door Stephanie Wrak | 18 oktober 2022 | Evenementen
Wat als we ons de landschappen die we via kunst laten circuleren, opnieuw zouden kunnen voorstellen?
Het stuk “Náutica 01” is een samenwerking tussen Rafaela Salgueiro en Duda Affonso, beide Braziliaanse kunstenaars die in Portugal wonen.
Het duo stelt, op basis van hun individuele theoretische en poëtische onderzoeken, een partnerschap voor dat tot doel heeft fotografie te laten samensmelten met picturale interventie. In navolging van een voorstel om realiteiten te verzinnen, zien de kunstenaars fotografische interventie als een manier om nieuwe mogelijke werelden te creëren. Rafaela gelooft dat schilderen ons in staat stelt onze verbeelding uit te breiden buiten de grenzen van wat door een foto wordt weergegeven.
Rafaela's werk onderzoekt het mechanisme van het tegelijkertijd onthullen en verbergen van elementen van een beeld, waardoor de kijker nieuwe mogelijkheden krijgt voor interactie terwijl hij andere verhalen opbouwt. Duda Affonso observeert op zijn beurt de wereld en verzamelt overblijfselen van verhalen die ooit zouden kunnen bestaan, hetzij door middel van fotografie, collage of film, terwijl hij zijn eigen verbeelding opbouwt.
Dit stuk is een uitnodiging om het nautische landschap opnieuw voor te stellen ter ere van de revitalisering van Cascais Marina, Portugal. Door verflagen over elk element van het beeld aan te brengen, onthult de kunstenaar mogelijke realiteiten die misschien alleen in ons onderbewustzijn leven.
Foto gemaakt op 35 mm in Italië, 2019.
door Stephanie Wrak | 2 mei 2022 | Nieuwe artiest
Via een uitnodigend en intiem perspectief legt Gabriela Vasconcellos het triviale vast en creëert composities die tot doel hebben ons innerlijke gevoelens en sensaties onder ogen te zien. Zijn werk is een poging om ons via een intuïtieve benadering te verbinden met onze essentie. De foto's presenteren zich als een kalme energie, en het is door het beheersen van textuur en toon dat Gabriela erin slaagt zichzelf te bevrijden van het voor de hand liggende. Ze past zorgvuldig elementen uit het dagelijks leven toe en voegt een laagje delicatesse en tederheid toe, gecombineerd met de nostalgische esthetiek van analoge fotografie. Het resultaat zijn ongelooflijk gevoelige foto's waarvan de kunstenaar gelooft dat ze een manier kunnen zijn om verborgen delen van onszelf te herontdekken.
Gabriela komt oorspronkelijk uit Brazilië en werkt als journalist en kunsttherapeut, naast het vastleggen van haar omgeving met een 35 mm-camera. Filmen betekent het verstrijken van de tijd op een andere manier ervaren en ze is geïnteresseerd in het vastleggen van de kleine momenten van het dagelijks leven, het voelen van de tijd in zijn geheel en zichzelf toestaan om te vertragen. In tijden van digitale versnelling en productiviteit is het radicaal om de tegenovergestelde benadering te kiezen als het om werk gaat. Gabriela's foto's helpen ons na te denken over de manier waarop we door het leven gaan en bieden de kans om even stil te staan.
Gabriela deelde enkele belangrijke tips met ons over fotograferen met film en wat haar het meest hielp toen ze begon te experimenteren met analoge fotografie.
Manieren om betere foto's te maken met je analoge camera volgens Gabriella Vasconcelos
1)Ontwikkel uw foto's
Deze tip lijkt misschien heel voor de hand liggend, maar het is heel gebruikelijk dat mensen een analoge camera kopen in de hoop mooie foto's te maken, maar nooit de film ontwikkelen. Gabriella zegt dat het belangrijk is om de film te ontwikkelen om te zien wat voor soort foto's we maken en wat er verbeterd kan worden. Verzamel dus geen eindeloze rollen onontwikkelde film, maar ga ontwikkelen!
