door Stephanie Wrak | 7 augustus 2023 | Artikel
Barbie en inspiratie uit het werk van Wayne Thiebaud
Een van de meest verwachte films van de afgelopen jaren, de live-actiefilm met de beroemdste pop ter wereld, Barbie, ging minder dan een maand geleden in première en is een succes bij het publiek en aan de kassa. Sinds de aankondiging heeft de film andere verwachtingen gewekt. Wat kun je tenslotte verwachten van een poppenfilm?
De film, geregisseerd door een van de meest veelbelovende vrouwen in de branche, Greta Gerwig, overtrof de verwachtingen van het publiek en heeft aan de kassa al de kaap van 1,5 miljoen dollar overschreden, waarmee het de grootste film is geworden die door een vrouw is geregisseerd.
Of het nu gaat om de rol van de pop in de samenleving, ditAls weerspiegeling van het patriarchaat of over wat het betekent om vrouw te zijn, is de film veel meer dan een live-action pop. En het bewijs hiervan zijn de inspiraties die de regisseur en scenarioschrijver gebruikten om Barbieland te creëren, de ideale wereld waar Barbies leven en alle sectoren van de samenleving beheersen. Eén van deze inspiratiebronnen is de kunstenaar Wayne Thiebaud!
Wie is Wayne Thiebaud?
Wayne Thiebaud is een gerenommeerde Noord-Amerikaanse kunstenaar, oorspronkelijk afkomstig uit Mesa, Arizona en een van de belangrijkste namen in de pop-art! De kunstenaar staat bekend om zijn schilderijen van alledaagse voorwerpen en stedelijke taferelen, waarbij hij vaak thema's onderzoekt die verband houden met eten, vooral desserts.
Thiebaud is wereldberoemd vanwege zijn werk
uas penseelstreekde opvallende en levendige kleuren, die een driedimensionale en bijna sculpturale kwaliteit aan zijn werken geven. Jouw aanpakUnieke actie combineert realisme met een vleugje humor en overdrijving, waardoor beelden ontstaan met een aandachtige blik op gewone voorwerpen.
Een van zijn meest iconische en bekende series is zijn schilderij van taarten, taarten en ijsjes, waarin hij texturen en vormen op een gedetailleerde en boeiende manier onderzoekt. Deze serie is een van de inspiratiebronnen die Greta Gerwig gebruikte om het Barbieland-scenario te ontwikkelen.
Wayne Thiebaud en Barbie
Barbieland, de magische wereld waar Barbies leven, is een ware fantasie. De decors, gevuld met roze, zijn allemaal in de studio gemaakt en ontwikkeld, zonder de hulp van technologieën zoals bijvoorbeeld CGI. Om dit te doen, hebben Greta en de productieontwerper van
film, Sarah Greenwood, gebruikte een roze pigment dat een wereldwijd tekort aan fluorescerende verf van het merk Rosco veroorzaakte. Maar wat heeft dit met Wayne Thiebaud te maken?
Volgens Greenwood isde pygmeeEr werd een specifieke toon gebruikt om ongeveer 12 verschillende tinten roze te creëren, die in het hele decor van de film werden gebruikt. Dit is een direct gevolg van de bewondering van regisseur Gerwig voor het werk van Thiebaud. Nog
volgens de production designer komt dit voort uit het werk van Thiebaud die nooit zwart-wit gebruikt in zijn schilderijen. In dit geval zijn haar schaduwen gemaakt met tinten blauw en paars.
Barbie's kleurenschema volgde dit patroon, zonder gebruik te maken van zwarte, witte of chroomtinten om de fantastische wereld van de poppen te creëren, alleen maar verschillende tinten roze.
De verschillende vormenvan kunst
De zevende kunst, beter bekend als Cinema, heeft altijd gebruik gemaakt van parallellen met de verschillende bestaande kunstvormen. Of het nu gaat om de weergave van een plan geïnspireerd op een schilderij, om de verlichting of om de kleuren. De kunsten overlappen elkaar om een nieuw concept, een nieuwe kunst te creëren.
Ook al is Barbie een wereldwijde blockbuster en lijkt het eerste contact voor velen nutteloos, het werk van de Art Direction van de film overstijgt het oppervlakkige en concentreert zich op details die de productie verrijken.
Naast dat we een script hebben dat anders is dan verwacht, kunnen we de aandacht voor detail opmerken in de ontwikkeling van de hoofdsettings, de kleding en zelfs het haar van de hoofdpersoon, de stereotiepe Barbie, gespeeld door Margot Robbie. Dit komt doordat de pruik die de actrice droeg dagelijks werd getint met een speciaal voor de film ontwikkelde toner. Het doel was om de geelheid van de blondine te neutraliseren en een sterk contrast tussen de kostuums en het haar van het personage te vermijden.
Uiteindelijk verrijkt de aandacht voor detail die aanwezig is in de Art Direction het werk van Greta Gerwig alleen maar en versterkt het dat kunst zichzelf op verschillende manieren kan presenteren en op zichzelf kan terugkoppelen, waardoor nieuwe werken en perspectieven op de meest verschillende platforms en formaten kunnen worden geïnspireerd. Barbie is slechts een voorbeeld van hoe kunst zichzelf in stand houdt en nieuwe kunstenaars inspireert.
door Stephanie Wrak | 29 juni 2023 | Evenementen
Onze tweede tentoonstelling “COLLECTIEF EXPERIMENT: CONFLUÊNCIA” opent op 8 juli om 18.00 uur in onze ruimte.
De tentoonstelling brengt het werk van drie kunstenaars uit verschillende delen van de wereld samen in een unieke ontmoeting in Lissabon. Osias Andre uit Mozambique, Gianlluca Carneiro uit Brazilië en Michael SaintClaire uit de Verenigde Staten. Er zijn verschillende continenten en contexten die een poëtische betekenis hebben die wordt geaccentueerd door hun overeenkomsten. De tentoonstelling, samengesteld door Cristiana Tejo, creëert een scène met levendige kleuren en representaties van elk geografisch en persoonlijk gebied. Osias Andre en Gianlluca Carneiro delen onze belangrijkste tentoonstellingsruimte, terwijl Michael SaintClaire de “Minor Galeria de Lisboa” bezet met schilderijen die speciaal voor de tentoonstelling zijn gemaakt. De kunstenaars gaan met elkaar in dialoog en presenteren schilderijen die nauw verband houden met hun persoonlijke ervaringen en artistieke universums.
Kom zaterdag 8 juli van 18.00 tot 21.00 uur met ons proosten in Marvila.
Osias André
Gianlluca Carneiro
Michaël SaintClaire
door Stephanie Wrak | 15 juni 2023 | Artikel
Ik zou zeggen dat mijn eerste ontmoetingen met zines alleen gebeurden vanwege mijn diepe bewondering en enthousiasme voor punkrock. Hoewel ik niet meer leefde toen ik een exemplaar van de Maximum Rocknroll- zine had gespeeld of de verbluffende “kopieer-en-plak”-punk-esthetiek van het eerste nummer van Search & Destroy live had gezien, ben ik altijd in de ban geweest van onafhankelijke gedrukte publicaties. . Er valt iets speciaals te zeggen over de impulsieve energie van zine-makers die iets produceren dat gedreven wordt door passie, woede of rebellie, zonder zich veel zorgen te maken over het verdienen van geld, maar in de eerste plaats naar buiten willen brengen wat van binnenuit komt.
