por Stephanie Wruck | 20 de marzo de 2023 | Eventos
El día 22 tendrá lugar la Bienal Internacional del Alentejo. La edición del evento, que tendrá lugar del 22 al 26 de marzo de 2023, en Estremoz, contará con la presencia de más de 140 artistas nacionales e internacionales, provenientes de 15 países, para garantizar la diversidad de modelos y técnicas de expresión artística .contemporáneo Entre tantos artistas, Gabriela Albuquerque, socia fundadora del Colectivo Amarelo, tuvo una de sus obras seleccionada para la exposición.
Paisaje inútil VI, 2021, Gabriela Albuquerque
gabriela alburquerque
Gabriela Albuquerque es una artista brasileña que busca representar artísticamente su experiencia en diferentes contextos. Su formación inicial es en Letras en la Universidad de São Paulo, pero pronto incursionó en el campo de las artes visuales cuando se graduó en Crítica y Curaduría en la PUC-SP. Posteriormente, trabajó brevemente como curadora y crítica de arte en la ciudad de São Paulo.
La artista se mudó a Washington DC, la capital de los Estados Unidos, y comenzó su formación práctica como artista visual en la escuela Art League de Alexandria, Virginia. Todo ello sin abandonar su campo de crítica y curaduría, participando activamente en grupos, encuentros y talleres promovidos por la Institución Smithsonian y la Galería Nacional de Arte.
Después de tres años viviendo en Virginia, Gabriela Albuquerque se mudó a Seattle, en el estado de Washington. En la nueva ciudad ingresó a la Gage Academy of Art donde continuó su formación artística.
Actualmente, Gabriela vive en Cascais, Portugal. La brasileña terminó su formación en Pintura en el centro de estudios Ar.CO y actualmente forma parte del grupo de estudio y seguimiento crítico NowHere, bajo la dirección de la curadora Cristiana Tejo.
La Bienal Internacional del Alentejo
La primera edición de BIALE está organizada por ARTMOZ con el apoyo de la Municipalidad de Estremoz, Dirección Regional de Cultura de Alentejo y tiene como socios la Bienal Internacional de Artes de Cerveira y la Sociedad Nacional de Bellas Artes. Entre las obras de artistas internacionales y nacionales, hay obras que incluyen pinturas, dibujos, acuarelas, esculturas, cerámicas y fotografías.
El evento comienza el 22 de marzo con la inauguración prevista para las 18:30 horas. El domingo 26 de marzo tendrá lugar la sesión de clausura de la Bienal Internacional do Alentejo.
Te invitamos a asistir a este evento y aprovechar la oportunidad de ver obras de artistas de 15 países. Incluida la brasileña Gabriela Albuquerque, nuestra socia fundadora.
por Stephanie Wruck | 6 de febrero de 2023 | Artículo
Es imposible negar que el arte y la política están entrelazados. Ya sea por la voluntad del artista de expresar su posición o por su ausencia, de una forma u otra, el arte transmite un mensaje político. Una de las voluntades inherentes al ser humano que motiva esta manifestación es la aspiración a la libertad. En el contexto histórico brasileño esto no sería diferente. Después de todo, la práctica de hacer arte en Brasil es, en sí misma, un acto político. Con eso en mente, en el artículo de hoy vamos a abordar la intersección entre el arte y la política en el trabajo de los artistas brasileños y su impacto en el país.
¡El arte es política!
¡El arte es y ha sido siempre una expresión política! Incluso es posible analizar esta conexión en diferentes momentos históricos. Ya sea en el Renacimiento, cuando las pinturas se encargaban y ejecutaban según la posición política del comprador. Sea en un momento dictatorial en el que se censura el arte. El arte es política y la expresión artística tiene una fuerza, sea intencional o no.
Al crear una obra de arte, el artista puede optar por hablar en contra del sistema, en contra de la opresión y en contra de las normas obsoletas de la sociedad, por ejemplo. Hay una infinidad de ubicaciones que un artista puede emplear en su obra. Así como también hay artistas que no buscan expresar una posición política, sin embargo, la ausencia de expresión es una posición en sí misma.