Gabriela zegt: “De andere reden dat het belangrijk is om je film te ontwikkelen, is omdat het analoge proces hierdoor echt in je creatieve praktijk terechtkomt. Veel mensen aarzelen om film te gaan fotograferen omdat ze denken dat het veel moeite kost, maar dat komt omdat ze de gewoonte om film te ontwikkelen nog niet in hun werkroutine hebben opgenomen. Vroeger maakte ik altijd foto's met een filmcamera, maar ik nam nooit de tijd om de film daadwerkelijk te ontwikkelen, dus ik wist niet eens wat voor werk ik aan het produceren was.”
2) Zorg dat je altijd extra film bij je hebt
Je weet nooit wanneer je zonder film komt te zitten, dus dit is je herinnering om altijd een extra filmrolletje bij de hand te hebben. Zo mis je nooit meer de kans om iets bijzonders dat je hebt gevonden te fotograferen.
3) Wees je bewust van je omgeving
Bij filmopnamen weet je nooit wat het resultaat zal zijn. Gabriella vindt het belangrijk om beter op te letten tijdens het wandelen. “Kijk omhoog, kijk naar beneden, verken alle hoeken om je heen en experimenteer. Je weet nooit wat er uit gaat komen – en dat is maar goed ook! Neem hier ook de tijd voor, het voegt gedachtelagen toe aan je foto’s.”
4) Houd er rekening mee dat het analoge proces zijn eigen tijd volgt
Het is vermeldenswaard dat het maken van foto's met een filmcamera betekent dat het hele proces zich anders ontvouwt dan digitaal. Analoge fotografie heeft zijn eigen tijdsbeperkingen en specifieke kenmerken en Gabriella gelooft dat het absoluut noodzakelijk is om jezelf onder te dompelen in het proces en eraan te wennen.
“Het kost tijd om de film te ontwikkelen, de foto’s te digitaliseren (als je dat graag zou willen doen) en die tijd niet als een probleem te begrijpen, maar als een proces waardoor je veel meer aanwezig kunt zijn tijdens het fotograferen. . Het is een heel andere ervaring om ergens een foto van te maken met je telefoon en een filmcamera. Zelfs als ik exact hetzelfde onderwerp fotografeer, is het belangrijk dat ik me op mijn gemak voel bij het proces zelf.”
Gabriela's foto's zijn te koop in onze winkel.
door Stephanie Wrak | 18 april 2022 | Artikel
Gradient Art is een techniek waarbij kleuren in een verloop worden gebruikt om een kunstwerk te creëren. Er heeft zich een toename in de populariteit van gradiëntkunst voorgedaan, waarbij de ene kleur geleidelijk in de andere overgaat, waardoor verschillende kleurovergangen ontstaan. Afhankelijk van de gebruikte kleuren kan de resulterende gradiëntkunst een breed scala aan emoties en gevoelens oproepen, waardoor de omliggende ruimtes worden getransformeerd.
Wat is gradiëntkunst?
Verloopkunst is een soort kunst waarbij een kleurverloop wordt gebruikt om de illusie van diepte en driedimensionale ruimte te creëren. Kleuren worden ook in andere vormen gebruikt, zoals schilderen, tekenen, beeldhouwen, fotografie, enz. Bij deze kunstvorm kan er vanuit verschillende hoeken licht op een object schijnen, waardoor het een realistisch uiterlijk krijgt. De kleuren veranderen ook afhankelijk van hoe je ze bekijkt, wat een artistieke aantrekkingskracht oplevert en verschillende interpretaties door kijkers mogelijk maakt.
Kunstenaars gebruiken verschillende technieken om deze schilderijen te maken, zoals gelaagdheid, vermenging en het toepassen van gradiënten met verschillende kleuren of texturen. Ze kunnen dit doen met verschillende penselen, potloden, pastelkleuren of zelfs met hun vingers.
Maar wat zijn gradiënten? En hoe verschillen ze in kleur?
Verlopen zijn kleurovergangen die geleidelijk van de ene kleur naar de andere veranderen. Hoeken worden doorgaans gemaakt met een reeks verf die in verschillende mate is gemengd. Kleurverlopen zijn het meest voorkomende type verloop en kunnen worden gebruikt voor achtergronden of randen, maar ze kunnen ook voor andere doeleinden worden gebruikt, zoals het creëren van een accentmuur of het toevoegen van diepte aan een afbeelding. Een regenbooggradiënt wordt vaak gebruikt om diepte en dimensie in afbeeldingen te creëren.
