da Stephanie Wruck | 20 marzo 2023 | Eventi
La Biennale Internazionale dell'Alentejo si terrà il 22 marzo. All'evento, che si svolgerà tra il 22 e il 26 marzo 2023 a Estremoz, parteciperanno più di 140 artisti nazionali e internazionali provenienti da 15 Paesi per garantire una diversità di modelli e tecniche di espressione artistica contemporanea. Tra i tanti artisti, Gabriela Albuquerque, socia fondatrice di Coletivo Amarelo, ha fatto selezionare una delle sue opere per la mostra.
Paesaggio inutile VI, 2021, Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque è un'artista brasiliana che cerca di rappresentare artisticamente la propria esperienza in diversi contesti. Inizialmente si è laureata in Lettere all'Università di San Paolo, ma è entrata presto nel campo delle arti visive quando si è laureata in Critica e Curatela alla PUC-SP. Ha poi lavorato per un breve periodo come curatrice e critica d'arte nella città di São Paulo.
L'artista si trasferisce a Washington DC, la capitale degli Stati Uniti, e inizia la sua formazione pratica di artista visivo presso la scuola Art League di Alexandria, in Virginia. Tutto questo senza abbandonare il campo della critica e della curatela, partecipando attivamente a gruppi, incontri e workshop organizzati dalla Smithsonian Institution e dalla National Gallery of Art.
Dopo aver vissuto per tre anni in Virginia, Gabriela Albuquerque si è trasferita a Seattle, Washington. Nella nuova città è entrata alla Gage Academy of Art dove ha continuato la sua formazione artistica.
Gabriela vive attualmente a Cascais, in Portogallo. La brasiliana ha concluso la sua formazione in pittura presso il centro studi Ar.CO e attualmente fa parte del gruppo di studio e accompagnamento critico NowHere, sotto la guida della curatrice Cristiana Tejo.
La Biennale internazionale dell'Alentejo
La prima edizione di BIALE è organizzata da ARTMOZ con il sostegno del Comune di Estremoz, della Direzione Regionale della Cultura dell'Alentejo e dei partner Biennale Internazionale delle Arti di Cerveira e Società Nazionale delle Belle Arti. Tra le opere di artisti internazionali e nazionali figurano dipinti, disegni, acquerelli, sculture, ceramiche e fotografie.
L'evento prende il via il 22 marzo con l'inaugurazione prevista per le 18:30. Domenica 26 marzo si terrà la sessione di chiusura della Biennale Internazionale dell'Alentejo.
Vi invitiamo a partecipare a questo evento e ad approfittare della possibilità di vedere opere di artisti provenienti da 15 Paesi. Tra cui la brasiliana Gabriela Albuquerque, nostra socia fondatrice.
da Stephanie Wruck | 6 febbraio 2023 | Articolo
È impossibile negare che arte e politica siano intrecciate. Che si tratti del desiderio dell'artista di esprimere la propria posizione o della sua mancanza, in un modo o nell'altro l'arte trasmette un messaggio politico. Uno dei desideri umani intrinseci che motivano questa manifestazione è l'aspirazione alla libertà. Nel contesto storico del Brasile, questo non è diverso. Dopo tutto, la pratica del fare arte in Brasile è di per sé un atto politico. In quest'ottica, l'articolo di oggi analizzerà l'intersezione tra arte e politica nel lavoro degli artisti brasiliani e il loro impatto sul Paese.
L'arte è politica!
L'arte è ed è sempre stata un'espressione politica! È persino possibile analizzare questo legame in diversi momenti storici. Sia nel Rinascimento, quando i dipinti venivano commissionati ed eseguiti in base alla posizione politica dell'acquirente. Oppure in un periodo di dittatura, quando l'arte veniva censurata. L'arte è politica e l'espressione artistica ha una forza, che sia intenzionale o meno.
Quando crea un'opera d'arte, l'artista può scegliere di parlare contro il sistema, contro l'oppressione e contro le norme sociali obsolete, ad esempio. Le posizioni che un artista può assumere nel suo lavoro sono molteplici. Ci sono anche artisti che non cercano di esprimere una posizione politica, ma l'assenza di espressione è una posizione in sé.
