Gianlluca Carneiro e a educação artística como um coletivo

Gianlluca Carneiro und künstlerische Ausbildung als Kollektiv

Wie lernt man etwas über Kunst? Diese etwas subjektive Frage wird von einem der neuesten Künstler bei Coletivo Amarelo, Gianlluca Carneiro, beantwortet. Der brasilianische Künstler und Lehrer engagiert sich direkt in Bürgerschafts- und Ethikprojekten und hat im Klassenzimmer Wege gefunden, seine Schüler durch Bildung durch Kunst an Politik heranzuführen.

Lernen Sie Gianlluca Carneiro und seine Vision zur Kunsterziehung kennen

In seinem Portfolio erzählt Gianlluca einen kleinen Teil seiner Geschichte. Der in Minas Gerais, Brasilien, geborene bildende Künstler ist außerdem Geschichtslehrer an der städtischen Schule von Cariacica in Espírito Santo. Darüber hinaus verfügt Gianlluca über einen Abschluss in Rechtswissenschaften und studierte Kunst und Pädagogik an der CEFART in Belo Horizonte.

Schon in sehr jungen Jahren, genauer gesagt ab seinem 6. Lebensjahr, zeigte sich Gianlluca durch die Malerei als Künstler. Seitdem hat er mehr als 20 Jahre damit verbracht, seine Kunst auf verschiedenen Ausstellungen in Minas Gerais, São Paulo und Espírito Santo zu zeigen. Ganz zu schweigen von Veröffentlichungen in national und international renommierten Magazinen und Ausstellungen, wie etwa seinem Werk „Humor Azul, Coração Azul“, das Finalist der Doncaster Art Fair war.

Gianlluca Carneiro nennt sein künstlerisches Universum Cabeça Vazia, eine Anspielung auf das beliebte Sprichwort „leerer Kopf, die Werkstatt des Teufels“. In seinen eigenen Worten: „Wichtig ist, dass dieser leere Kopf voll ist und damit beschäftigt ist, Werke mit Farben, Linien und farbenfrohen und chaotischen Kompositionen zu produzieren, die immer von Kritik an politischen und sozialen Strukturen und der zeitgenössischen Lebensweise getragen werden.“

Der zeitgenössische Künstler ist mit den neuesten Diskussionen auf der ganzen Welt verbunden. Einer davon ist, wie wichtig es ist, das aktuelle künstlerische Ausbildungssystem zu überdenken.

 

Documenta 15

Die Documenta ist eine der größten Ausstellungen zeitgenössischer Kunst weltweit und findet alle fünf Jahre in der Stadt Kassel statt. Die Ausstellung wurde 1955 von Arnold Bode im Nachkriegsdeutschland ins Leben gerufen. Ein Teil seiner Motivation entstand aus der Notwendigkeit, die vom Nationalsozialismus verbotene Kunst wiederzubeleben und das Land wieder an die neuesten internationalen Trends heranzuführen. Seitdem hat sich die Ausstellung Documenta 15 zu einer sehr wichtigen Institution in der Kunstwelt entwickelt.

Im Jahr 2022 fand die 15. Ausgabe der Ausstellung statt, kuratiert vom Ruangrupa-Kollektiv aus Jakarta, Indonesien. Das Kollektiv basierte auf der Documenta auf den Werten und Ideen eines in Indonesien sehr gebräuchlichen Begriffs: Lumbung, was so viel wie „gemeinschaftlicher Reisspeicher“ bedeutet. Die Idee, diesen Begriff als künstlerisches und wirtschaftliches Leitbild zu nutzen, basiert auf Prinzipien wie Kollektivität, der gemeinsamen Konstruktion von Ressourcen und deren gerechter Verteilung.

In dieser Ausgabe fanden mehrere Punkte Anklang und einer von ihnen steht im direkten Dialog mit der Kunst und aktiven Positionierung von Gianlluca Carneiro, die darin besteht, die Strukturen der zeitgenössischen künstlerischen Ausbildung neu zu denken. In der Ausstellung wird dies aus der Idee des Kollektivs übersetzt und die Frage gestellt, warum wir nicht voneinander lernen und Paradigmen wie die Autoritätsfigur des Lehrers brechen können.

Diese Idee der Transformation der Bildung kommt in der Documenta 15 durch die Kunst von *foundationClass zum Ausdruck, einem 2016 an der Weißensee Kunsthochschule Berlin (KHB) gegründeten Kollektiv. Das Kollektiv entstand als Bildungsplattform für Kunst und als Toolkit, um das Leben von Einwanderern, die von Rassismus in Deutschland betroffen sind, zu erleichtern.