Toen Coletivo Amarelo werd geboren, viel er veel te uiten. Kunstenaars hadden niet alleen werk om te laten zien, maar ook dingen om te zeggen. Ik wist dat we een manier zouden moeten vinden om deze verhalen te vertellen, en dat de digitale ruimte niet genoeg zou zijn. Misschien was het een poging om kunst in te passen in de richtlijnen van de doe-het-zelfwereld, en ik was erg opgewonden om te zien wat eruit zou komen.
Papier is een revolutie op zichzelf. Terwijl we ons tussen de hoeken van het internet verplaatsen, zijn deze cyberspaces voortdurend in aanbouw. Alles gebeurt snel. Het gebeurt nu. Papier kost daarentegen meer tijd. Het is een langzamere spijsvertering. Een uitnodiging tot intimiteit. Het dwingt ons langer te blijven.
Onze “catalogus-binder-brochure-samengesteld uit verhalen-publicatie-zine” is geboren om verzamelbaar, herbruikbaar en tastbaar te zijn. Elke tentoonstelling in onze galerie heeft een eigen hoofdstuk. U bent van harte welkom om elk hoofdstuk te verzamelen door ze toe te voegen aan uw exemplaar van de catalogus. Het is een modulaire dans, een viering van het onberispelijke werk van grafisch ontwerpers, een collectieve inspanning van een groep kunstenaars. Het is een rebelse maar toch ook romantische verbintenis, ondergedompeld in de nostalgische en verleidelijke aard van gedrukt materiaal.
Onze catalogus is te koop op onze website. Tijdens onze tentoonstellingen zullen we de volgende hoofdstukken verspreiden. Zorg ervoor dat u uw exemplaar van de catalogus bij de hand heeft, zodat u elk hoofdstuk kunt verzamelen.
In leven! Tot de volgende keer!
door Stephanie Wrak | 10 mei 2023 | Evenementen
We nodigen u graag uit voor de inhuldiging van onze fysieke ruimte in Lissabon, op 20 mei, van 18.00 tot 21.00 uur in Rua Capitão Leitão 74
IK HOOP: JERUSA SIMONE
Aanvankelijk in de virtuele sfeer, opent het platform op 20 mei zijn fysieke ruimte in de wijk Marvila met de tentoonstelling Oxalá, de eerste solotentoonstelling in Lissabon van de Portugese kunstenaar Jerusa Simone. De tentoonstelling, samengesteld door Cristiana Tejo, bestaat uit recente schilderijen die de terugkerende tekens in haar werken benadrukken, zoals vuur, het oog, dissidente lichamen, in een droomachtige sfeer die de persoonlijke herinneringen van de kunstenaar oproept.
De tentoonstellingen in de Coletivo Amarelo-ruimte zijn als hoofdstukken van een verhaal dat beetje bij beetje wordt onthuld en bezoekers uitnodigt om terug te keren en het te volgen. Tegelijkertijd zullen er bezettingen plaatsvinden in de Menor Galeria de Lisboa, een projectruimte die kunstenaars uit het collectief en gastkunstenaars verwelkomt. De kleinste galerij debuteert met Veridiana Leite, een Braziliaanse kunstenaar gevestigd in Lissabon, die bezochte en ingebeelde landschappen in haar schilderijen onderzoekt in picturale composities die abstractionisme en figurativisme en menselijke en niet-menselijke wezens met elkaar verweven. Zijn schermen breiden zich vaak uit naar installaties en objecten.
We beginnen nu aan een nieuw hoofdstuk voor Coletivo Amarelo. Kunstwerken zijn een essentieel onderdeel van de samenleving en we hopen de kloof tussen kunst en het publiek te overbruggen door echte creatieve ervaringen aan te bieden. Kom proosten en vier samen met ons de levendige artistieke sfeer van Marvila!
door Stephanie Wrak | mrt 20, 2023 | Evenementen
Op de 22e vindt de Alentejo Internationale Biënnale plaats. De editie van het evenement, dat zal plaatsvinden tussen 22 en 26 maart 2023 in Estremoz, zal de aanwezigheid omvatten van meer dan 140 nationale en internationale kunstenaars, afkomstig uit 15 landen, om de diversiteit aan modellen en technieken van artistieke kunst te garanderen. expressie eigentijds. Onder zoveel kunstenaars liet Gabriela Albuquerque, oprichter en partner van Coletivo Amarelo, een van haar werken selecteren voor de tentoonstelling.
Nutteloos landschap VI, 2021, Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque is een Braziliaanse kunstenaar die haar ervaringen in verschillende contexten artistiek wil weergeven. Zijn initiële opleiding was literatuurwetenschap aan de Universiteit van São Paulo, maar hij begaf zich al snel op het gebied van de beeldende kunst toen hij afstudeerde in kritiek en curator aan PUC-SP. Daarna werkte ze korte tijd als curator en kunstcriticus in de stad São Paulo.
De kunstenaar verhuisde naar Washington DC, de hoofdstad van de Verenigde Staten, en begon haar praktische opleiding tot beeldend kunstenaar aan de Art League-school in Alexandria, Virginia. Dit alles zonder zijn vakgebied van kritiek en curatie op te geven, en actief deel te nemen aan groepen, bijeenkomsten en workshops gepromoot door het Smithsonian Institution en de National Gallery of Art.
Na drie jaar in Virginia te hebben gewoond, verhuisde Gabriela Albuquerque naar Seattle, in de staat Washington. In de nieuwe stad ging ze naar de Gage Academy of Art, waar ze haar artistieke opleiding voortzette.
Momenteel woont Gabriela in Cascais, Portugal. De Braziliaanse voltooide haar opleiding Schilderen bij studiecentrum Ar.CO en maakt momenteel deel uit van de NowHere studie- en kritische monitoringgroep, onder leiding van curator Cristiana Tejo.
De Internationale Biënnale van Alentejo
De eerste editie van BIALE wordt georganiseerd door ARTMOZ met de steun van de gemeenteraad van Estremoz, het regionale directoraat voor cultuur van Alentejo en heeft als partners de Cerveira International Arts Biennial en de National Society of Fine Arts. Onder de werken van internationale en nationale kunstenaars bevinden zich onder meer schilderijen, tekeningen, aquarellen, sculpturen, keramiek en foto's.
Het evenement begint op 22 maart met de opening gepland om 18.30 uur. Op zondag 26 maart vindt de slotsessie van de Alentejo Internationale Biënnale plaats.
Wij nodigen u uit om dit evenement bij te wonen en te profiteren van de kans om werken van kunstenaars uit 15 landen te ontdekken. Waaronder de Braziliaanse Gabriela Albuquerque, onze oprichter.
door Stephanie Wrak | 6 februari 2023 | Artikel
Het valt onmogelijk te ontkennen dat kunst en politiek met elkaar verbonden zijn. Of het nu komt door de wens van de kunstenaar om zijn standpunt tot uitdrukking te brengen of door de afwezigheid ervan, op de een of andere manier brengt kunst een politieke boodschap over. Een van de verlangens die inherent zijn aan de mens en die deze manifestatie motiveren, is het streven naar vrijheid. In de Braziliaanse historische context zou dit niet anders zijn. De praktijk van het maken van kunst in Brazilië is immers op zichzelf een politieke daad. Met dat in gedachten zullen we in dit artikel ingaan op de kruising tussen kunst en politiek in het werk van Braziliaanse kunstenaars en hun impact op het land.
Kunst is politiek!