Contrariamente a quanto molti pensano, il legame tra arte e politica non deve essere necessariamente pamphletistico. In altre parole, che sostenga un'idea in modo radicale e massiccio. Il semplice fatto che certi artisti si esprimano e mostrino la loro realtà nelle loro opere è un atto politico.
Quando si parla di arte e politica, la società è solita considerarla come un indottrinamento dello spettatore. Tuttavia, la realtà dimostra che si tratta di un pensiero superficiale e infondato. Dopo tutto, l'arte è soggettiva e interagisce con ogni individuo in modo diverso. Sono diversi gli stimoli e gli impatti che l'espressione artistica provoca nell'osservatore e la sua interpretazione dipende dal suo background culturale, politico e sociale.
Arte e politica nel contesto brasiliano
In Brasile, un Paese ricco di cultura e diversità, l'arte è un forte strumento politico. Per illustrare questo aspetto, abbiamo tracciato una linea temporale di diversi artisti e del loro impatto sulla società brasiliana.
Almeida Júnior - Caipira picando fumo
L'artista è vissuto nel XIX secolo, più precisamente tra il 1850 e il 1899. Almeida Júnior è spesso associato a una parola che può essere considerata peggiorativa: "caipira". Questo rapporto deriva dalla sua rappresentazione del popolo brasiliano nella sua pluralità, concentrandosi sulla gente "comune" e rifuggendo dalla rappresentazione di personaggi illustri e aristocratici, come era consuetudine.
Oswald de Andrade - Manifesto antropofagico
Gli anni Venti rappresentano una tappa storica per l'arte brasiliana. 101 anni fa si svolse la Settimana dell'Arte Moderna, dando inizio al movimento modernista nel Paese. Pochi anni dopo, nel 1928, Oswald de Andrade pubblica il suo Manifesto antropofagico. Ispirandosi alle idee dell'artista e attivista politico Filippo Tommaso Marinetti, creatore del Futurismo nell'arte, Andrade fondò un movimento storico.
L'artista pubblicò il suo manifesto sulla rivista Antropofagia di San Paolo, con l'obiettivo di "ingerire" tecniche e influenze provenienti da altri Paesi. In questo modo, Oswald de Andrade incoraggiò la creazione di una nuova estetica artistica brasiliana.
Il movimento prese questo nome perché promuoveva il "cannibalismo" della cultura straniera. Dopo tutto, la cultura straniera influenzava troppo l'arte brasiliana. L'obiettivo dell'artista era quello di promuovere una nuova identità brasiliana, multiculturale e originale, proprio come il suo popolo.
Tarsila do Amaral - Abaporu
Uno dei dipinti più famosi dell'acclamata artista brasiliana, Abaporu dialoga direttamente con l'opera del marito, Oswald de Andrade, nel Manifesto antropofagico.
Il dipinto mostra un uomo seduto con arti sproporzionati, con piedi e mani ingrossati e una testa minuscola rispetto al resto del corpo. Inoltre, il sole al centro del quadro e la rappresentazione di un cactus rafforzano l'idea che possiamo comprendere dal dipinto.
L'opera è vista come una critica al lavoro fisico, faticoso e poco critico, che rappresenta la realtà di gran parte della popolazione dell'epoca. Il quadro fu dipinto nel 1928 e segna la fase antropofagica dell'artista, che durò fino al 1930.
Arte e politica durante la dittatura militare brasiliana
Tra il 1964 e il 1985 il Brasile ha vissuto la Dittatura Militare, un periodo buio e repressivo. Ci furono quasi 30 anni di oppressione militare e gli artisti, ovviamente, furono uno dei principali gruppi colpiti, perseguitati e censurati dalla dittatura.
L'arte come politica non era silenziosa, anzi. Anche vivendo in un'epoca di censura, molti artisti hanno usato il loro lavoro a favore della libertà di espressione, sempre più messa a tacere.
Abbiamo elencato alcuni degli artisti che si sono distinti nella lotta contro un sistema oppressivo e dittatoriale:
Cildo Meireles - Deviazione in rosso
Cildo Meireles è un artista brasiliano noto per essere stato un pioniere nella creazione di installazioni artistiche nel Paese. Durante la dittatura, l'artista ha dimostrato una forte posizione politica, che possiamo analizzare nella sua installazione "Desvio para o Vermelho" (1967 - 1984). L'installazione è contrassegnata da queste due date perché segna l'anno in cui è stata concepita (1967) e l'anno della sua prima installazione (1984).