Al contrario de lo que mucha gente piensa, la conexión entre arte y política no tiene por qué tener un carácter panfletario. Es decir, apoyar una idea de forma radical y masiva. El simple hecho de que ciertos artistas se expresen y demuestren su realidad en sus obras es un acto político.
Cuando hablamos de arte y política, también es común que la sociedad entienda esto como una imposición de adoctrinamiento al espectador. Sin embargo, la realidad demuestra que se trata de un pensamiento superficial y sin mucho fundamento. Después de todo, el arte es subjetivo e interactúa con cada individuo de manera diferente. Son varios los estímulos e impactos que la expresión artística provoca en el observador y su interpretación depende de su bagaje cultural, político y social.
Arte y política en el contexto brasileño
En Brasil, un país rico en cultura y diversidad, el arte es una fuerte herramienta política. Para ilustrar esto, dibujamos una línea de tiempo con diferentes artistas y sus impactos en la sociedad brasileña.
Almeida Júnior – Caipira picando tabaco
El artista vivió en el siglo XIX, más precisamente entre 1850 y 1899. A Almeida Júnior se le suele asociar con una palabra que puede verse como peyorativa: “caipira”. Esta relación proviene de su representación del pueblo brasileño en su pluralidad, centrándose en la gente “común” y evitando la representación de los ilustres y aristocráticos, como era habitual.
Oswald de Andrade - Manifiesto Antropofágico
La década de 1920 es un hito histórico para el arte brasileño. Hace 101 años se llevó a cabo la Semana de Arte Moderno, dando inicio al movimiento modernista en el país. Unos años más tarde, en 1928, Oswald de Andrade publicó su Manifiesto Antropofágico. Inspirándose en las ideas del artista y activista político Filippo Tommaso Marinetti, creador del futurismo en el arte, Andrade fundó un movimiento histórico.
El artista publicó su manifiesto en la revista Antropofagia, de São Paulo, con el objetivo de “tragar” técnicas e influencias de otros países. De esta manera, Oswald de Andrade impulsó la creación de una nueva estética artística brasileña.
El movimiento tomó su nombre de promover el “canibalismo” de la cultura extranjera. Después de todo, la cultura extranjera influyó mucho en el arte brasileño. El objetivo del artista era promover una identidad brasileña nueva, multicultural y original, así como a su gente.
Tarsila do Amaral – Abaporu
Una de las pinturas más famosas de la aclamada artista brasileña, Abaporu dialoga directamente con la obra de su esposo, Oswald de Andrade, en el Manifiesto Antropofágico.
La pintura presenta a un hombre sentado con extremidades desproporcionadas, con manos y pies agrandados y una cabeza diminuta en comparación con el resto del cuerpo. Además, el sol en el centro del cuadro y la representación de un cactus refuerzan la idea que podemos entender del cuadro.
La obra es vista como una crítica al trabajo físico, agotador y con poco pensamiento crítico, representando la realidad de gran parte de la población de la época. El cuadro fue pintado en 1928 y marca la etapa antropofágica del artista, que se prolongó hasta 1930.
Arte y política durante la Dictadura Militar en Brasil
Durante los años 1964 y 1985, Brasil pasó por la Dictadura Militar, un período oscuro y represivo. Fueron casi 30 años de opresión militar y los artistas, por supuesto, fueron una de las grandes clases afectadas, perseguidas y censuradas por la dictadura.
El arte como política no se ha callado, al contrario. Incluso viviendo en una época de censura, muchos artistas utilizaron su trabajo a favor de la libertad de expresión, que fue cada vez más silenciada.
Separamos a algunos de los artistas que se destacaron en la lucha contra un sistema opresor y dictatorial:
Cildo Meireles - Cambio rojo
Cildo Meireles es un artista brasileño conocido por su trabajo pionero en la creación de instalaciones de arte en el país. Durante la dictadura, el artista demostró una fuerte posición política, que podemos analizar en su instalación “Desvio para o Vermelho” (1967 – 1984). La instalación está marcada por estas dos fechas ya que marca el año de su concepción (1967) y el año de su primer montaje (1984).