Kunst is en is altijd een politieke uiting geweest! Het is zelfs mogelijk om dit verband op verschillende historische momenten te analyseren. Zij het in de Renaissance, toen schilderijen werden besteld en uitgevoerd op basis van de politieke positie van de koper. Zij het op een dictatoriaal moment waarop kunst wordt gecensureerd. Kunst is politiek en artistieke expressie heeft een kracht, al dan niet opzettelijk.
Bij het maken van een kunstwerk kan de kunstenaar ervoor kiezen zich uit te spreken tegen bijvoorbeeld het systeem, tegen onderdrukking en tegen verouderde maatschappelijke normen. Er zijn een oneindig aantal posities die een kunstenaar in zijn werk kan innemen. Net zoals er echter ook kunstenaars zijn die geen politiek standpunt willen uitdrukken, is het gebrek aan expressie een standpunt op zich.
In tegenstelling tot wat veel mensen denken, hoeft de verbinding tussen kunst en politiek geen pamflettenkarakter te hebben. Met andere woorden: steun een idee radicaal en massaal. Het simpele feit dat bepaalde kunstenaars zich in hun werken uiten en hun realiteit demonstreren, is een politieke daad.
Als we het over kunst en politiek hebben, is het ook gebruikelijk dat de samenleving dit opvat als een indoctrinatie aan de kijker. De realiteit bewijst echter dat dit oppervlakkig en ongefundeerd denken is. Kunst is immers subjectief en interageert op een andere manier met elk individu. Er zijn verschillende prikkels en effecten die artistieke expressie op de toeschouwer veroorzaakt en hun interpretatie hangt af van hun culturele, politieke en sociale achtergrond.
Kunst en politiek in de Braziliaanse context
In Brazilië, een land dat rijk is aan cultuur en diversiteit, is kunst een krachtig politiek instrument. Om dit te illustreren tekenen we een tijdlijn met verschillende kunstenaars en hun impact op de Braziliaanse samenleving.
Almeida Júnior – Hillbilly die tabak hakt
De kunstenaar leefde in de 19e eeuw, meer bepaald tussen 1850 en 1899. Almeida Júnior wordt meestal gerelateerd aan een woord dat als pejoratief kan worden opgevat: ‘caipira’. Deze relatie komt voort uit de vertegenwoordiging van het Braziliaanse volk in zijn pluraliteit, waarbij de nadruk ligt op het ‘gewone’ volk en de vertegenwoordiging van de illustere en aristocratische mensen wordt vermeden, zoals gebruikelijk was.
Oswald de Andrade – Antropofagisch Manifest
De jaren twintig zijn een historische mijlpaal voor de Braziliaanse kunst. 101 jaar geleden vond de Week van de Moderne Kunst plaats, waarmee de modernistische beweging in het land op gang kwam. Een paar jaar later, in 1928, publiceerde Oswald de Andrade zijn Antropofagisch Manifest. Geïnspireerd door de ideeën van kunstenaar en politiek activist Filippo Tommaso Marinetti, de schepper van het futurisme in de kunst, richtte Andrade een historische beweging op.
De kunstenaar publiceerde zijn manifest in het tijdschrift Antropofagia, in São Paulo, met als doel technieken en invloeden uit andere landen te ‘slikken’. Op deze manier stimuleerde Oswald de Andrade de creatie van een nieuwe Braziliaanse artistieke esthetiek.
De beweging dankt zijn naam aan het promoten van het ‘kannibalisme’ van de buitenlandse cultuur. De buitenlandse cultuur heeft immers een grote invloed gehad op de Braziliaanse kunst. Het doel van de kunstenaar was om een nieuwe Braziliaanse identiteit te bevorderen, multicultureel en origineel, net als zijn inwoners.
Tarsila do Amaral – Abaporu
Abaporu, een van de beroemdste schilderijen van de veelgeprezen Braziliaanse kunstenaar, gaat in het Antropofagisch Manifest rechtstreeks in dialoog met het werk van haar echtgenoot, Oswald de Andrade.
Het schilderij toont een zittende man met onevenredige ledematen, vergrote voeten en handen en een klein hoofd in vergelijking met de rest van het lichaam. Verder versterken de zon in het midden van het schilderij en de voorstelling van een cactus het idee dat we uit het schilderij kunnen begrijpen.
Het werk wordt gezien als een kritiek op fysieke arbeid, uitputtend en met weinig kritisch nadenken, die de realiteit van een groot deel van de toenmalige bevolking vertegenwoordigt. Het schilderij werd geschilderd in 1928 en markeert de antropofagische fase van de kunstenaar, die duurde tot 1930.
Kunst en politiek tijdens de militaire dictatuur in Brazilië
Gedurende de jaren 1964 en 1985 maakte Brazilië een militaire dictatuur door, een donkere en repressieve periode. Er was bijna dertig jaar sprake van militaire onderdrukking en kunstenaars behoorden natuurlijk tot de grote klassen die door de dictatuur werden getroffen, vervolgd en gecensureerd.
Kunst als politiek heeft niet stilgestaan, integendeel. Zelfs in een tijd van censuur gebruikten veel kunstenaars hun werk om de vrijheid van meningsuiting te bevorderen, die steeds meer tot zwijgen werd gebracht.
We hebben een aantal kunstenaars geselecteerd die opvielen in de strijd tegen een onderdrukkend en dictatoriaal systeem:
Cildo Meireles – Afwijking naar het rood
Cildo Meireles is een Braziliaanse kunstenaar die bekend staat om zijn pionierswerk in het creëren van kunstinstallaties in het land. Tijdens de dictatuur toonde de kunstenaar een sterke politieke houding, die we kunnen analyseren in zijn installatie “Desvio para o Vermelho” (1967 – 1984). De installatie wordt gemarkeerd door deze twee data, aangezien het het jaar markeert waarin zij werd gemaakt (1967) en het jaar waarin zij voor het eerst werd gemonteerd (1984).
Het werk is verdeeld in drie rood geschilderde kamers die met elkaar verbonden zijn. In de eerste omgeving, Impregnatie, worden we in een witte kamer geplaatst, gevuld met meubels en werken in roodtinten. Dit staat in contrast met het zwakke licht van Entorno, de tweede omgeving, waar het mogelijk is een omgevallen fles te observeren, met een rode vloeistof die in een volledig donkere omgeving stroomt. In de laatste omgeving, Desvio, leidt het geluid van stromend water de kijker naar een volkomen donkere kamer. De duisternis wordt alleen doorbroken door een funky gootsteen, waar rood water stroomt en lawaai veroorzaakt.
Hélio Oiticica – Tropicália
Tropicália is een term bedacht door de kunstenaar Hélio Oiticica en weergegeven in een installatie die werd tentoongesteld op de tentoonstelling Nova Objetividade Brasileira, gehouden in het Museum voor Moderne Kunst in Rio de Janeiro in 1967. Het werk is een omgeving bestaande uit Penetráveis, PN2 (1966) – Pureza É a Myth, en PN3 (1966-1967) – Beeldspraak. Dit was het werk dat de esthetische creatie van de tropicalista-beweging tussen de jaren zestig en zeventig inspireerde.
Het werk is rijk aan typische elementen van de Braziliaanse populaire cultuur, zoals onder meer zand, aarde, tropische planten en stoffen. Al deze elementen samen ondermijnden de esthetische orde van het Europese modernisme.