Er zijn verschillende soorten gradiënten, waaronder radiale gradiënten, lineaire gradiënten en diagonale gradiënten.
Mark Rothko en zijn eigen gebruik van gradiëntkunst
Bekend om zijn grote, allesomvattende, kleurrijke schilderijen, was Mark Rothko geïnteresseerd in het oproepen van fundamentele menselijke emoties – woede, onheil, extase – door middel van schilderen. Zijn werk was uitgebreid in zijn kleurgebruik en in de grote open ruimtes die werden gecreëerd, waardoor de kijker verschillende sensaties kon ervaren.
De kleurverlopen van Rothko waren niet precies in elkaar overlopend, maar waren zo geconstrueerd dat de kijker zich afvroeg welke kleur het eerst op het doek werd geplaatst. Hij ontwikkelde zijn compositorische techniek voor het eerst in 1947, door de beroemde kunstcriticus Clement Greenberg omschreven als 'color field schilderij', een term die Rothko's werk perfect zou beschrijven.
De gradiënten van Rothko zijn anders dan alle andere vanwege de manier waarop de kunstenaar zijn schilderijen maakte. Rothko bracht een grote hoeveelheid zwarte verf in onregelmatige bewegingen over het doek aan en verspreidde deze vervolgens langs de randen, waardoor een gekrast effect ontstond. Rothko's unieke gradiënten zijn terug te vinden in kleine delen van de schilderijen, meestal in het midden, wanneer de tonen van de ene naar de andere overgaan.
Zijn schilderijen zijn gemaakt om persoonlijk te ervaren, waarbij de sfeer van de ruimte de verschillende emoties weerspiegelt die door de kleuren worden overgebracht. Een van Rothko's bekendste series is Seagram's Murals, tentoongesteld in het Tate Modern in Londen. De serie bestaat uit zeven donkere en stemmige schilderijen, waarbij gebruik wordt gemaakt van een palet van zwart, rood en bruin. Rothko's gaf de schilderijen aan Tate Modern, het museum waar de grootste collectie werken van JMW Turner is gehuisvest, en vanwege zijn eigen bewondering voor Turner hoopte Rothko dat de serie naast de werken van Turner in de galerie zou worden tentoongesteld.
De verandering in de atmosfeer van Rothko's donkere gradiënten naar Turners perfect gemengde gradiëntkunsthemelen is diep ontroerend. Er ontstaat onmiddellijk een dialoog tussen de twee als bezoekers van de ene galerij naar de andere lopen.
Van Rothko's kleurrijke rechthoeken tot de gedigitaliseerde gradiëntkunst die in advertenties wordt gebruikt: kleurexperimenten zijn van fundamenteel belang voor zowel het maken van kunstwerken als voor de ervaring van de kijker.
Welk gevoel geeft elke kleur jou?
Is het mogelijk zulke gevoelens te beschrijven?
Zijn ze ongemakkelijk? Of zijn ze rustgevend?
Welke emotie roept een specifiek kleurverloop op?
Voor meer informatie over de Tate-collectie: https://www.tate.org.uk/
door Stephanie Wrak | 21 december 2021 | Artikel
Om onze discussie over tijd voort te zetten, spraken we met de kunstenaar Dárida Rodrigues, oorspronkelijk uit São Paulo. Zijn onderzoek komt tot uiting in audiovisuele installaties, audiowandelingen, optredens en locatiespecifieke informatie als een poging om relationele kunst en het menselijk bewustzijn zelf te onderzoeken. Dárida deelde met ons de ervaring van het creëren tijdens de periode van isolatie, de rol van de overvloed aan tijd in de artistieke praktijk en haar persoonlijke relatie met het verstrijken van de tijd.
Ik zou willen beginnen met te praten over de bedoeling achter uw werk in “het uitrekken van de tijd” voor een meer aandachtige observatie van onze omgeving en ook van wat er in ons leeft. Waar kwam deze behoefte om de artistieke praktijk te combineren met meditatieve methoden vandaan?
