst einsam und äußerst verwirrend.
Gianlluca: Es ist ein Prozess, der lange dauert. Und wir machen es nicht für eine Galerie, wir machen es, weil es gemacht werden muss. Ich bin ein bisschen verrückt ... Ich habe mein Skizzenbuch, meine Kritzeleien ... und die Ideen kommen, die Farben, die Formen, und von dort aus experimentiere ich. Meistens kommt es nicht dort an, wo ich es haben möchte. Es gibt Schichten, die sich aufbauen, und ich habe keine Angst, ich plane nicht zu viel, mir geht es mehr um Action.
Exklusive Werke von Gianlluca sind in unserem Shop erhältlich, schauen Sie sich diese an!
von Stephanie Wruck | 10. November 2022 | Neuer Künstler
Coletivo Amarelo wächst ständig und wir sind stolz, eine weitere Künstlerin vorstellen zu können, die Teil des Kollektivs sein wird: Jerusa Simone. Die portugiesische Künstlerin, die heute in Zürich lebt, verfügt über eine einzigartige Perspektive, die sie im Laufe ihres Lebens erworben und in ihrer Kunst zum Ausdruck gebracht hat. Durch den Versuch, Erinnerungen und Emotionen wiederherzustellen, steht Jerusas Werk im Dialog mit dem Surrealismus.
Lernen Sie Jerusa Simone kennen, eine Künstlerin, die Momente und Erlebnisse durch Surrealismus wiedergibt
Die Kunst von Jerusa Simone basiert hauptsächlich auf ihren täglichen persönlichen Erfahrungen, Emotionen und wiederkehrenden Erinnerungen. Während ihres Prozesses arbeitet die Künstlerin oft mit naiven Zeichnungen, die aus abstrakten Hintergründen entstehen, denen eine bereits bestehende Idee fehlt. Auf diese Weise betrachtet Jerusa das Malen als einen Akt, der auf spontanen Bewegungen und intuitiven Entscheidungen basiert.
Dieser Ursprung der Kunst im Unterbewusstsein und der Versuch, Erinnerungen wiederherzustellen, steht in direktem Zusammenhang mit dem Surrealismus, der in seinen Schöpfungen zum Ausdruck kommt. Seine Objekte nehmen aus subtilen und informellen Linien Gestalt an, bilden menschliche Figuren und reproduzieren vertraute visuelle Zeichen, gepaart mit einer gewissen Fremdartigkeit.
Um den Betrachter visuell und intellektuell anzuregen, besteht die gesamte Arbeit des Künstlers darin, die Verbindung zwischen Symbolen, Bedeutungen, Farben und Texturen zu rekonstruieren, unabhängig vom verwendeten Medium.
Jerusa Simone stammt ursprünglich aus der Stadt Porto in Portugal, lebt aber derzeit in Zürich in der Schweiz. Der Künstler hat einen Abschluss in Bildender Kunst von der Escola Artística do Porto und der Accademia di Belli Arti di Roma.
In den letzten Jahren hat Jerusa mithilfe der Videokunst verschiedene Malmedien erkundet. Dadurch erhielt sie die Möglichkeit, international in verschiedenen Kontexten und an verschiedenen Orten auszustellen, beispielsweise in Portugal, Italien, Saudi-Arabien, England, Griechenland, Spanien, den Vereinigten Staaten und kürzlich in ihrem Gastland, der Schweiz.
Frau und Surrealismus
In diesem Jahr fand die Biennale von Venedig zum 59. Mal statt und zum ersten Mal seit 127 Jahren wurden überwiegend Künstlerinnen ausgestellt. In dieser Ausgabe thematisierte die Biennale die Geheimnisse des menschlichen Unterbewusstseins und seine Surrealismen aus der Perspektive von Künstlerinnen.
Die von der Italienerin Cecília Alemani kuratierte Ausstellung untersuchte Themen, die die Vorstellungskraft verschiedener Realitäten, das Universum der Träume und neue Wahrnehmungen darüber, was es bedeutet, ein Mensch zu sein, umkreisen. Darüber hinaus wurde ein Zusammenhang zwischen dem Einfluss der Technologie bei der Erschaffung neuer Wesen und der Wiederherstellung unserer Vorstellungskraft als Kinder hergestellt.
Jerusas Arbeit wiederum ist vollständig mit dem Thema der Ausstellung verbunden. Diese Beziehung ist vor allem durch den Versuch des Künstlers gekennzeichnet, Erinnerungen durch Malerei wiederzubeleben. Bei dieser Gedächtnisübung erschafft der Künstler seltsame Szenarien, die dem Betrachter dennoch einigermaßen bekannt vorkommen.