L'opera è suddivisa in tre stanze dipinte di rosso e articolate tra loro. Nella prima stanza, Impregnazione, siamo introdotti in un ambiente bianco pieno di mobili e opere nelle tonalità del rosso. A questa si contrappone la penombra di Entorno, la seconda stanza, dove si vede una bottiglia rovesciata con un liquido rosso che cola in una stanza completamente buia. Nell'ultima sala, Detour, il suono dell'acqua corrente guida lo spettatore in una stanza completamente buia. L'oscurità è rotta solo da un lavandino staccato, dove l'acqua rossa gocciola, creando un suono.
Hélio Oiticica - Tropicália
Tropicália è un termine coniato dall'artista Hélio Oiticica e rappresentato in un'installazione esposta alla mostra New Brazilian Objectivity, tenutasi al Museo d'Arte Moderna di Rio de Janeiro nel 1967. L'opera è un ambiente composto da Penetráveis, PN2 (1966) - Pureza É um Mito, e PN3 (1966-1967) - Imagético. È l'opera che ha ispirato la creazione estetica del movimento tropicalista tra gli anni Sessanta e Settanta.
L'opera è ricca di elementi tipici della cultura popolare brasiliana, come sabbia, terra, piante tropicali, tessuti, tra gli altri. L'insieme di questi elementi sovverte l'ordine estetico del modernismo europeo.
Anna Maria Maiolino - "Quello che resta"
Attraverso un lavoro politico e provocatorio, l'artista italo-brasiliana Anna Maria Maiolino ha esplorato diversi materiali e mezzi espressivi. Durante i periodi di dittatura, le domande sempre presenti erano: "Come parlare? Come comunicare in tempi di dittatura?".
Questi dubbi sono espressi nelle opere dell'artista, come la fotografia "What Remains" (1974), che mostra una donna con la lingua scoperta tra un paio di forbici. Attraverso la sua arte, l'artista si interroga!
Adriana Varejão
La visione e il lavoro dell'artista sono unici. Il suo lavoro si basa sulla domanda: "Cosa succederebbe se i muri avessero viscere, muscoli e sangue?". Adriana Varejão è tra i nomi più importanti dell'arte brasiliana contemporanea e ha un padiglione dedicato alle sue opere all'Inhotim, il più grande museo all'aperto del mondo, situato a Brumadinho, Minas Gerais.
Tuttavia, il suo lavoro non si ferma all'idea di pareti che simulano interiora umane. Nelle opere esposte a Inhotim, l'artista critica le ferite lasciate dalla storia brasiliana.
Regina Parra
L'artista esprime la sua arte attraverso la pittura, la fotografia e il video, con un forte taglio politico legato ai temi attuali del femminismo e della sopravvivenza in un universo ancora misogino e sessista. Regina Parra affronta nel suo lavoro temi come l'oppressione, l'insubordinazione e la resistenza femminile.
Arte e politica nell'attuale scenario brasiliano
La politica brasiliana ha affrontato delle rotture, per non dire altro. Quattro anni di governo apertamente contrario all'espressione artistica. Il Ministero della Cultura è stato abolito all'inizio del mandato dell'ex presidente, il settore audiovisivo è stato eliminato e l'arte è stata scoraggiata.
L'anno 2023 è iniziato con il cambio di governo, ma la transizione non è stata facile. L'attuale presidente del Brasile, Luís Inácio Lula da Silva, si è insediato il 1° gennaio e, appena una settimana dopo, i sostenitori dell'ex presidente hanno preso d'assalto gli edifici dei tre rami del governo a Brasilia. Gli attacchi terroristici condotti da un gruppo organizzato hanno lasciato una scena devastante.
Il patrimonio pubblico del Paese è stato distrutto o danneggiato, comprese opere d'arte di valore inestimabile. Tra le perdite c'è il dipinto As Mulatas, di Di Cavalcanti. Si tratta di un pannello orizzontale con quattro figure femminili che lavorano sovrapposte a un grande paesaggio. Si tratta di donne dalla pelle scura, di razza mista e mulatta.