D: Welnu, ik heb het gevoel dat tijd, of beter gezegd het verstrijken van de tijd, de enige constante in onze ervaring is, terwijl alles verandert. En de mogelijkheid dat de tijd “stopt, verlengt of voorbij vliegt” op basis van onze perceptie van elke specifieke ervaring heeft mij altijd erg geïnteresseerd. Ik denk dat dit fenomeen van veranderende perceptie en vooral de relatie die ontstaat tussen deze en onze mentale en emotionele toestanden, ook een van de dingen is die mij lange tijd altijd verbonden hebben met meditatieve praktijken.
Dus ik denk dat deze opening van een interne ruimte waar de tijdelijkheid zich ontvouwt in andere mogelijke configuraties en die je tegelijkertijd in staat stelt het huidige moment vollediger te bewonen, die ik veel heb onderzocht door middel van meditatie, leegmaakt, ook al is het maar voor een paar seconden. De geest doordringt ook mijn werk, denk ik op een manier die voorafgaat aan de intentionaliteit. Het is echt een kloof die mij als onderzoek aantrekt en die ik graag wil onderzoeken in deze transpositie van gebieden tussen kunst en leven, misschien omdat, althans voor mij, deze velden van het meditatieve, of het spirituele, als we willen, zijn ook het veld waarin kunst opereert. Het is vanzelfsprekend onderdeel geworden van het proces om meditatieve methoden te integreren of zelfs te ondermijnen door te experimenteren met het creëren van relaties tussen subjectiviteit, tijd en ruimte.
Zijn nieuwste werk “Vice-Versa” onderzoekt dit idee van de beweging van genegenheden die binnen en buiten verbinden, de ontvangst en expressie van informatie en beelden... En het werk illustreerde uiteindelijk ook het verstrijken van de tijd door de observatie van de stroom mensen op straat en de interactie met het werk zelf. Wat heb je geleerd uit de ervaring bij het maken van het werk “Vice-Versa”?
D: Ik ben deze oogst nog steeds aan het verwerken... omdat het werk veel lagen heeft onthuld die interessant zijn om te observeren. Maar ik kan wel zeggen dat deze impuls om een omkering van standpunten te ervaren, waarbij gebruik wordt gemaakt van de relatie tussen binnen en buiten die de ruimte van het raam en de straat biedt, door middel van geprojecteerde video, het mogelijk maakt dat vele andere relaties tot stand kunnen worden gebracht. en om geconfronteerd te worden, zoals de tijd met de ruimte, in de omgekeerde spiegel die de waarnemer niet direct weerspiegelt, gecreëerd door middel van video en die onze aandacht trekt vanwege de mogelijkheid om twee of meer temporaliteiten tegelijkertijd te ervaren, zoals wat er binnen gebeurde, wat er buiten gebeurde, in het huidige moment en wat er gebeurde in wat in actie werd gezien in de videoperformance/geprojecteerde spiegel, wat ook andere snelheden, herhalingen en interventies met zich meebracht en die deze verschillende relaties bemiddelde tussen plantensubjecten, voorbijgangers van het heden en het beeld. Ik denk dat het de moeite waard is om deze relationele temporele ruimte nog verder te verkennen.
Zijn andere werk [Des]segredo stelde een traject voor van een in kaart gebracht pad om door het werk in een bepaalde ruimte te reizen. Hoe manipuleren locatiespecifieke werken onze perceptie van tijd?
D: Tijdens het creëren van [Des]segredo, wat ook een masterproject was, werd de audiomuur À Luz ontwikkeld voor een specifieke route in het Belas Artes-gebouw in Lissabon, een zeer oude constructie met historische materialiteit, waar men voelt het gewicht niet alleen materieel maar ook tijdelijk; Het was interessant om het voorstel van een innerlijke (of meditatieve) drift door verplaatsing in de ruimte te onderzoeken, als een proces van het naderen van een gemeenschappelijke plaats van één-op-één relatie, rond het idee van Geheim, dat aan het eind werd voorgesteld. .
Vanuit dit geluidslandschap, voortgebracht door gesproken instructies, ervaren en herschapen in het heden tijdens het wandelen door de ruimte en ook door de subjectieve tijdelijkheid die zich in het moment voordoet, kon ik voor elke deelnemer ook observeren hoe een ruimte-tijdreis specifiek tot stand kwam. in een ruimte in een artistieke context, kunnen niet alleen onze perceptie van tijd beïnvloeden (of manipuleren), maar er ook door beïnvloed worden. Dit komt omdat ik van mening ben dat site-specifieke werken intrinsiek verbonden zijn met de ruimte, terwijl ze zich tegelijkertijd, door deze mogelijkheid om een ondermijnde temporele ruimte te manifesteren, openstellen voor interventies en transformaties daarvan, en in die zin zijn ze ook zeer interessant in deze verkenning van het innerlijke en relationele universum in dialoog met tijdelijkheid.