Diesem Trend der Frauen im Surrealismus folgend, schafft Jerusa Simone inmitten der verwirrenden und intensiven Zeiten, in denen wir leben, etwas Surreales.
Um sie im Coletivo Amarelo willkommen zu heißen und ihre einzigartige Vision mit unserer zu vereinen, führten wir ein Interview mit der Künstlerin. Lesen Sie einen Auszug aus unserem Gespräch und erfahren Sie etwas mehr über Jerusa Simone, eine Frau, die ihre Erfahrungen und ihren Surrealismus nutzt, um ihre Kunst auszudrücken.
Gelbes Kollektiv: Was das Gemälde „Erinnerungen an ein zukünftiges Spiel“ betrifft, ist das Spiel, das Sie mit den Worten machen, interessant: „Erinnerung“ bezieht sich auf etwas, das sich auf eine Vergangenheit bezieht, auf etwas, das noch nicht passiert ist, das in der Zukunft liegt. Es gibt einen gewissen Versuch, Zeit und Verkehr zu manipulieren. Erzählen Sie uns etwas mehr über diese Arbeit. Was war der kreative Prozess dahinter?
Jerusa Simone: Im Grunde entstand dieses Gemälde zu einem ganz bestimmten Zeitpunkt des Übergangs: Ich war in Italien und stand kurz vor dem Umzug in die Schweiz. Dieses Gefühl ist sehr seltsam, aber es war bereits bekannt. Ein Bereich, von dem ich bereits mehr oder weniger wusste, dass ich ihn bewältigen würde. Umgang mit der Szene von Neu und Alt, dieser Dualität. Das Gemälde ist in zwei Teile gegliedert: Der obere Teil enthält Elemente, die sich auf die italienische Säule beziehen. Dieser fast fettleibige Körper, der von der Arbeit von Lucien Freud inspiriert ist. Ich habe mir diesen Körper angesehen und wollte diese Vorstellung von Schönheit und Hässlichkeit vermitteln und den Frauen wieder Raum geben, ohne den weiblichen Körper zu hypersexualisieren, sondern andere Körper einzubringen. Ich wollte mich vertreten sehen. Ich hatte immer große Probleme mit mir selbst und als ich mir Freuds Gemälde ansah, dachte ich: „Wow, das ist grotesk, aber so schön.“ Diese marginalisierten Körper, fast eine Konfrontation, zwingen die Öffentlichkeit zum Hinsehen. Und der Körper hat immer einen roten Umriss, und er ist immer in den Ecken, aber immer präsent. Die Position spiegelt diese Phase der Veränderung, der Angst wider. Es ist ein vertrauter Ort, aber er ist beängstigend.
HIER: Es hat eine traumhafte Qualität, wenn wir aufwachen und der Traum sehr klar ist und mit der Zeit die Details des Traums verschwinden. Und Ihre Arbeit hat den Charakter einer leicht verschwommenen Erinnerung. Wie ist es, ein Gemälde zu malen, das den gegenwärtigen Moment widerspiegelt, und dann Jahre später dasselbe Gemälde noch einmal zu betrachten und diese Erinnerungen etwas verwirrt und mit dieser traumhaften Qualität zu betrachten? Etwas hat sich verändert?
Jerusa Simone: Wenn ich es jetzt betrachte, kann ich alle meine Beweggründe spüren, ich erinnere mich an alle Elemente, die ich hinzugefügt habe, die ich entfernt habe ... und jetzt, in diesem Moment, bin ich an dem Ort, an dem ich sein wollte, als ich dieses Gemälde machte. Ich bin jetzt seit zwei Jahren in der Schweiz, aber inzwischen habe ich meine Angst überwunden, die in dieser Arbeit sehr präsent war. Dieses Element, die Hand ins Feuer zu legen, nutze ich oft, es ist fast wie ein Selbstporträt, ich begebe mich in Gefahr, aber ich kann nicht anders. Eine Selbstsabotage, eine Übergangsszene, in der man etwas zurücklässt.
HIER: Dieses Gemälde veranschaulicht ein persönliches Übergangsereignis von Ihnen, bei dem Sie von einem Ort zum anderen gezogen sind und die Elemente platziert haben, die in diesem Prozess vorhanden waren. Aber auch wenn dies ein spezifischer Teil Ihres Lebens war, kann ich es betrachten und mich selbst dort auf irgendeine Weise sehen, vielleicht in einem Übergang, in dem ich mich befand, aber ich tue es durch den Traum eines anderen. Fast so, als hätte ich den Traum eines anderen besucht. Glauben Sie, dass dies Teil des weiblichen Surrealismus ist?