In questo dipinto, l'artista utilizza la stessa logica di Almeida Júnior, ovvero dare risalto a figure emarginate e socialmente oppresse, ma che sono al centro del funzionamento del nostro tessuto sociale. Valutata 8 milioni di euro, l'opera in questione si trovava nel Salão Nobre del Palácio do Planalto e presentava sette strappi nella tela.
Oltre all'acclamata opera di Di Cavalcante, diverse opere d'arte sono state colpite e distrutte negli attentati terroristici dell'08 gennaio 2023.
La distruzione di questo patrimonio da parte degli estremisti dimostra che l'arte è politica! Dimostra che l'arte è necessaria. Dopo tutto, la realtà brasiliana espressa con l'intenzione di confrontarsi genera disagio anche nelle persone più laiche. L'arte è politica e lo sarà sempre, indipendentemente dalle forze che si oppongono.
da Stephanie Wruck | 22 novembre 2022 | Nuovo artista
Come si impara l'arte? A questa domanda un po' soggettiva risponde uno degli artisti più recenti che si sono uniti a Coletivo Amarelo, Gianlluca Carneiro. L'artista e insegnante brasiliano è direttamente coinvolto in progetti di cittadinanza ed etica e, in classe, ha trovato il modo di introdurre i suoi studenti alla politica attraverso l'educazione artistica.
Incontriamo Gianlluca Carneiro e la sua visione dell'educazione all'arte
Nel suo portfolio, Gianlluca condivide un po' della sua storia. Nato a Minas Gerais, in Brasile, l'artista visivo è anche insegnante di storia nel sistema scolastico comunale di Cariacica, Espírito Santo. Gianlluca ha anche una laurea in legge e ha studiato arte e istruzione al CEFART di Belo Horizonte.
Fin da piccolo, più precisamente dall'età di 6 anni, Gianlluca si è dimostrato un artista attraverso la pittura. Da allora, la sua carriera ha attraversato più di 20 anni, portando la sua arte in varie mostre a Minas Gerais, San Paolo ed Espírito Santo. Senza contare le pubblicazioni su riviste e mostre di fama nazionale e internazionale, come l'opera "Blue Humour, Blue Heart", finalista alla Doncaster Art Fair.
Gianlluca Carneiro chiama il suo universo artistico Cabeça Vazia (Testa Vuota), un gioco di parole sul detto popolare "testa vuota, bottega del diavolo". Per dirla con le sue parole: "L'importante è che questa testa vuota sia piena e impegnata a produrre opere con colori, tratti e composizioni colorate e caotiche, sempre basate sulla critica alle strutture politiche e sociali e allo stile di vita contemporaneo".
L'artista contemporaneo è in linea con le più recenti discussioni in corso nel mondo. Uno di questi è l'importanza di ripensare l'attuale sistema di educazione artistica.
Documenta 15
Documenta è una delle più grandi mostre d'arte contemporanea del mondo e si svolge ogni cinque anni nella città di Kassel, in Germania. La mostra fu creata nel 1955 da Arnold Bode nella Germania del dopoguerra. Parte della sua motivazione derivava dalla necessità di recuperare l'arte che era stata bandita dal nazismo e di reintrodurre il Paese alle ultime tendenze internazionali. Da allora, la mostra Documenta 15 è diventata un'importante istituzione nel mondo dell'arte.
Nel 2022 si è svolta la 15a edizione della mostra, curata dal collettivo ruangrupa di Giacarta, Indonesia. Il collettivo ha basato Documenta sui valori e le idee di un termine indonesiano molto comune, lumbung, che significa qualcosa come "granaio di riso comunitario". L'idea di utilizzare questo termine come modello artistico ed economico si basa su principi quali la collettività, la costruzione comune delle risorse e la loro equa distribuzione.
In questa edizione, diversi punti hanno risuonato e uno di questi dialoga direttamente con l'arte e con il posizionamento attivo di Gianlluca Carneiro, che è quello di ripensare le strutture dell'educazione artistica contemporanea. Nella mostra, questo si traduce nell'idea di collettivo e si chiede perché non possiamo imparare gli uni dagli altri, rompendo paradigmi come la figura autoritaria dell'insegnante.