Het werk [In]surgir, dat tijdens de quarantaine tot stand kwam, is een van zijn werken over auditieve onderdompeling. Eén van onze vragen binnen het onderwerp tijd is om te onderzoeken hoe het gebrek aan of de overvloed aan tijd de creatieprocessen beïnvloedt. Hoe was het om dit werk te maken tijdens een periode van isolatie?
D: Het was op zijn minst een goede ondervragingsoefening, zozeer zelfs dat ik in het begin de [In]Surgir-serie “Oefeningen om “aan te raken, pijn te omarmen en op de realiteit te kauwen” noemde.
Ik, die had besloten op het gebied van de kunst een aantal meditatieve methoden enigszins te overtreden, door verplaatsing, afleiding voor te stellen, een poëtica die mij persoonlijk betrok in de teksten en audio, had plotseling het gevoel dat het leven in de eerste plaats vroeg om te verwerken, met een ongekende beperking van ruimte en beweging, een dystopische en onzekere realiteit, waarin deze ‘conventionele’ meditatiemethoden, ondanks dat ze fysiologisch zeer nuttig waren, op dat moment voor mij niet langer veel zin leken te hebben. Het was echt een noodzaak om ze te integreren in het creatieproces. Dus begon ik deze audio-instructies te schrijven om te werken met de mogelijkheden van een meditatieve en zintuiglijke abstractie, gebaseerd op deze toestand van opsluiting en de plotselinge pseudo-overvloed van tijd en onmogelijkheid van beweging, met alle emoties en vragen die intern opkwamen en opkwamen.
Is het voor kunstenaars mogelijk om te genieten van de esoterische aard van het creatieproces in een extreem snelle wereld zoals die waarin we vandaag de dag leven?
D: Ja, het is moeilijk om na te denken over wat er niet mogelijk is in termen van kunst. Maar persoonlijk ben ik van mening dat het essentieel is om onszelf toe te staan in het leven en de kunst te bestaan op de meest integrale manier die voor ieder mens mogelijk is, om niet volledig opgeslokt of gevangen te worden door het extreem gekapitaliseerde en gemediatiseerde leven dat de wereld kenmerkt. gevestigd, gebrekkig ‘humanisme’, maar vandaag de dag versneld. En ik denk dat dit esoterische, spirituele of transpersoonlijke universum veel breder en meer aanwezig is in onze subjectieve ervaring dan we ons vaak voorstellen of intellectualiseren, vooral omdat we bijna altijd opereren binnen het westerse hegemonistische denken, waar we moeite hebben ruimte te maken voor wat niet kan. worden geconfigureerd door deze parameters en daardoor verbinden we ons niet met de mogelijkheden van intuïtief en het creëren van onze eigen rituelen of spreuken die natuurlijk zijn en niet “bovennatuurlijk”, om ons innerlijke universum te verkennen en andere realiteiten uit te vinden. Het artistieke veld is naar mijn mening een zeer vruchtbare voedingsbodem voor deze verkenning. Veel van wat we zien als onderdeel van een esoterische aard en dat geen verband houdt met het rationele denken dat we kennen, kan bijvoorbeeld een gangbare praktijk zijn voor sommige andere gemeenschappen en soorten. Als we kunst alleen zien of maken vanuit het perspectief van onze (vaak beperkte) cultuur, zullen we altijd ervaringen en ervaringen buiten beschouwing laten die wellicht fundamenteel zijn voor het bestaan en wie weet, daadwerkelijk en politiek bloeien in het heden. Ik zie hiervoor geen ontvankelijker ruimte/tijd dan kunst.
door Stephanie Wrak | 13 december 2021 | Artikel
Om onze discussie rond het onderwerp TIJD te beginnen, presenteren we u vandaag het werk van de kunstenaar Hilma af Klint, die tussen de jaren 1906 en 1915 meer dan 150 schilderijen maakte. Deze schilderijen werden “De Tempelschilderijen” genoemd en bestaan voornamelijk uit afbeeldingen abstracte en organische vormen geïnspireerd door de geometrie van de natuur. Klints werk presenteert een wereld die verder gaat dan die wij kennen; dat de huidige tijd overstijgt en de manier waarop we de werkelijkheid waarnemen uitdaagt.