La obra se divide en tres salas pintadas de rojo y articuladas entre sí. En el primer ambiente, Impregnación, nos insertamos en una sala blanca repleta de muebles y obras en tonos rojos. Esto se contrasta en la penumbra de Entorno, el segundo ambiente, donde es posible observar una botella volcada, con un líquido rojo fluyendo en un ambiente totalmente oscuro. En el último ambiente, Desvio, el sonido del agua corriendo guía al espectador a una habitación completamente oscura. La oscuridad solo se ve interrumpida por un fregadero funky, donde fluye agua roja, creando sonido.
Hélio Oiticica – Tropicália
Tropicália es un término creado por el artista Hélio Oiticica y representado en una instalación expuesta en la muestra Nova Objetividade Brasileira, realizada en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro en 1967. La obra es un ambiente compuesto por Penetráveis, PN2 (1966) – Pureza É a Myth, y PN3 (1966-1967) – Imaginería. Esta fue la obra que inspiró la creación estética del movimiento tropicalista entre las décadas de 1960 y 1970.
La obra es rica en elementos propios de la cultura popular brasileña, como arena, tierra, plantas tropicales, tejidos, entre otros. Todos estos elementos juntos subvirtieron el orden estético del modernismo europeo.
Anna Maria Maiolino – “Lo que queda”
A través de un trabajo político y provocador, la artista ítalo-brasileña Anna Maria Maiolino exploró diferentes materiales y medios de expresión. Durante los períodos dictatoriales, las preguntas siempre presentes eran: “¿Cómo hablar? ¿Cómo comunicar en tiempos de dictadura?”.
Estas dudas se expresan en la obra del artista, como la fotografía “O que Sobra” (1974), que muestra a una mujer con la lengua expuesta entre unas tijeras. ¡A través de su arte, la artista cuestiona!
Adriana Varejao
El artista tiene una visión y un trabajo únicos. Su obra parte de una pregunta: “¿Y si las paredes tuvieran vísceras, músculos y sangre?”. Adriana Varejão se encuentra entre los nombres más importantes del arte contemporáneo brasileño y tiene un pabellón dedicado a su obra en Inhotim, el museo al aire libre más grande del mundo, ubicado en Brumadinho, Minas Gerais.
Sin embargo, su obra no se limita a la idea de muros que simulan entrañas humanas. En sus obras expuestas en Inhotim, la artista critica las heridas dejadas por la historia brasileña.
regina parra
La artista expresa su arte a través de la pintura, la fotografía y el video, con un fuerte carácter político vinculado a temas de actualidad sobre el feminismo y la supervivencia en un universo aún misógino y sexista. Regina Parra aborda en sus obras temas como la opresión, la insubordinación y la resistencia femenina.
Arte y política en el escenario actual de Brasil
La política brasileña ha sido disruptiva, por decir lo menos. Fueron cuatro años de un gobierno que estuvo abiertamente en contra de la expresión artística. El Ministerio de Cultura se extinguió justo al inicio del mandato del expresidente, se desechó el sector audiovisual y se desestimuló el arte.
El año 2023 comenzó con el cambio de este gobierno, pero la transición no ha sido fácil. El actual presidente de Brasil, Luís Inácio Lula da Silva, asumió el cargo el 1 de enero y, apenas una semana después, simpatizantes del expresidente invadieron los edificios de los tres poderes en Brasilia. Los atentados terroristas perpetrados por un grupo articulado dejaron un escenario desolador.
La propiedad pública del país fue destruida o dañada, incluidas obras de arte de valor incalculable. Entre las pérdidas se encuentra el cuadro As Mulatas, de Di Cavalcanti. Se trata de un panel horizontal con gran énfasis en cuatro figuras femeninas trabajando superpuestas a un gran paisaje. Son mujeres de piel morena, mestizas y mulatas.