Um tiefer in dieses Konzept der kollektiven künstlerischen Bildung einzutauchen und den Künstler besser kennenzulernen, führte Coletivo Amarelo ein Interview mit Gianlluca Carneiro. Lesen Sie einen Auszug aus unserem Gespräch, das wir mit einer Rede des Künstlers eröffnet haben, die all diese Gedanken hinter der künstlerischen Ausbildung und dieses unerforschte Potenzial vereint.

Gianlluca: Ich sehe bei meinen Schülern großes künstlerisches Potenzial, das in der Schule nicht so sehr ausgeschöpft wird, und versuche als Lehrer und Künstler, ihnen dieses jederzeit nahezubringen. Was mitbringen? Wir bringen Ideen ein, um etwas in ihnen zu wecken, und entmystifizieren die Vorstellung, dass es Kunst nur in Museen gibt, während wir in Wirklichkeit ständig Kunst machen. Und nutzen Sie dies, um über Politik zu diskutieren

Gelbes Kollektiv: Gibt es innerhalb der Schule Hindernisse bei der Einführung dieser neuen Modelle? Was ist der Widerstand?

Gianlluca: Das Verrückteste an der ganzen Sache ist, dass ich Teil eines Projekts namens „Ensina Brasil“ bin, das auf Bereiche mit sozialer Verwundbarkeit abzielt, und durch Zufall in eine Schule geraten bin, in der es Militärpersonal gibt. Für einen Moment dachte ich, das wäre ein Hindernis, aber es gelingt mir, das Thema Politik tiefergehend anzusprechen, ohne oberflächliche Reden und auch ohne Parteilichkeit. Aber seltsamerweise erleichtert dies mithilfe von Kunst sogar den Prozess innerhalb der Schule.

Gelbes Kollektiv: Die Figur des Lehrers ist ein Ort des Trostes, der Sicherheit, wo „es keine dummen Fragen gibt“, ein weniger einschüchternder Raum … Welchen Rat würden Sie als Lehrer denjenigen geben, die mit dem Kunstschaffen beginnen und mehr über Kunst lernen möchten? , aber nicht. Wissen Sie, wo Sie anfangen sollen, oder sind Sie vielleicht schüchtern?

Gianlluca: Die Distanz zur Kunst kommt manchmal von sehr komplexen Sprachen, die wir Menschen nur schwer näher bringen können ... Ich gebe Ihnen ein Beispiel für etwas, das mir diese Woche passiert ist. Als ich in der Schule an einem Kunstwettbewerb teilnahm, betonte ich, dass es einen Preis geben würde, dieser aber nicht dazu dienen sollte, diesen aggressiven Wettbewerb anzuregen, sondern vielmehr die Kreativität anzuregen.

Einer meiner Sonderschüler hat Glasaugen, Sehbehinderung und hat den Zeichenwettbewerb gewonnen. Es war ein Außenstand, sein Lächeln war unglaublich. Eine andere Studentin mit sehr geringem Selbstwertgefühl gewann den Malwettbewerb und konnte nie sehen, was sie tat. Ich habe immer gesagt, dass alles, was ich gemacht habe, Scheiße war ... Das hat mir wieder einmal gezeigt, dass Kunst das ist, was wir auf möglichst authentische Weise tun.

Der Anfang ist in der Tat kompliziert, aber heute haben wir so viele neue Wege, Kollektive wie Coletivo Amarelo, alternative Vorschläge, Orte, die uns offener aufnehmen und uns ermutigen, Dinge zu tun. Dies ist für diejenigen, die anfangen, Kunst zu machen, sie zu konsumieren und davon zu leben. Egal wie banal es auch sein mag, das Geheimnis besteht darin, sein ganzes Spiel zu spielen.

Gelbes Kollektiv: Was Sie gesagt haben, dass es heutzutage so viele Tools und Informationen gibt, ist manchmal auch beängstigend. Weil es vielleicht dazu führt, dass die Person ein wenig unsicher ist, wo sie anfangen soll, oder dass sie nicht versteht, wo sie in all das hineinpasst ... Und am Ende vergessen wir, dass das Schaffen von Kunst ein langer Prozess ist, der Zeit braucht und eine langsame Verdauung erfordert. Der Prozess des Künstlers, dort zu verweilen und darauf zu warten, dass etwas passiert, ist manchmal äußerst einsam und äußerst verwirrend.

Gianlluca: Es ist ein Prozess, der lange dauert. Und wir machen es nicht für eine Galerie, wir machen es, weil es gemacht werden muss. Ich bin ein bisschen verrückt ... Ich habe mein Skizzenbuch, meine Kritzeleien ... und die Ideen kommen, die Farben, die Formen, und von dort aus experimentiere ich. Meistens kommt es nicht dort an, wo ich es haben möchte. Es gibt Schichten, die sich aufbauen, und ich habe keine Angst, ich plane nicht zu viel, mir geht es mehr um Action.