Anna Maria Maiolino – “Wat er nog over is”
Door middel van politiek en provocerend werk onderzocht de Italiaans-Braziliaanse kunstenaar Anna Maria Maiolino verschillende materialen en expressiemiddelen. Tijdens dictatoriale periodes waren de vragen die altijd aanwezig waren: “Hoe moet ik spreken? Hoe communiceren in tijden van dictatuur?”
Deze twijfels komen tot uiting in het werk van de kunstenaar, zoals de foto “O que Sobra” (1974), waarop een vrouw wordt afgebeeld met haar tong bloot tussen een schaar. Door haar kunst stelt de kunstenaar vragen!
Adriana Varejão
De kunstenaar heeft een unieke visie en werkt. Zijn werk begint met een vraag: “Wat als de muren ingewanden, spieren en bloed hadden?” Adriana Varejão behoort tot de belangrijkste namen in de Braziliaanse hedendaagse kunst en heeft een paviljoen gewijd aan haar werk in Inhotim, het grootste openluchtmuseum ter wereld, gelegen in Brumadinho, Minas Gerais.
Zijn werk concentreert zich echter niet alleen op het idee van muren die menselijke ingewanden simuleren. In haar werken die bij Inhotim te zien zijn, bekritiseert de kunstenaar de wonden die de Braziliaanse geschiedenis heeft achtergelaten.
Regina Parra
De kunstenaar drukt haar kunst uit door middel van schilderkunst, fotografie en video, met een sterk politiek karakter gekoppeld aan actuele kwesties over feminisme en overleven in een universum dat nog steeds vrouwonvriendelijk en seksistisch is. Regina Parra behandelt in haar werken thema's als onderdrukking, insubordinatie en vrouwelijk verzet.
Kunst en politiek in het huidige scenario in Brazilië
De Braziliaanse politiek heeft op zijn zachtst gezegd te maken gehad met breuken. Er waren vier jaar lang een regering die zich openlijk tegen artistieke expressie verzette. Het ministerie van Cultuur werd meteen aan het begin van de ambtsperiode van de voormalige president afgeschaft, de audiovisuele sector werd geschrapt en kunst werd ontmoedigd.
Het jaar 2023 begon met de wisseling van deze regering, maar de overgang verliep niet soepel. De huidige president van Brazilië, Luís Inácio Lula da Silva, trad op 1 januari aan en slechts een week later vielen aanhangers van de voormalige president de gebouwen van de drie machten in Brasilia binnen. De terroristische aanslagen uitgevoerd door een gearticuleerde groep lieten een verwoestend tafereel achter.
Het openbare erfgoed van het land werd vernietigd of beschadigd, inclusief kunstwerken van onschatbare waarde. Onder de verliezen bevindt zich het schilderij As Mulatas van Di Cavalcanti. Het is een horizontaal paneel met grote nadruk op vier vrouwelijke figuren die over een groot landschap heen werken. Het zijn vrouwen met een bruinachtige huid, gemengd ras en mulat.
In dit schilderij gebruikt de kunstenaar dezelfde logica als Almeida Júnior, namelijk om protagonisme te geven aan gemarginaliseerde en sociaal onderdrukte figuren, maar die de kern vormen van het functioneren van ons sociale weefsel. Het werk in kwestie, geschat op R$ 8 miljoen, bevond zich in de Edele Zaal van het Palácio do Planalto en had zeven scheuren in het doek.
Naast het veelgeprezen werk van Di Cavalcante werden tijdens de terroristische aanslagen van 8 januari 2023 verschillende kunstwerken getroffen en vernietigd.
De vernietiging van dit erfgoed door extremisten bewijst dat kunst politiek is! Het bewijst dat kunst inderdaad noodzakelijk is. De Braziliaanse realiteit, uitgedrukt met de bedoeling deze onder ogen te zien, veroorzaakt immers zelfs bij de meest leek ongemak. Kunst is politiek en zal dat altijd blijven, ongeacht hoeveel tegengestelde krachten er ontstaan.
door Stephanie Wrak | 6 januari 2023 | Nieuwe artiest
Coletivo Amarelo is er trots op om nog een ongelooflijke artiest aan ons repertoire toe te voegen. Shikha Baheti Lohia is een Indiase kunstenaar met een unieke visie en kunstenaarschap.
Maak kennis met Shikha Baheti, een kunstenaar die haar ervaringen uitdrukt door middel van botanische kunst en zwarte inkt
De werken van Shikha Baheti zijn een visuele samenvatting van haar reflecties en principes over facetten van de natuur die niet alleen esthetisch maar existentieel zijn. Tijd en ervaring, wijsheid en ouderdom, dood en overleven zijn immers intrinsieke onderdelen van het levensproces.
Shikha, een opkomende kunstenaar uit Hyderabad, de hoofdstad van de staat Telangana, heeft abstracte botanische ontwerpen gemaakt die de fysiologische aspecten van overleving, leeftijd en wijsheid assimileren, waarbij ze bloemen als onderwerp van haar werk gebruikt. De kunstenaar deconstrueert de bloem om de oorspronkelijke aspecten ervan, namelijk voortplanting, honger en overleving, bloot te leggen.
Shikha trekt parallellen met haar volwassen worden nadat ze moeder is geworden en kijkt verder dan de schoonheid en kwetsbaarheid waarmee bloemen vaak worden geassocieerd en beschouwt ze als een matriarchaal baken van wijsheid, vastberadenheid en veerkracht. Zijn gebruik van zwarte inkt is niet alleen geïnspireerd door zijn opleidingsachtergrond, maar ook door het feit dat zwart en wit allesomvattend zijn en, naar zijn mening, de puurste, nederigste en meest ware kleuren.
Momenteel heeft de kunstenaar twee tentoonstellingen, één in Art Mela en de andere in The Holy Art Gallery in Londen, een galerij gewijd aan opkomende kunstenaars.
Het is een eer om Shikha Baheti te verwelkomen bij het Gele Collectief.
De representatie van bloemen in de vrouwelijke kunst
Shikha Baheti is niet de eerste vrouw die bloemenrepresentatie in haar kunst gebruikt. We selecteerden vier vrouwelijke kunstenaars die gedurende hun hele carrière bloemen vertegenwoordigden in hun artistieke visie.
Georgia O'Keeffe
De Amerikaanse kunstenares staat bekend om haar poëtische schilderijen van verschillende soorten bloemen en wordt beschouwd als een van de belangrijkste vrouwelijke figuren in de kunstgeschiedenis.
Haar kleurgebruik en de organische vormen van de bloemen zorgen voor een vrouwelijke en delicate sfeer, die ook voortkomt uit de grote belangstelling van de schilder voor muziek. Bloemen verschijnen al sinds 1918 in haar schilderijen, maar pas in 1924 schilderde ze haar eerste vergrote bloem. Tussen 1918 en 1932 maakte de kunstenaar meer dan 200 schilderijen van alle soorten bloemen: rozen, petunia's, klaprozen, camelia's, zonnebloemen, enz.
Rode Canna, Georgia O'Keeffe
Marianne Noord
Marianne was een Engelse bioloog, ook bekend om haar schilderijen van bloemen, planten en natuurlijke landschappen. Zijn werk legde op opmerkelijk en ongelooflijk nauwkeurige wijze de diepste details van de plantkunde vast.
In 1870 reisde hij naar Brazilië, waar hij acht maanden lang meer dan honderd schilderijen maakte op basis van observaties van het ecosysteem en de fauna die hij daar aantrof. Deze passie voor landschappen en schilderen leidde de kunstenaar tot afzondering in een hut in het bos, waar ze de landschappen die ze tegenkwam in olie schilderde.