Questa idea di trasformazione dell'educazione è espressa a Documenta 15 attraverso l'arte di *foundationClass, un collettivo formatosi nel 2016 presso la Weißensee Kunsthochschule Berlin (KHB). Il collettivo è nato come una piattaforma educativa per l'arte e un insieme di strumenti progettati per rendere la vita più facile agli immigrati che sono colpiti dal razzismo in Germania.
Per approfondire questo concetto di educazione artistica collettiva e conoscere meglio l'artista, Coletivo Amarelo ha realizzato un'intervista con Gianluca Carneiro. Leggete un estratto della nostra conversazione, che abbiamo aperto con un discorso dell'artista che unifica tutto questo pensiero dietro l'educazione artistica e questo potenziale non sfruttato.
Gianlluca: Vedo nei miei studenti un grande potenziale artistico che non viene realmente esplorato a scuola e io, come insegnante e artista, cerco sempre di portarlo a loro. Portare cosa? Portare idee per risvegliare qualcosa in loro, demistificando l'idea che l'arte sia solo nei musei, quando in realtà noi facciamo arte tutto il tempo. E usarla per discutere di politica
Coletivo Amarelo: Ci sono ostacoli all'interno della scuola per l'introduzione di questi nuovi modelli? Quali sono le resistenze?
Gianlluca: La cosa più assurda di tutto questo è che faccio parte di un progetto chiamato Ensina Brasil, rivolto alle aree di vulnerabilità sociale, e per coincidenza sono capitato in una scuola dove ci sono militari. Per un momento ho pensato che questo sarebbe stato un ostacolo, ma riesco a sollevare il tema della politica in modo più profondo, senza discorsi superficiali o partigianeria. Ma farlo attraverso l'arte rende persino più facile il processo all'interno della scuola, per quanto possa sembrare incredibile.
Coletivo Amarelo: La figura dell'insegnante è un luogo di conforto, di sicurezza, dove "non ci sono domande stupide", uno spazio meno intimidatorio... Essendo lei stessa un'insegnante, che consiglio darebbe a chi vuole iniziare a fare arte, a saperne di più sull'arte, ma non sa bene da dove cominciare o magari si sente timido?
Gianlluca: L'allontanamento dall'arte a volte deriva da linguaggi molto complessi, difficili da presentare alle persone... Vi faccio un esempio che mi è capitato questa settimana. Ho organizzato un concorso d'arte a scuola, ho sottolineato che ci sarebbe stato un premio, ma che non era per stimolare quella competitività aggressiva, ma per stimolare la creazione.
Uno dei miei studenti di educazione speciale, con un occhio di vetro, ipovedente, ha vinto il concorso di disegno. Il suo sorriso era incredibile. Un'altra studentessa, con un'autostima molto bassa, ha vinto il concorso di pittura, e non riusciva mai a vedere quello che faceva. Diceva sempre che tutto ciò che faceva era una merda... Questo mi ha dimostrato ancora una volta che l'arte è ciò che si fa nel modo più genuino possibile.
La strada per iniziare è davvero complicata, ma oggi abbiamo tante nuove forme, collettivi come Coletivo Amarelo, proposte alternative, luoghi che ci accolgono più apertamente e ci incoraggiano a fare cose. Questo è un bene per chi inizia a fare arte, a consumarla, a vivere di arte. Per quanto banale possa essere, la chiave è buttarsi.
Coletivo Amarelo: Quello che hai detto, sul fatto che oggi abbiamo accesso a così tanti strumenti e informazioni, a volte spaventa anche me. Forse fa sentire le persone un po' insicure da dove cominciare o dove inserirsi... E finiamo per dimenticare che fare arte è un processo lungo, che richiede tempo, una digestione lenta. Il processo dell'artista di stare seduto in isolamento, "aspettando che qualcosa" accada, a volte è estremamente solitario e molto confuso.
Gianlluca: È un processo che richiede molto tempo. E non lo facciamo per una galleria, ma perché dobbiamo farlo. Sono un po' pazzo... ho il mio quaderno di schizzi, i miei scarabocchi... e le idee arrivano, i colori, le forme, e le sperimento. La maggior parte delle volte non arrivo dove voglio. Ci sono strati che si accumulano e non ho paura, non pianifico troppo, sono più una persona che agisce.
Opere esclusive di Gianlluca sono disponibili nel nostro negozio, guardatele!