Jerusa Simone: Ich musste diese kleine Nische (femininen Surrealismus) entdecken, das ist dieses Spiel, das ich mit verschiedenen Elementen spiele, dieser Bedeutungsaustausch der Elemente, die ich verwende, und im Laufe der Zeit und wenn ich neue Erfahrungen sammle, werden Dinge gelöscht und verändern sich. Meine Arbeit macht dieses Spiel also fast wie ein Puzzle ...
Exklusive Werke von Jerusa sind in unserem Shop erhältlich, schauen Sie sich diese an!
von Stephanie Wruck | 18. Okt. 2022 | Veranstaltungen
Was wäre, wenn wir uns die Landschaften, die wir durch Kunst verbreiten, neu vorstellen könnten?
Das Stück „Náutica 01“ ist eine Zusammenarbeit zwischen Rafaela Salgueiro und Duda Affonso, beide brasilianische Künstler, die in Portugal leben.
Das Duo schlägt auf der Grundlage ihrer individuellen theoretischen und poetischen Untersuchungen eine Partnerschaft vor, die darauf abzielt, Fotografie mit bildnerischer Intervention zu verbinden. Dem Vorschlag folgend, Realitäten zu erfinden, sehen die Künstler in der fotografischen Intervention eine Möglichkeit, neue mögliche Welten zu schaffen. Rafaela glaubt, dass die Malerei es uns ermöglicht, unsere Vorstellungskraft über die Grenzen dessen hinaus zu erweitern, was ein Foto darstellt.
Rafaelas Arbeit erforscht den Mechanismus des gleichzeitigen Offenlegens und Verbergens von Elementen eines Bildes und bietet dem Betrachter neue Möglichkeiten der Interaktion, während er gleichzeitig andere Erzählungen aufbaut. Duda Affonso wiederum beobachtet die Welt und sammelt Überreste von Geschichten, die eines Tages existieren könnten, sei es durch Fotografie, Collage oder Kino, während er gleichzeitig seine eigene Fantasie aufbaut.
Dieses Stück ist eine Einladung, die nautische Landschaft neu zu erfinden und die Wiederbelebung des Yachthafens von Cascais in Portugal zu feiern. Indem der Künstler jedes Element des Bildes mit Farbschichten überzieht, enthüllt er mögliche Realitäten, die möglicherweise nur in unserem Unterbewusstsein leben.
Foto aufgenommen im 35-mm-Format in Italien, 2019.
von Stephanie Wruck | 2. Mai 2022 | Neuer Künstler
Durch eine einladende und intime Perspektive fängt Gabriela Vasconcellos das Triviale ein und schafft Kompositionen, die darauf abzielen, uns mit inneren Gefühlen und Empfindungen auseinanderzusetzen. Seine Arbeit dient als Versuch, uns durch einen intuitiven Ansatz mit unserem Wesen zu verbinden. Die Fotografien präsentieren sich als eine ruhige Energie, und durch die Beherrschung von Textur und Ton gelingt es Gabriela, sich vom Offensichtlichen zu befreien. Behutsam wendet sie Elemente aus dem Alltag an und fügt eine Schicht Zartheit und Zärtlichkeit hinzu, kombiniert mit der nostalgischen Ästhetik der analogen Fotografie. Das Ergebnis sind unglaublich sensible Fotos, von denen der Künstler glaubt, dass sie eine Möglichkeit sein können, verborgene Teile von uns selbst wiederzuentdecken.
Die aus Brasilien stammende Gabriela arbeitet als Journalistin und Kunsttherapeutin und fängt ihre Umgebung zusätzlich mit einer 35-mm-Kamera ein. Auf Film zu drehen bedeutet, den Lauf der Zeit anders zu erleben, und es geht ihr darum, die kleinen Momente des Alltags festzuhalten, die Zeit in ihrer Gesamtheit zu spüren und sich selbst zu erlauben, langsamer zu werden. In Zeiten digitaler Beschleunigung und Produktivität ist es radikal, bei der Arbeit den umgekehrten Weg zu gehen. Gabrielas Fotografien helfen uns, über die Art und Weise nachzudenken, wie wir uns durch das Leben bewegen, und bieten die Möglichkeit, einfach innezuhalten.
Gabriela gab uns einige wichtige Tipps zum Fotografieren mit Film und was ihr am meisten geholfen hat, als sie begann, mit analoger Fotografie zu experimentieren.