Paasbloem, Morro Velho, Brazilië, Marianne North
Anna Atkins
Botanicus en fotograaf Atkins was de eerste kunstenaar die een fotoboek met afbeeldingen publiceerde, en was bovendien een van de eerste vrouwelijke fotografen. Anna produceerde cyanotypieën, dit zijn afbeeldingen die, in het geval van de kunstenaar, in blauw zijn gedrukt van bloemen en planten. Zijn frames waren revolutionair voor die tijd. Daarin plaatste de kunstenaar planten op fotopapier, waardoor delicate fotogrammen ontstonden. Het ongelooflijke aan dit proces is dat het al in 1850 werd gedaan!
Cyanotype van Cystoseira fibrosa, de Britse algen van Anna Atkins
Hilma van Klint
De Zweedse Hilma af Klint wordt beschouwd als een pionier op het gebied van de abstracte kunst. Halverwege de jaren negentig van de negentiende eeuw maakte de kunstenaar enkele botanische studies en zette deze om in gedetailleerde tekeningen in aquarel en grafiet op papier.
Tussen 1906 en 1915 maakte Hilma meer dan 150 schilderijen.
Over het kijken naar bloemen en bomen, Hilma af Klint
Shikha Baheti baant zich een weg om zich bij deze grote kunstenaars aan te sluiten als een vrouw die bloemen gebruikt om de hele complexiteit van haar bestaan te vertegenwoordigen. Coletivo Amarelo is erg trots om deel uit te maken van deze geschiedenis. Koop nu de exclusieve werken van Shikha.
door Stephanie Wrak | 22 november 2022 | Nieuwe artiest
Hoe leer je over kunst? Deze enigszins subjectieve vraag wordt beantwoord door een van de nieuwste artiesten die zich bij Coletivo Amarelo heeft aangesloten, Gianlluca Carneiro. De Braziliaanse kunstenaar en docent is rechtstreeks betrokken bij projecten op het gebied van burgerschap en ethiek, en binnen de klas heeft hij manieren gevonden om zijn leerlingen kennis te laten maken met de politiek door middel van onderwijs en kunst.
Maak kennis met Gianlluca Carneiro en zijn visie op kunsteducatie
In zijn portfolio deelt Gianlluca een stukje van zijn verhaal. De beeldend kunstenaar, geboren in Minas Gerais, Brazilië, is ook geschiedenisleraar aan de gemeentelijke school van Cariacica, in Espírito Santo. Bovendien heeft Gianlluca een diploma rechten en studeerde kunst en onderwijs aan CEFART in Belo Horizonte.
Al op zeer jonge leeftijd, meer bepaald vanaf de leeftijd van 6 jaar, demonstreerde Gianlluca zichzelf als kunstenaar door middel van schilderen. Sindsdien heeft hij meer dan twintig jaar lang zijn kunst naar verschillende tentoonstellingen gebracht in Minas Gerais, São Paulo en Espírito Santo. Om nog maar te zwijgen van publicaties in nationaal en internationaal gerenommeerde tijdschriften en tentoonstellingen, zoals zijn werk “Humor Azul, Coração Azul” dat finalist was op de Doncaster Art Fair.
Gianlluca Carneiro noemt zijn artistieke universum Cabeça Vazia, een toneelstuk over het populaire gezegde ‘leeg hoofd, de werkplaats van de duivel’. In zijn eigen woorden: “Het belangrijkste is dat dit lege hoofd vol en druk is met het produceren van werken met kleuren, lijnen en kleurrijke en chaotische composities, altijd ondersteund door kritiek op politieke en sociale structuren en de hedendaagse manier van leven”.
De hedendaagse kunstenaar sluit zich aan bij de meest recente discussies over de hele wereld. Eén daarvan is het belang van een heroverweging van het huidige artistieke onderwijssysteem.
Documenta 15
Documenta is een van de grootste tentoonstellingen van hedendaagse kunst ter wereld en vindt elke vijf jaar plaats in de stad Kassel, Duitsland. De tentoonstelling werd in 1955 gemaakt door Arnold Bode, in het naoorlogse Duitsland. Een deel van zijn motivatie kwam voort uit de noodzaak om de kunst die door het nazisme was verboden nieuw leven in te blazen en het land opnieuw kennis te laten maken met de nieuwste internationale trends. Sindsdien is de tentoonstelling Documenta 15 een zeer belangrijk instituut in de kunstwereld geworden.
In 2022 vond de 15e editie van de tentoonstelling plaats, samengesteld door het ruangrupa collectief uit Jakarta, Indonesië. Het collectief baseerde Documenta op de waarden en ideeën van een in Indonesië veel voorkomende term, lumbung, wat zoiets betekent als ‘gemeenschappelijke rijstgraanschuur’. Het idee om deze term als artistiek en economisch model te gebruiken is gebaseerd op principes als collectiviteit, de gezamenlijke constructie van hulpbronnen en de eerlijke verdeling ervan.
In deze editie resoneerden verschillende punten en één ervan ging rechtstreeks in dialoog met de kunst en de actieve positionering van Gianlluca Carneiro, namelijk het heroverwegen van de structuren van het hedendaagse artistieke onderwijs. In de tentoonstelling vertaalt dit zich vanuit het idee van het collectief en de vraag waarom we niet van elkaar kunnen leren, waarbij paradigma's worden doorbroken, zoals de autoriteitsfiguur van de leraar?
Dit idee om het onderwijs te transformeren wordt in Documenta 15 uitgedrukt door de kunst van *foundationClass, een collectief dat in 2016 werd opgericht aan de Weißensee Kunsthochschule Berlin (KHB). Het collectief ontstond als een educatief platform voor kunst en een toolkit die werd gecreëerd om het leven gemakkelijker te maken voor immigranten die getroffen zijn door racisme in Duitsland.
Om dieper in te gaan op dit concept van collectieve artistieke vorming en de kunstenaar beter te leren kennen, voerde Coletivo Amarelo een interview af met Gianlluca Carneiro. Lees een fragment uit ons gesprek, dat we openden met een toespraak van de kunstenaar die al dit denken achter het artistieke onderwijs en dit onontgonnen potentieel verenigt.
Gianlluca: Ik zie veel artistiek potentieel bij mijn leerlingen dat op school niet zo veel wordt onderzocht en ik, als leraar en kunstenaar, probeer dit te allen tijde naar hen toe te brengen. Wat meenemen? We brengen ideeën aan om iets in hen wakker te maken, en ontkrachten het idee dat kunst alleen in musea te vinden is, terwijl we in feite voortdurend kunst maken. En gebruik dit om over politiek te debatteren
Geel Collectief: Zijn er binnen de school belemmeringen om deze nieuwe modellen in te voeren? Wat is de weerstand?
Gianlluca: Het gekste van dit alles is dat ik deel uitmaak van een project genaamd Ensina Brasil, gericht op gebieden met sociale kwetsbaarheid, en dat ik bij toeval op een school terechtkwam waar militair personeel aanwezig is. Even dacht ik dat dit een obstakel zou zijn, maar het lukt me om het onderwerp politiek op een diepere manier ter sprake te brengen, zonder oppervlakkige toespraken en ook zonder partijdigheid. Maar als je dit met behulp van kunst doet, wordt het proces binnen de school vreemd genoeg zelfs makkelijker.