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JERUSA SIMONE E A MULHER NO SURREALISMO

JERUSA SIMONE UND DIE FRAU IM SURREALISMUS

Coletivo Amarelo wächst ständig und wir sind stolz, eine weitere Künstlerin vorstellen zu können, die Teil des Kollektivs sein wird: Jerusa Simone. Die portugiesische Künstlerin, die heute in Zürich lebt, verfügt über eine einzigartige Perspektive, die sie im Laufe ihres Lebens erworben und in ihrer Kunst zum Ausdruck gebracht hat. Durch den Versuch, Erinnerungen und Emotionen wiederherzustellen, steht Jerusas Werk im Dialog mit dem Surrealismus.

Lernen Sie Jerusa Simone kennen, eine Künstlerin, die Momente und Erlebnisse durch Surrealismus wiedergibt

Die Kunst von Jerusa Simone basiert hauptsächlich auf ihren täglichen persönlichen Erfahrungen, Emotionen und wiederkehrenden Erinnerungen. Während ihres Prozesses arbeitet die Künstlerin oft mit naiven Zeichnungen, die aus abstrakten Hintergründen entstehen, denen eine bereits bestehende Idee fehlt. Auf diese Weise betrachtet Jerusa das Malen als einen Akt, der auf spontanen Bewegungen und intuitiven Entscheidungen basiert.

Dieser Ursprung der Kunst im Unterbewusstsein und der Versuch, Erinnerungen wiederherzustellen, steht in direktem Zusammenhang mit dem Surrealismus, der in seinen Schöpfungen zum Ausdruck kommt. Seine Objekte nehmen aus subtilen und informellen Linien Gestalt an, bilden menschliche Figuren und reproduzieren vertraute visuelle Zeichen, gepaart mit einer gewissen Fremdartigkeit.

Um den Betrachter visuell und intellektuell anzuregen, besteht die gesamte Arbeit des Künstlers darin, die Verbindung zwischen Symbolen, Bedeutungen, Farben und Texturen zu rekonstruieren, unabhängig vom verwendeten Medium.

Jerusa Simone stammt ursprünglich aus der Stadt Porto in Portugal, lebt aber derzeit in Zürich in der Schweiz. Der Künstler hat einen Abschluss in Bildender Kunst von der Escola Artística do Porto und der Accademia di Belli Arti di Roma.

In den letzten Jahren hat Jerusa mithilfe der Videokunst verschiedene Malmedien erkundet. Dadurch erhielt sie die Möglichkeit, international in verschiedenen Kontexten und an verschiedenen Orten auszustellen, beispielsweise in Portugal, Italien, Saudi-Arabien, England, Griechenland, Spanien, den Vereinigten Staaten und kürzlich in ihrem Gastland, der Schweiz.

Frau und Surrealismus

In diesem Jahr fand die Biennale von Venedig zum 59. Mal statt und zum ersten Mal seit 127 Jahren wurden überwiegend Künstlerinnen ausgestellt. In dieser Ausgabe thematisierte die Biennale die Geheimnisse des menschlichen Unterbewusstseins und seine Surrealismen aus der Perspektive von Künstlerinnen.

Die von der Italienerin Cecília Alemani kuratierte Ausstellung untersuchte Themen, die die Vorstellungskraft verschiedener Realitäten, das Universum der Träume und neue Wahrnehmungen darüber, was es bedeutet, ein Mensch zu sein, umkreisen. Darüber hinaus wurde ein Zusammenhang zwischen dem Einfluss der Technologie bei der Erschaffung neuer Wesen und der Wiederherstellung unserer Vorstellungskraft als Kinder hergestellt.

Jerusas Arbeit wiederum ist vollständig mit dem Thema der Ausstellung verbunden. Diese Beziehung ist vor allem durch den Versuch des Künstlers gekennzeichnet, Erinnerungen durch Malerei wiederzubeleben. Bei dieser Gedächtnisübung erschafft der Künstler seltsame Szenarien, die dem Betrachter dennoch einigermaßen bekannt vorkommen.

Diesem Trend der Frauen im Surrealismus folgend, schafft Jerusa Simone inmitten der verwirrenden und intensiven Zeiten, in denen wir leben, etwas Surreales.

Um sie im Coletivo Amarelo willkommen zu heißen und ihre einzigartige Vision mit unserer zu vereinen, führten wir ein Interview mit der Künstlerin. Lesen Sie einen Auszug aus unserem Gespräch und erfahren Sie etwas mehr über Jerusa Simone, eine Frau, die ihre Erfahrungen und ihren Surrealismus nutzt, um ihre Kunst auszudrücken.