En esta pintura, la artista utiliza la misma lógica de Almeida Júnior, que es dar protagonismo a figuras marginadas y socialmente oprimidas, pero que son el núcleo del funcionamiento de nuestro tejido social. Estimada en R$ 8 millones, la obra en cuestión estaba en el Gran Salón del Palacio del Planalto y tenía siete rasgaduras en su lienzo.
Además de la aclamada obra de Di Cavalcante, varias obras de arte fueron golpeadas y destruidas en los ataques terroristas del 8 de enero de 2023.
¡La destrucción de este patrimonio por parte de los extremistas demuestra que el arte es político! Demuestra que el arte es realmente necesario. Después de todo, la realidad brasileña expresada con la intención de hacer frente genera malestar incluso en los más laicos. El arte es político y siempre lo será, sin importar cuántas fuerzas opuestas surjan.
por Stephanie Wruck | 22 de noviembre de 2022 | nuevo artista
¿Cómo aprender sobre arte? Este tema un tanto subjetivo lo aborda uno de los artistas más nuevos en incorporarse al Colectivo Amarelo, Gianlluca Carneiro. El artista y docente brasileño está directamente involucrado con proyectos de ciudadanía y ética, y dentro del aula ha encontrado formas de introducir a sus alumnos a la política a través de la educación a través del arte.
Conoce a Gianlluca Carneiro y su visión sobre la educación artística
En su portafolio, Gianlluca comparte un poco de su historia. Nacido en Minas Gerais, Brasil, el artista visual también es profesor de historia en la red municipal de Cariacica, en Espírito Santo. Además, Gianlluca tiene una Licenciatura en Derecho y estudió arte y educación en CEFART en Belo Horizonte.
Desde muy temprana edad, más precisamente a partir de los 6 años, Gianlluca se demostró como artista a través de la pintura. Desde entonces, su carrera abarca más de 20 años, llevando su arte a diferentes exposiciones en Minas Gerais, São Paulo y Espírito Santo. Sin mencionar las publicaciones en revistas y exposiciones de renombre nacional e internacional, como su obra “Humor Azul, Coração Azul”, que fue finalista en la Feria de Arte de Doncaster.
Gianlluca Carneiro llama a su universo artístico Cabeça Vazia, un juego del dicho popular “la cabeza vacía es taller del diablo”. En sus propias palabras: “Lo importante es que esta cabeza vacía está llena y ocupada produciendo obras con colores, trazos y composiciones coloridas y caóticas siempre sustentadas en la crítica a las estructuras políticas y sociales y al modo de vida contemporáneo”.
El artista contemporáneo se alinea con las más recientes discusiones presentes alrededor del mundo. Uno de ellos es la importancia de repensar el actual sistema de educación artística.
documentos 15
Documenta es una de las mayores exposiciones de arte contemporáneo del mundo y tiene lugar cada cinco años en la ciudad de Kassel, Alemania. La exposición fue creada en 1955 por Arnold Bode, en la Alemania de posguerra. Parte de su motivación vino de la necesidad de volver al arte prohibido por el nazismo y de reintroducir al país en las últimas tendencias internacionales. Desde entonces, la exposición Documenta 15 se ha convertido en una gran institución en el mundo del arte.
En 2022 tuvo lugar la 15ª edición de la exposición, curada por el colectivo ruangrupa de Yakarta, Indonesia. El colectivo basa Documenta en los valores e ideas de un término muy común en Indonesia, lumbung, que significa algo así como “granero comunitario de arroz”. La idea de utilizar este término como modelo artístico y económico se basa en principios como la colectividad, la construcción conjunta de los recursos y su justa distribución.
En esta edición resuenan varios puntos y uno de ellos dialoga directamente con el arte y el posicionamiento activo de Gianlluca Carneiro, que es repensar las estructuras de la educación artística contemporánea. En la exposición, esto se traduce desde la idea de lo colectivo y cuestiona ¿por qué no podemos aprender unos de otros, rompiendo paradigmas, como la figura de autoridad del docente?