Geel Collectief: De figuur van de leraar is een plaats van troost, van veiligheid, waar ‘domme vragen niet bestaan’, een minder intimiderende ruimte… Welk advies zou je als leraar geven aan degenen die willen beginnen met het maken van kunst, meer willen leren over kunst? , maar weet je niet waar je moet beginnen of voel je je misschien verlegen?
Gianlluca: De afstand tot de kunst komt soms voort uit zeer complexe talen, waarmee we mensen moeilijk kennis kunnen laten maken… Ik zal je een voorbeeld geven van iets dat mij deze week is overkomen. Ik deed een kunstwedstrijd op school, ik benadrukte dat er een prijs zou zijn, maar dat deze niet bedoeld was om die agressieve concurrentiekracht te stimuleren, maar eerder om de creatie te stimuleren.
Een van mijn leerlingen uit het speciaal onderwijs heeft glazen ogen en slechtziendheid, en hij heeft de tekenwedstrijd gewonnen. Het was een buitenstand, zijn glimlach was ongelooflijk. Een andere studente, met een zeer laag zelfbeeld, won de schilderwedstrijd en ze kon nooit zien wat ze aan het doen was. Ik zei altijd dat alles wat ik deed onzin was... Dit liet me opnieuw zien dat kunst is wat we op de meest oprechte manier doen.
De manier om te beginnen is inderdaad ingewikkeld, maar tegenwoordig hebben we zoveel nieuwe manieren, collectieven als Coletivo Amarelo, alternatieve voorstellen, plaatsen die ons openlijker verwelkomen en ons aanmoedigen om dingen te doen. Dit is voor degenen die kunst beginnen te maken, te consumeren en er hun geld mee te verdienen. Hoe banaal het ook is, het geheim is om je hele spel te spelen.
Geel Collectief: Wat u zei, over het feit dat u tegenwoordig toegang heeft tot zoveel hulpmiddelen en informatie, is soms ook beangstigend. Omdat de persoon misschien een beetje onzeker wordt over waar hij moet beginnen, of niet begrijpt waar hij of zij in dit alles past... En uiteindelijk vergeten we dat het maken van kunst een lang proces is, dat tijd kost, een langzame vertering. Het proces van de kunstenaar om daar te blijven, 'wachtend tot er iets gebeurt', is soms extreem eenzaam en superverwarrend.
Gianlluca: Het is een proces dat lang duurt. En we doen het niet voor een galerie, we doen het omdat het moet. Ik ben een beetje gek... ik heb mijn schetsboek, mijn krabbels... en de ideeën komen, de kleuren, de vormen, en van daaruit experimenteer ik. Meestal komt het niet waar ik het wil hebben. Er zijn lagen die zich opbouwen en ik ben niet bang, ik plan niet te veel, het gaat mij meer om actie.
Exclusieve werken van Gianlluca zijn verkrijgbaar in onze winkel, bekijk ze!
door Stephanie Wrak | 10 november 2022 | Nieuwe artiest
Coletivo Amarelo groeit voortdurend en we zijn er trots op om nog een artiest te presenteren die deel zal uitmaken van het collectief, Jerusa Simone. De Portugese kunstenaar, die nu in Zürich woont, heeft een uniek perspectief verworven gedurende haar hele leven en uitgedrukt in haar kunst. Door te proberen herinneringen en emoties opnieuw te creëren, gaat Jerusa's werk in dialoog met het surrealisme.
Maak kennis met Jerusa Simone, een kunstenaar die momenten en ervaringen herschept door middel van het surrealisme
De kunst van Jerusa Simone is vooral gebaseerd op haar dagelijkse persoonlijke ervaringen, emoties en terugkerende herinneringen. Tijdens haar proces werkt de kunstenaar vaak vanuit naïeve tekeningen die voortkomen uit abstracte achtergronden zonder een reeds bestaand idee. Zo omarmt Jerusa het schilderen als een handeling gebaseerd op spontane bewegingen en intuïtieve keuzes.
Deze oorsprong van kunst in het onderbewustzijn en de poging om herinneringen opnieuw te creëren, zijn rechtstreeks verbonden met het surrealisme, dat tot uiting komt in zijn creaties. Zijn objecten krijgen vorm door subtiliteit en informele lijnen, vormen menselijke figuren en reproduceren bekende visuele tekens, samen met een zekere vreemdheid.
Om de kijker visueel en intellectueel te prikkelen, bestaat al het werk van de kunstenaar uit het reconstrueren van de verbinding tussen symbolen, betekenissen, kleuren en texturen, ongeacht het gebruikte medium.
Jerusa Simone komt oorspronkelijk uit de stad Porto, in Portugal, maar woont momenteel in Zürich, Zwitserland. De kunstenaar heeft een diploma beeldende kunst behaald aan de Escola Artística do Porto en de Accademia di Belli Arti di Roma.
De afgelopen jaren heeft Jerusa via videokunst verschillende schildermedia onderzocht. Hiermee kreeg ze de kans om internationaal te exposeren in verschillende contexten en plaatsen, zoals Portugal, Italië, Saoedi-Arabië, Engeland, Griekenland, Spanje, de Verenigde Staten en recentelijk in haar gastland Zwitserland.
Vrouw en surrealisme
Dit jaar vond de Biënnale van Venetië haar 59e editie plaats en voor het eerst in 127 jaar waren er voor het grootste deel vrouwelijke kunstenaars te zien. In deze editie belichtte de Biënnale de mysteries van het menselijke onderbewustzijn en de surrealismen ervan vanuit het perspectief van vrouwelijke kunstenaars.
De tentoonstelling, samengesteld door de Italiaanse Cecília Alemani, verkende thema's die rond de verbeelding van verschillende realiteiten draaien, het universum van dromen en nieuwe percepties over wat het betekent om mens te zijn. Bovendien bracht het de invloed van technologie in verband met de creatie van nieuwe wezens en het herstel van onze verbeeldingskracht als kinderen.
Het werk van Jerusa sluit op zijn beurt geheel aan bij het thema van de tentoonstelling. Deze relatie wordt vooral gekenmerkt door de poging van de kunstenaar om via de schilderkunst herinneringen opnieuw op te roepen. Bij het uitvoeren van deze geheugenoefening creëert de kunstenaar vreemde scenario's, maar toch enigszins vertrouwd voor de kijker.
In navolging van deze trend van vrouwen in het surrealisme creëert Jerusa Simone iets surrealistisch te midden van de verwarrende en intense tijden waarin we leven.
Om haar te verwelkomen bij Coletivo Amarelo en haar unieke visie met de onze te verenigen, hebben we een interview met de kunstenaar gehouden. Lees een fragment uit ons gesprek en leer iets meer over Jerusa Simone, een vrouw die haar ervaringen en surrealisme gebruikt om haar kunst uit te drukken.
Geel Collectief: Wat betreft het schilderij ‘Herinneringen aan een toekomstige wedstrijd’ is het spel dat je maakt met de woorden interessant: ‘herinnering’ is iets dat verwijst naar een verleden, naar iets dat nog niet is gebeurd, dat in de toekomst ligt. Er is een zekere poging om de tijd en het verkeer te manipuleren... vertel ons iets meer over dit werk, wat was het creatieve proces erachter?