Klint stelde zich een tempel voor waarin de schilderijen zouden worden ondergebracht en beschreef deze in een van zijn vele dagboeken als een ‘rond gebouw, waar bezoekers op een spirituele reis een wenteltrap zouden beklimmen’. Hilma’s beschrijving is buitengewoon omdat ze het Solomon R. Guggenheim Museum in New York City beschrijft, dat slechts tientallen jaren later zou worden gebouwd en ook het gastmuseum zou zijn voor haar solotentoonstelling ‘Paintings for the Future’ in 2018. Frank Lloyd Wright, de architect van het Guggenheim, creëerde een niet-traditionele plek voor niet-objectieve kunst en zowel hij als Klint deelden een affiniteit voor organische vormen en de spirituele symboliek rond de spiraal. Zowel de architectonische visie van Wright als de schilderijen van Klint waren een breuk met de traditie en boden een nieuwe benadering van creatieve expressie.
Klints mystiek omvat vele interesses in occultisme, theosofie, spiritualisme en wetenschappelijke concepten. De schilderijen voor de tempel dienden als een bewijs van de hogere geesten en de kunstenaar heeft er bijna tien jaar aan gewerkt. Zijn abstracte schilderijen veranderden de loop van de kunstgeschiedenis en stelden de vraag: wat is de rol van tijd in het esoterische proces van het maken van kunst?
Hoe kunnen kunstenaars het verstrijken van de tijd via hun praktijken manipuleren?
door Stephanie Wrak | 10 december 2021 | Artikel
Wat is de rol van tijdelijkheid in het artistieke proces?
Het concept van tijd heeft centraal gestaan in de artistieke expressie, van de snelle bewegingen van de impressionisten tot Bruce Naumans observatie van tijd in relatie tot de ruimte; De tijd fungeerde zowel als katapult voor de opkomst van nieuwe standpunten als als onderwerp voor diepgaander onderzoek. De manier waarop kunstenaars tijd begrijpen in de context van hun praktijk heeft altijd de dynamiek weerspiegeld tussen de kunstenaar en de externe eisen van de wereld, hetzij door contemplatie of door interventie.
Hoe beïnvloedt het gebrek aan of de overvloed aan tijd de artistieke praktijk, terwijl we in een voortdurend veranderende, extreem snelle wereld leven en onze sociale ervaringen worden bemiddeld door hectische eisen?
Enkele belangrijke punten om te overwegen:
Tijdelijkheid in het proces van het maken van kunst
In de eerste plaats is het belangrijk om na te denken over de manieren waarop de tijd de artistieke praktijk is binnengedrongen en hoe kunstenaars de abstracte en onzichtbare aard van de tijd door middel van beeldende kunst proberen weer te geven. Ten tweede is de handeling van het beschouwen van een kunstwerk ook uitwisselbaar, aangezien het werk zelf in de loop van de tijd verandert en nieuwe percepties en betekenissen krijgt. Nagel en Wood (2010) betoogden dat kunstwerken altijd ‘in plurale temporaliteiten leven’, aangezien een kunstwerk op een bepaald moment door iemand is gemaakt, maar verwijst naar ideeën of gebeurtenissen die vaak aan dat moment voorafgingen, of naar een ingebeelde gebeurtenis verwijzen. toekomst. (Serafini en Banken).
Portfoliogedreven artistieke praktijk
Is er ruimte voor verrassingen en langzaam experimenteren, aangezien kunstenaars in steeds beperktere omstandigheden werken, zelfvoorzienend moeten zijn en werk moeten produceren voor specifieke formats en platforms (een portfolio, een website of sociale media)?