Esta idea de transformar la educación se expresa en Documenta 15 a través del arte de *foundationClass, un colectivo formado en 2016 en la Weißensee Kunsthochschule Berlin (KHB). El colectivo surgió como una plataforma educativa para el arte y un conjunto de herramientas creado para facilitar la vida de los inmigrantes afectados por el racismo en Alemania.
Para profundizar en este concepto de educación artística colectiva y conocer mejor al artista, el Colectivo Amarelo realizó una entrevista a Gianlluca Carneiro. Lea un extracto de nuestra conversación, que abrimos con un discurso del artista que unifica todo este pensamiento detrás de la educación artística y este potencial sin explotar.
Gianlluca: Veo mucho potencial artístico entre mis alumnos que no está tan explorado dentro de la escuela y yo, como docente y artista, trato de acercarles eso en todo momento. ¿Traer qué? Aportar ideas para despertar algo en ellos, desmitificar esa idea de que el arte solo está en el museo, cuando en realidad hacemos arte todo el tiempo. Y utilízalo para debatir política.
Colectivo Amarillo: ¿Hay obstáculos dentro de la escuela para traer estos nuevos modelos? ¿Qué es la resistencia?
Gianlluca: Lo más loco de todo esto es que yo soy parte de un proyecto llamado Ensina Brasil, dirigido a zonas de vulnerabilidad social, y por casualidad terminé en una escuela donde hay militares. Por un momento pensé que esto sería un estorbo, pero logro traer el tema de la política de una manera más profunda, sin discursos superficiales y también sin partidismos. Pero hacer esto usando el arte incluso hace que el proceso sea más fácil dentro de la escuela, por increíble que parezca.
Colectivo Amarillo: La figura del docente es un lugar de comodidad, de seguridad, donde “no hay preguntas tontas”, un espacio menos intimidante… Tú, como docente, ¿qué consejo le darías a quien quiere empezar a hacer arte, conoce más arte, pero no sabes por dónde empezar o tal vez te da vergüenza?
Gianlluca: El desapego por el arte a veces viene de lenguajes muy complejos, nos cuesta presentar a la gente… Te pongo un ejemplo de algo que me pasó esta semana. Tuve un concurso de arte en la escuela, recalqué que habría un premio, pero que no era para fomentar esa competitividad agresiva, sino para estimular la creación.
Un estudiante mío de educación especial, tiene un ojo de vidrio, baja visión y ganó la competencia de dibujo. Era un stand afuera, su sonrisa era algo increíble. Otra estudiante, con muy baja autoestima, ganó el concurso de pintura y nunca pudo ver lo que estaba haciendo. Siempre diciendo que todo lo que hacía era una mierda*… Esto me demostró una vez más que el arte es lo que hacemos de la manera más genuina posible.
El camino para empezar sí que es complicado, pero hoy tenemos tantas formas nuevas, colectivos como el Coletivo Amarelo, propuestas alternativas, lugares que nos acogen más abiertamente y que nos animan a hacer cosas. Esto es para los que están empezando a hacer arte, a consumir, a vivir de ello. Por banal que sea, el secreto está en lanzarse de lleno.
Colectivo Amarillo: Eso que dijiste, de tener hoy acceso a tantas herramientas e información, a veces también asusta. Porque tal vez hace que la persona esté un poco sin saber por dónde empezar o sin entender dónde encaja en todo esto... Y acabamos olvidándonos de que el hacer artístico es un proceso que lleva tiempo, que lleva tiempo, un proceso muy lento. digestión. El proceso del artista de estar recluido allí, “esperando que suceda algo”, es extremadamente solitario a veces y súper confuso.
Gianlluca: Es un proceso que lleva mucho tiempo. Y no lo hacemos por una galería, lo hacemos porque hay que hacerlo. Estoy un poco loca… tengo mi cuaderno de bocetos, mis garabatos… y vienen las ideas, los colores, las formas, ya partir de ahí experimento. La mayoría de las veces no llega a donde quiero. Hay capas que se acumulan y, no tengo miedo, no planifico demasiado, soy más una persona de acción.
Obras exclusivas de Gianlluca están disponibles en nuestra tienda, ¡échales un vistazo!