Jerusa Simone: Kortom, dat schilderij is gemaakt op een heel specifiek overgangsmoment: ik was in Italië, op het punt om naar Zwitserland te verhuizen. Dit gevoel is heel vreemd, maar het was al bekend. Een gebied waarvan ik al min of meer wist dat ik er mee te maken zou krijgen. Omgaan met de scène van nieuw en oud, deze dualiteit. Het schilderij is verdeeld in twee delen: het bovenste deel met elementen die verband houden met de Italiaanse zuil. Dit bijna zwaarlijvige lichaam is geïnspireerd op het werk van Lucien Freud. Ik keek naar dat lichaam, en ik wilde dit idee van schoonheid en lelijkheid naar voren brengen en vrouwen weer ruimte geven, zonder het vrouwelijk lichaam te hyperseksualiseren, maar andere lichamen binnen te halen. Ik wilde mezelf vertegenwoordigd zien. Ik had altijd veel problemen met mezelf, dus toen ik naar de schilderijen van Freud keek, dacht ik: “Wauw, dit is grotesk, maar zo mooi”. Deze gemarginaliseerde lichamen, bijna een confrontatie, dwingen het publiek om te kijken. En het lichaam heeft altijd een rode omtrek, en bevindt zich altijd in de hoeken, maar altijd aanwezig. De positie weerspiegelt dit, deze fase van verandering, van angst. Het is een bekende plek, maar het is eng.
HIER: Het heeft een droomachtige kwaliteit, waarbij we wakker worden en de droom heel duidelijk is, en naarmate de tijd verstrijkt, verdwijnen de details van de droom. En je werk heeft het kenmerk van een enigszins wazige herinnering. Hoe is het om een schilderij te maken dat je huidige moment weerspiegelt, en jaren later datzelfde schilderij opnieuw te bezoeken en naar die herinneringen te kijken, een beetje verward, met die droomachtige kwaliteit? Er is iets veranderd?
Jerusa Simone: Als ik er nu naar kijk, kan ik al mijn motivaties voelen, ik herinner me alle elementen die ik heb toegevoegd, die ik heb geëlimineerd... en nu, op dit moment, ben ik op de plek waar ik wilde zijn toen ik dit schilderij maakte. Ik ben nu twee jaar in Zwitserland, maar intussen heb ik mijn angst overwonnen, die heel aanwezig was in dit werk. Dit element van je hand in het vuur steken is iets dat ik vaak gebruik, het is bijna een zelfportret. Ik breng mezelf in gevaar, maar ik kan er niets aan doen. Een zelfsabotage, een overgangsscène, van iets achterlaten.
HIER: Dit schilderij illustreert een gebeurtenis van je persoonlijke transitie, waarbij je van de ene plaats naar de andere ging en de elementen plaatste die in dit proces aanwezig waren. Maar ook al was dit een specifiek deel van je leven, ik kan ernaar kijken en mezelf daar op de een of andere manier zien, misschien in een transitie waarin ik zat, maar ik doe het via de droom van iemand anders. Bijna alsof ik de droom van iemand anders had bezocht. Denk je dat dit deel uitmaakt van het vrouwelijk surrealisme?
Jerusa Simone: Ik moest deze kleine niche (vrouwelijk surrealisme) ontdekken, dit is het spel dat ik speel met verschillende elementen, deze uitwisseling van betekenissen van de elementen die ik gebruik, en naarmate de tijd verstrijkt en ik nieuwe ervaringen opdoe, worden dingen gewist en getransformeerd. Door mijn werk is dit spel bijna een puzzel...
Exclusieve werken van Jerusa zijn verkrijgbaar in onze winkel, bekijk ze eens!
door Stephanie Wrak | 18 oktober 2022 | Evenementen
Wat als we ons de landschappen die we via kunst laten circuleren, opnieuw zouden kunnen voorstellen?
Het stuk “Náutica 01” is een samenwerking tussen Rafaela Salgueiro en Duda Affonso, beide Braziliaanse kunstenaars die in Portugal wonen.
Het duo stelt, op basis van hun individuele theoretische en poëtische onderzoeken, een partnerschap voor dat tot doel heeft fotografie te laten samensmelten met picturale interventie. In navolging van een voorstel om realiteiten te verzinnen, zien de kunstenaars fotografische interventie als een manier om nieuwe mogelijke werelden te creëren. Rafaela gelooft dat schilderen ons in staat stelt onze verbeelding uit te breiden buiten de grenzen van wat door een foto wordt weergegeven.
Rafaela's werk onderzoekt het mechanisme van het tegelijkertijd onthullen en verbergen van elementen van een beeld, waardoor de kijker nieuwe mogelijkheden krijgt voor interactie terwijl hij andere verhalen opbouwt. Duda Affonso observeert op zijn beurt de wereld en verzamelt overblijfselen van verhalen die ooit zouden kunnen bestaan, hetzij door middel van fotografie, collage of film, terwijl hij zijn eigen verbeelding opbouwt.
Dit stuk is een uitnodiging om het nautische landschap opnieuw voor te stellen ter ere van de revitalisering van Cascais Marina, Portugal. Door verflagen over elk element van het beeld aan te brengen, onthult de kunstenaar mogelijke realiteiten die misschien alleen in ons onderbewustzijn leven.
Foto gemaakt op 35 mm in Italië, 2019.
door Stephanie Wrak | 2 mei 2022 | Nieuwe artiest
Via een uitnodigend en intiem perspectief legt Gabriela Vasconcellos het triviale vast en creëert composities die tot doel hebben ons innerlijke gevoelens en sensaties onder ogen te zien. Zijn werk is een poging om ons via een intuïtieve benadering te verbinden met onze essentie. De foto's presenteren zich als een kalme energie, en het is door het beheersen van textuur en toon dat Gabriela erin slaagt zichzelf te bevrijden van het voor de hand liggende. Ze past zorgvuldig elementen uit het dagelijks leven toe en voegt een laagje delicatesse en tederheid toe, gecombineerd met de nostalgische esthetiek van analoge fotografie. Het resultaat zijn ongelooflijk gevoelige foto's waarvan de kunstenaar gelooft dat ze een manier kunnen zijn om verborgen delen van onszelf te herontdekken.
Gabriela komt oorspronkelijk uit Brazilië en werkt als journalist en kunsttherapeut, naast het vastleggen van haar omgeving met een 35 mm-camera. Filmen betekent het verstrijken van de tijd op een andere manier ervaren en ze is geïnteresseerd in het vastleggen van de kleine momenten van het dagelijks leven, het voelen van de tijd in zijn geheel en zichzelf toestaan om te vertragen. In tijden van digitale versnelling en productiviteit is het radicaal om de tegenovergestelde benadering te kiezen als het om werk gaat. Gabriela's foto's helpen ons na te denken over de manier waarop we door het leven gaan en bieden de kans om even stil te staan.
Gabriela deelde enkele belangrijke tips met ons over fotograferen met film en wat haar het meest hielp toen ze begon te experimenteren met analoge fotografie.
Manieren om betere foto's te maken met je analoge camera volgens Gabriella Vasconcelos
1)Ontwikkel uw foto's
Deze tip lijkt misschien heel voor de hand liggend, maar het is heel gebruikelijk dat mensen een analoge camera kopen in de hoop mooie foto's te maken, maar nooit de film ontwikkelen. Gabriella zegt dat het belangrijk is om de film te ontwikkelen om te zien wat voor soort foto's we maken en wat er verbeterd kan worden. Verzamel dus geen eindeloze rollen onontwikkelde film, maar ga ontwikkelen!