Möglichkeiten, mit Ihrer analogen Kamera bessere Fotos zu machen, so Gabriella Vasconcelos
1) Entwickeln Sie Ihre Fotos
Dieser Tipp mag sehr offensichtlich erscheinen, aber es kommt häufig vor, dass Menschen eine analoge Kamera kaufen, in der Hoffnung, schöne Fotos zu machen, den Film aber nie entwickeln. Gabriella sagt, es sei wichtig, den Film zu entwickeln, um zu sehen, welche Art von Fotos wir machen und was verbessert werden kann. Sammeln Sie also nicht endlose Rollen unentwickelter Filme an, sondern entwickeln Sie!
Gabriela sagt: „Der andere Grund, warum es wichtig ist, Ihren Film zu entwickeln, besteht darin, dass dadurch der analoge Prozess wirklich Einzug in Ihre kreative Praxis erhält. Viele Menschen schrecken davor zurück, mit dem Fotografieren von Filmen zu beginnen, weil sie denken, dass es zu viel Aufwand erfordert, aber das liegt daran, dass sie die Gewohnheit, Filme zu entwickeln, noch nicht in ihren Arbeitsalltag integriert haben. Früher habe ich die ganze Zeit mit einer Filmkamera fotografiert, aber ich habe mir nie die Zeit genommen, den Film tatsächlich zu entwickeln, sodass ich nicht einmal wusste, was für eine Arbeit ich produzierte.“
2) Nehmen Sie immer einen zusätzlichen Film mit
Man weiß nie, wann der Film ausgeht, daher ist dies Ihre Erinnerung daran, immer eine zusätzliche Filmrolle in der Nähe zu haben. Auf diese Weise verpassen Sie nie die Gelegenheit, etwas Besonderes zu fotografieren, das Sie gefunden haben.
3) Achten Sie auf Ihre Umgebung
Bei Filmaufnahmen weiß man nie, wie das Ergebnis aussehen wird. Gabriella findet es wichtig, beim Spazierengehen aufmerksamer zu sein. „Schauen Sie nach oben, schauen Sie nach unten, erkunden Sie alle Winkel um Sie herum und experimentieren Sie.“ Man weiß nie, was dabei herauskommt – und das ist gut so! Nehmen Sie sich auch hier Zeit, denn es verleiht Ihren Fotos noch mehr Gedankenebenen.“
4) Bedenken Sie, dass der analoge Prozess seiner eigenen Zeit folgt
Es ist erwähnenswert, dass beim Fotografieren mit einer Filmkamera der gesamte Prozess anders abläuft als beim digitalen Fotografieren. Die analoge Fotografie hat ihre eigenen zeitlichen Beschränkungen und Besonderheiten und Gabriella glaubt, dass es unerlässlich ist, in den Prozess einzutauchen und sich daran zu gewöhnen.
„Es braucht Zeit, den Film zu entwickeln, die Fotos zu digitalisieren (falls Sie das möchten) und diese Zeit nicht als Problem zu verstehen, sondern als einen Prozess, der es Ihnen ermöglicht, beim Fotografieren viel präsenter zu sein . Es ist ein ganz anderes Erlebnis, etwas mit dem Handy und einer Filmkamera zu fotografieren. Selbst wenn ich genau das gleiche Motiv fotografiere, ist es wichtig, dass man sich mit dem Prozess selbst wohlfühlt.“
Gabrielas Fotografien können in unserem Shop erworben werden.
von Stephanie Wruck | 18. April 2022 | Artikel
Gradient Art ist eine Technik, bei der Farben in einem Farbverlauf verwendet werden, um ein Kunstwerk zu schaffen. Die Beliebtheit der Farbverlaufskunst hat zugenommen, bei der eine Farbe allmählich in eine andere übergeht und so unterschiedliche Farbübergänge entstehen. Abhängig von den verwendeten Farben kann die resultierende Farbverlaufskunst ein breites Spektrum an Emotionen und Gefühlen hervorrufen und die umgebenden Räume verändern.
Was ist Verlaufskunst?
Verlaufskunst ist eine Art von Kunst, die einen Farbverlauf verwendet, um die Illusion von Tiefe und dreidimensionalem Raum zu erzeugen. Farben werden auch in anderen Formen wie Malerei, Zeichnung, Skulptur, Fotografie usw. verwendet. Bei dieser Art von Kunst kann Licht aus verschiedenen Winkeln auf ein Objekt gestrahlt werden, was ihm ein realistisches Aussehen verleiht. Auch die Farben verändern sich, je nachdem, wie man sie betrachtet, was für einen künstlerischen Reiz sorgt und dem Betrachter unterschiedliche Interpretationen ermöglicht.