Naarmate onze digitale omgevingen complexer worden, lijkt de noodzaak om werk te produceren dat relevant is voor de huidige tijd de enige ‘juiste’ manier om kunst te maken. Maar als relevante onderwerpen voortdurend veranderen en het tempo ervan niet bij te houden is, is er dan nog tijd over om ideeën zich organisch te laten ontwikkelen? Hoe kunnen kunstenaars profiteren van de esoterische – en vaak langzame – aard van het creatieve proces in de wereld van vandaag?
Gebrek aan tijd bij het observeren van kunst
Het tijdgebrek als het gaat om beeldende kunst heeft niet alleen impact op de maker, maar ook op de kijker. Hebben we voor de toeschouwer nog voldoende tijd voor contemplatieoefeningen? Wat is het ideale moment voor de esthetische ervaring?
Blijf ons de komende weken volgen terwijl we dieper ingaan op deze en andere vragen die meer verband houden met tijd en kunst.
Bronnen:
Nagel, Alexander & Wood, Christopher (2010): Anachronische Renaissance, New York: Zone Books.
Serafini, Paula & Banks, Mark (2020): Precaire levens, tijd en tijdelijkheid in carrières in de beeldende kunst
door Stephanie Wrak | 10 november 2021 | Nieuwe artiest
VERPLAATSING
Osias André, uit Mozambique, emigreerde vier jaar geleden naar Portugal, waar hij drie beurzen won van de onafhankelijke kunstacademie Ar.Co, een instelling die zich toelegt op experimenten en artistieke opleiding. Osias begon op 8-jarige leeftijd met schilderen en begon zijn artistieke carrière met grafische illustratie, waarbij hij een verzameling boeken produceerde. Voor hem vereist schilderen een langzamere en meer indirecte vertering. In de hier tentoongestelde schilderwerken is een zoektocht naar identiteit waarneembaar, gekoppeld aan hun Afrikaanse afkomst, via een traditionele Europese atelierpraktijk. Het resultaat zijn indrukwekkende schilderijen, waarin kleuren, vormen en inhoud in evenwicht zijn, waarbij de westerse beeldpraktijk wordt overgenomen om elementen aan het licht te brengen die voortkomen uit het Afrikaanse culturele verzet tegen eeuwen van eurocentrische hegemonie. Osias woont en werkt in Lissabon.
- De verplaatsing van klassieke eurocentrische picturale composities naar nieuwe omgevingen;
- Manipulatie van kleuren en vormen;
- Het versterken van je eigen identiteit, afstand nemen van huis;
- Evenwicht tussen de gevoeligheden van de Afrikaanse diaspora en de Europese bezorgdheid over theorie en rede.
door Stephanie Wrak | 10 november 2021 | Nieuwe artiest
VERgankelijkheid
Eduardo Dias is een bioloog uit São Paulo, Brazilië, en werkt momenteel aan de Universidade Presbiteriana Mackenzie als laboratoriumtechnicus in het Biosciences Research Center. Zijn werk neemt hem mee naar Braziliaanse biomen zoals de Pantanal, de Cerrado, het Atlantische Woud en vele andere bestemmingen, en fotografie speelt een belangrijke rol tijdens zijn reizen. Hij gebruikt het als instrument om zijn verbeelding de vrije loop te laten, maar ook als middel om een didactisch repertoire te creëren waarin zijn kennis van de biologie samenkomt met kunst. Het doel is om de schoonheid van de natuur te laten zien door middel van gevoelige beelden, waarbij de organische structuren en singulariteiten ervan worden benadrukt. Voor Eduardo is deze krachtenbundeling tussen kunst en biologie een manier om ons bewust te maken van de omgeving waarin we leven en alles wat om ons heen leeft.
- Landschappen en diersoorten vastleggen als waarschuwing voor de dreigende dreiging voor de natuur;
- Demystificeer ideeën over de natuurlijke wereld door de schoonheid van de realiteit ervan te prijzen;
- Verklein de afstand tussen mensen en hun omgeving.
door Stephanie Wrak | 10 november 2021 | Nieuwe artiest
VERgankelijkheid
Gabriela Albuquerque is een Braziliaanse kunstenaar die in Cascais woont en werkt. Zijn huidige onderzoek richt zich op landschappen en terugkerende ontwikkelingen buiten de academisch-historische traditie van dit genre. De bijna dwangmatige herhaling van beelden probeert de paradox te benadrukken tussen duurzaamheid en vergankelijkheid van onze omgeving, van wat ons bekend is, maar ook vluchtig. De optie voor olieverfschilderijen, die een eeuwenoude traditie volgen, zet vraagtekens bij de continuïteit van bepaalde praktijken die ondanks voortdurende innovaties blijven bestaan. Meer nog dan registraties van momenten en plaatsen zijn ze ook een – wellicht gefrustreerde – poging om iets vergankelijks permanent te maken. De hier getoonde werken versterken het idee dat we vergankelijk zijn, en niet de ruimtes die we innemen.