Gabriela zegt: “De andere reden dat het belangrijk is om je film te ontwikkelen, is omdat het analoge proces hierdoor echt in je creatieve praktijk terechtkomt. Veel mensen aarzelen om film te gaan fotograferen omdat ze denken dat het veel moeite kost, maar dat komt omdat ze de gewoonte om film te ontwikkelen nog niet in hun werkroutine hebben opgenomen. Vroeger maakte ik altijd foto's met een filmcamera, maar ik nam nooit de tijd om de film daadwerkelijk te ontwikkelen, dus ik wist niet eens wat voor werk ik aan het produceren was.”
2) Zorg dat je altijd extra film bij je hebt
Je weet nooit wanneer je zonder film komt te zitten, dus dit is je herinnering om altijd een extra filmrolletje bij de hand te hebben. Zo mis je nooit meer de kans om iets bijzonders dat je hebt gevonden te fotograferen.
3) Wees je bewust van je omgeving
Bij filmopnamen weet je nooit wat het resultaat zal zijn. Gabriella vindt het belangrijk om beter op te letten tijdens het wandelen. “Kijk omhoog, kijk naar beneden, verken alle hoeken om je heen en experimenteer. Je weet nooit wat er uit gaat komen – en dat is maar goed ook! Neem hier ook de tijd voor, het voegt gedachtelagen toe aan je foto’s.”
4) Houd er rekening mee dat het analoge proces zijn eigen tijd volgt
Het is vermeldenswaard dat het maken van foto's met een filmcamera betekent dat het hele proces zich anders ontvouwt dan digitaal. Analoge fotografie heeft zijn eigen tijdsbeperkingen en specifieke kenmerken en Gabriella gelooft dat het absoluut noodzakelijk is om jezelf onder te dompelen in het proces en eraan te wennen.
“Het kost tijd om de film te ontwikkelen, de foto’s te digitaliseren (als je dat graag zou willen doen) en die tijd niet als een probleem te begrijpen, maar als een proces waardoor je veel meer aanwezig kunt zijn tijdens het fotograferen. . Het is een heel andere ervaring om ergens een foto van te maken met je telefoon en een filmcamera. Zelfs als ik exact hetzelfde onderwerp fotografeer, is het belangrijk dat ik me op mijn gemak voel bij het proces zelf.”
Gabriela's foto's zijn te koop in onze winkel.
door Stephanie Wrak | 18 april 2022 | Artikel
Gradient Art is een techniek waarbij kleuren in een verloop worden gebruikt om een kunstwerk te creëren. Er heeft zich een toename in de populariteit van gradiëntkunst voorgedaan, waarbij de ene kleur geleidelijk in de andere overgaat, waardoor verschillende kleurovergangen ontstaan. Afhankelijk van de gebruikte kleuren kan de resulterende gradiëntkunst een breed scala aan emoties en gevoelens oproepen, waardoor de omliggende ruimtes worden getransformeerd.
Wat is gradiëntkunst?
Verloopkunst is een soort kunst waarbij een kleurverloop wordt gebruikt om de illusie van diepte en driedimensionale ruimte te creëren. Kleuren worden ook in andere vormen gebruikt, zoals schilderen, tekenen, beeldhouwen, fotografie, enz. Bij deze kunstvorm kan er vanuit verschillende hoeken licht op een object schijnen, waardoor het een realistisch uiterlijk krijgt. De kleuren veranderen ook afhankelijk van hoe je ze bekijkt, wat een artistieke aantrekkingskracht oplevert en verschillende interpretaties door kijkers mogelijk maakt.
Kunstenaars gebruiken verschillende technieken om deze schilderijen te maken, zoals gelaagdheid, vermenging en het toepassen van gradiënten met verschillende kleuren of texturen. Ze kunnen dit doen met verschillende penselen, potloden, pastelkleuren of zelfs met hun vingers.
Maar wat zijn gradiënten? En hoe verschillen ze in kleur?
Verlopen zijn kleurovergangen die geleidelijk van de ene kleur naar de andere veranderen. Hoeken worden doorgaans gemaakt met een reeks verf die in verschillende mate is gemengd. Kleurverlopen zijn het meest voorkomende type verloop en kunnen worden gebruikt voor achtergronden of randen, maar ze kunnen ook voor andere doeleinden worden gebruikt, zoals het creëren van een accentmuur of het toevoegen van diepte aan een afbeelding. Een regenbooggradiënt wordt vaak gebruikt om diepte en dimensie in afbeeldingen te creëren.
Er zijn verschillende soorten gradiënten, waaronder radiale gradiënten, lineaire gradiënten en diagonale gradiënten.
Mark Rothko en zijn eigen gebruik van gradiëntkunst
Bekend om zijn grote, allesomvattende, kleurrijke schilderijen, was Mark Rothko geïnteresseerd in het oproepen van fundamentele menselijke emoties – woede, onheil, extase – door middel van schilderen. Zijn werk was uitgebreid in zijn kleurgebruik en in de grote open ruimtes die werden gecreëerd, waardoor de kijker verschillende sensaties kon ervaren.
De kleurverlopen van Rothko waren niet precies in elkaar overlopend, maar waren zo geconstrueerd dat de kijker zich afvroeg welke kleur het eerst op het doek werd geplaatst. Hij ontwikkelde zijn compositorische techniek voor het eerst in 1947, door de beroemde kunstcriticus Clement Greenberg omschreven als 'color field schilderij', een term die Rothko's werk perfect zou beschrijven.
De gradiënten van Rothko zijn anders dan alle andere vanwege de manier waarop de kunstenaar zijn schilderijen maakte. Rothko bracht een grote hoeveelheid zwarte verf in onregelmatige bewegingen over het doek aan en verspreidde deze vervolgens langs de randen, waardoor een gekrast effect ontstond. Rothko's unieke gradiënten zijn terug te vinden in kleine delen van de schilderijen, meestal in het midden, wanneer de tonen van de ene naar de andere overgaan.
Zijn schilderijen zijn gemaakt om persoonlijk te ervaren, waarbij de sfeer van de ruimte de verschillende emoties weerspiegelt die door de kleuren worden overgebracht. Een van Rothko's bekendste series is Seagram's Murals, tentoongesteld in het Tate Modern in Londen. De serie bestaat uit zeven donkere en stemmige schilderijen, waarbij gebruik wordt gemaakt van een palet van zwart, rood en bruin. Rothko's gaf de schilderijen aan Tate Modern, het museum waar de grootste collectie werken van JMW Turner is gehuisvest, en vanwege zijn eigen bewondering voor Turner hoopte Rothko dat de serie naast de werken van Turner in de galerie zou worden tentoongesteld.
De verandering in de atmosfeer van Rothko's donkere gradiënten naar Turners perfect gemengde gradiëntkunsthemelen is diep ontroerend. Er ontstaat onmiddellijk een dialoog tussen de twee als bezoekers van de ene galerij naar de andere lopen.
Van Rothko's kleurrijke rechthoeken tot de gedigitaliseerde gradiëntkunst die in advertenties wordt gebruikt: kleurexperimenten zijn van fundamenteel belang voor zowel het maken van kunstwerken als voor de ervaring van de kijker.
Welk gevoel geeft elke kleur jou?
Is het mogelijk zulke gevoelens te beschrijven?
Zijn ze ongemakkelijk? Of zijn ze rustgevend?
Welke emotie roept een specifiek kleurverloop op?
Voor meer informatie over de Tate-collectie: https://www.tate.org.uk/