Gelbes Kollektiv: Was das Gemälde „Erinnerungen an ein zukünftiges Spiel“ betrifft, ist das Spiel, das Sie mit den Worten machen, interessant: „Erinnerung“ bezieht sich auf etwas, das sich auf eine Vergangenheit bezieht, auf etwas, das noch nicht passiert ist, das in der Zukunft liegt. Es gibt einen gewissen Versuch, Zeit und Verkehr zu manipulieren. Erzählen Sie uns etwas mehr über diese Arbeit. Was war der kreative Prozess dahinter?

Jerusa Simone: Im Grunde entstand dieses Gemälde zu einem ganz bestimmten Zeitpunkt des Übergangs: Ich war in Italien und stand kurz vor dem Umzug in die Schweiz. Dieses Gefühl ist sehr seltsam, aber es war bereits bekannt. Ein Bereich, von dem ich bereits mehr oder weniger wusste, dass ich ihn bewältigen würde. Umgang mit der Szene von Neu und Alt, dieser Dualität. Das Gemälde ist in zwei Teile gegliedert: Der obere Teil enthält Elemente, die sich auf die italienische Säule beziehen. Dieser fast fettleibige Körper, der von der Arbeit von Lucien Freud inspiriert ist. Ich habe mir diesen Körper angesehen und wollte diese Vorstellung von Schönheit und Hässlichkeit vermitteln und den Frauen wieder Raum geben, ohne den weiblichen Körper zu hypersexualisieren, sondern andere Körper einzubringen. Ich wollte mich vertreten sehen. Ich hatte immer große Probleme mit mir selbst und als ich mir Freuds Gemälde ansah, dachte ich: „Wow, das ist grotesk, aber so schön.“ Diese marginalisierten Körper, fast eine Konfrontation, zwingen die Öffentlichkeit zum Hinsehen. Und der Körper hat immer einen roten Umriss, und er ist immer in den Ecken, aber immer präsent. Die Position spiegelt diese Phase der Veränderung, der Angst wider. Es ist ein vertrauter Ort, aber er ist beängstigend.

HIER: Es hat eine traumhafte Qualität, wenn wir aufwachen und der Traum sehr klar ist und mit der Zeit die Details des Traums verschwinden. Und Ihre Arbeit hat den Charakter einer leicht verschwommenen Erinnerung. Wie ist es, ein Gemälde zu malen, das den gegenwärtigen Moment widerspiegelt, und dann Jahre später dasselbe Gemälde noch einmal zu betrachten und diese Erinnerungen etwas verwirrt und mit dieser traumhaften Qualität zu betrachten? Etwas hat sich verändert?

Jerusa Simone: Wenn ich es jetzt betrachte, kann ich alle meine Beweggründe spüren, ich erinnere mich an alle Elemente, die ich hinzugefügt habe, die ich entfernt habe ... und jetzt, in diesem Moment, bin ich an dem Ort, an dem ich sein wollte, als ich dieses Gemälde machte. Ich bin jetzt seit zwei Jahren in der Schweiz, aber inzwischen habe ich meine Angst überwunden, die in dieser Arbeit sehr präsent war. Dieses Element, die Hand ins Feuer zu legen, nutze ich oft, es ist fast wie ein Selbstporträt, ich begebe mich in Gefahr, aber ich kann nicht anders. Eine Selbstsabotage, eine Übergangsszene, in der man etwas zurücklässt.

HIER: Dieses Gemälde veranschaulicht ein persönliches Übergangsereignis von Ihnen, bei dem Sie von einem Ort zum anderen gezogen sind und die Elemente platziert haben, die in diesem Prozess vorhanden waren. Aber auch wenn dies ein spezifischer Teil Ihres Lebens war, kann ich es betrachten und mich selbst dort auf irgendeine Weise sehen, vielleicht in einem Übergang, in dem ich mich befand, aber ich tue es durch den Traum eines anderen. Fast so, als hätte ich den Traum eines anderen besucht. Glauben Sie, dass dies Teil des weiblichen Surrealismus ist?

Jerusa Simone: Ich musste diese kleine Nische (femininen Surrealismus) entdecken, das ist dieses Spiel, das ich mit verschiedenen Elementen spiele, dieser Bedeutungsaustausch der Elemente, die ich verwende, und im Laufe der Zeit und wenn ich neue Erfahrungen sammle, werden Dinge gelöscht und verändern sich. Meine Arbeit macht dieses Spiel also fast wie ein Puzzle ...

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