Künstler verwenden unterschiedliche Techniken, um diese Gemälde zu erstellen, z. B. Schichten, Mischen und Anwenden von Farbverläufen mit unterschiedlichen Farben oder Texturen. Sie können dies mit verschiedenen Pinseln, Bleistiften, Pastellkreiden oder sogar mit den Fingern tun.
Aber was sind Steigungen? Und wie unterscheiden sie sich farblich?
Farbverläufe sind Farbübergänge, die sich allmählich von einer Farbe zur anderen ändern. Winkel werden typischerweise mit einer Reihe unterschiedlich stark gemischter Farben erzeugt. Farbverläufe sind die gebräuchlichste Art von Verläufen und können für Hintergründe oder Ränder verwendet werden, sie können aber auch für andere Zwecke verwendet werden, beispielsweise zum Erstellen einer Akzentwand oder zum Hinzufügen von Tiefe zu einem Bild. Ein Regenbogenverlauf wird häufig verwendet, um Bildern Tiefe und Dimension zu verleihen.
Es gibt verschiedene Arten von Farbverläufen, darunter radiale Farbverläufe, lineare Farbverläufe und diagonale Farbverläufe.
Mark Rothko und seine eigene Verwendung von Farbverlaufskunst
Mark Rothko, bekannt für seine großen, fesselnden und farbenfrohen Gemälde, war daran interessiert, durch Malerei grundlegende menschliche Emotionen hervorzurufen – Wut, Untergang, Ekstase. Sein Werk war expansiv in der Verwendung von Farben und schuf weite, offene Räume, die es dem Betrachter ermöglichten, unterschiedliche Empfindungen zu erleben.
Rothkos Farbverläufe waren nicht präzise gemischt, sondern so konstruiert, dass sie den Betrachter dazu einluden, sich zu fragen, welche Farbe zuerst auf die Leinwand aufgetragen wurde. Er entwickelte seine Kompositionstechnik erstmals 1947 und beschrieb sie vom berühmten Kunstkritiker Clement Greenberg als „Farbfeldmalerei“, ein Begriff, der Rothkos Werk perfekt beschreiben würde.
Aufgrund der Art und Weise, wie der Künstler seine Bilder schuf, sind Rothkos Farbverläufe einzigartig. Rothko trug eine große Menge schwarzer Farbe in unregelmäßigen Strichen auf die Leinwand auf und verteilte sie dann an den Rändern, wodurch ein Kratzeffekt entstand. Rothkos einzigartige Farbverläufe finden sich in kleinen Bereichen der Gemälde, meist in der Mitte, wenn die Farbtöne von einem zum anderen übergehen.
Seine Bilder wurden geschaffen, um persönlich erlebt zu werden, wobei die Atmosphäre des Raumes die unterschiedlichen Emotionen widerspiegelt, die durch die Farben vermittelt werden. Eine von Rothkos berühmtesten Serien sind Seagrams Murals, ausgestellt in der Tate Modern in London. Die Serie besteht aus sieben dunklen und stimmungsvollen Gemälden mit einer Palette aus Schwarz-, Rot- und Brauntönen. Rothko schenkte die Gemälde der Tate Modern, dem Museum, in dem sich die größte Sammlung von Werken von JMW Turner befindet, und aufgrund seiner eigenen Bewunderung für Turner hoffte Rothko, dass die Serie zusammen mit Turners Werken in der Galerie ausgestellt würde.
Der Wechsel der Atmosphäre von Rothkos dunklen Farbverläufen zu Turners perfekt gemischten Farbverlaufs-Kunsthimmeln ist zutiefst bewegend. Wenn Besucher von einer Galerie zur nächsten gehen, entsteht sofort ein Dialog zwischen beiden.
Von Rothkos bunten Rechtecken bis hin zu digitalisierten Farbverläufen, die in der Werbung verwendet werden: Das Experimentieren mit Farben ist sowohl für die Schaffung von Kunstwerken als auch für das Erlebnis des Betrachters von grundlegender Bedeutung.
Wie fühlst du dich bei jeder Farbe?
Kann man solche Gefühle beschreiben?
Fühlen sie sich unwohl? Oder beruhigen sie?
Welche Emotionen löst ein bestimmter Farbverlauf aus?
Weitere Informationen zur Tate-Sammlung: https://www.tate.org.uk/