- Landschappen observeren ons, en niet andersom;
- Natuurlijke landschappen die dienen als herinnering aan de menselijke vergankelijkheid.
door Stephanie Wrak | 10 november 2021 | Nieuwe artiest
DOCUMENTATIE
Martim Meirelles is een Amerikaanse fotograaf die in New York woont en werkt. Martim, een afstammeling van de Portugezen, beweegt zich tussen de VS, Portugal en Mozambique. Zijn fotografisch onderzoek documenteert mensenlevens die aan de rand van de economische welvaart leven en een gemeenschappelijke Portugese taalkundige oorsprong hebben. In zijn werk ligt de nadruk op schoonheid, pijn en vreugde, wat het vermogen van de kunstenaar benadrukt om elk onderwerp met een diepe visuele gevoeligheid te benaderen. De hier gepresenteerde foto's zijn het resultaat van een jaar verblijf in het Madre Maria Clara weeshuis in Mozambique in 2017 en ook van een artistieke residentie in Nazaré in 2014.
- Documentatie van levens en tradities;
- Blootstelling van de menselijke conditie.
door Stephanie Wrak | 10 november 2021 | Nieuwe artiest
GEBIED
Juliana Matsumura is een Braziliaanse en woont momenteel in Lissabon. Hij studeerde af in tekenen aan Escola Ar.Co en volgde een graad in textiel en mode aan USP. De kunstenaar is lid van Risco Coletivo, een collectief van hedendaagse tekenpraktijken. Tekenen is zijn belangrijkste uitdrukkingsmiddel en voor de uitvoering ervan gebruikt hij verschillende hulpmiddelen zoals graveren, fotografie en schilderen. De hier gepresenteerde serie maakt deel uit van zijn werk “Memórias da Água”, waarin het nauwste contact met zijn Japanse afkomst en zijn traject als Braziliaanse immigrant in Portugese landen aan de orde komt. De onbekende kwaliteit van buitenlandse gebieden wordt blootgelegd door diffuse tonen als donkere vlekken. De vormen lijken op vage herinneringen die samensmelten met de verwachtingen die gepaard gaan met het migratieproces. Juliana is in staat nieuwe gebieden te ontwerpen waar het gewicht van afkomst en de nieuwigheden die voortkomen uit nieuwe ervaringen tegelijkertijd aanwezig zijn.
- Rivieren die naar gedeelde gebieden leiden en herinneringen aan verloren voorouders met zich meedragen;
- De waterstroom is verantwoordelijk voor het veranderen van de omgeving.
door Stephanie Wrak | 10 november 2021 | Nieuwe artiest
Verplaatsing
Natalia Loyola heeft een diploma in sociale communicatie en journalistiek en volgt een masterdiploma in Antropologie - Visuele culturen aan de Universidade Nova de Lisboa. Zijn onderzoek richt zich op het observeren van de plaatsen waar hij reist, vooral binnen stedelijke landschappen. Zijn foto's fungeren als een beeldconstructie van territoriale markeringen van zijn eigen migratieproces, allemaal zichtbaar in zijn interacties met de stad zelf en haar inwoners. Natalia's gevoelige perceptie is gebaseerd op dualiteiten zoals: beweging vs. rust; nomade vs. gevestigd; echt versus denkbeeldig en roept een gevoel van vertrouwdheid op met betrekking tot de thema's van elk beeld. De gepresenteerde werken weerspiegelen de studie van de kunstenaar naar verplaatsing als een oefening in lichaamskritiek. Natalia woont in Almada en werkt over de hele wereld.
- Lopen als een kritische lichaamsoefening;
- De oefening om van het dagelijks leven een plek te maken;
- Breng denkbeeldige velden in kaart door de toe-eigening van fysieke ruimtes.
