deur Stephanie Wrak | 10 december 2021 | Artikel
Wat is de rol van tijdelijkheid in het artistieke proces?
Het concept van tijd heeft centraal gestaan in de artistieke expressie, van de snelle bewegingen van de impressionisten tot Bruce Naumans observatie van tijd in relatie tot de ruimte; De tijd diende zowel als katapult voor de opkomst van nieuwe standpunten als als onderwerp voor diepgaander onderzoek. De manier waarop kunstenaars tijd begrijpen in de context van hun praktijk heeft altijd de dynamiek weerspiegeld tussen de kunstenaar en de externe eisen van de wereld, hetzij door contemplatie of door interventie.
Hoe beïnvloedt het gebrek aan of de overvloed aan tijd de artistieke praktijk, terwijl we in een voortdurend veranderende, extreem snelle wereld leven en onze sociale ervaringen worden bemiddeld door hectische eisen?
Enkele belangrijke punten om te overwegen:
Tijdelijkheid in het proces van het maken van kunst
In de eerste plaats is het belangrijk om na te denken over de manieren waarop de tijd de artistieke praktijk is binnengedrongen en hoe kunstenaars de abstracte en onzichtbare aard van de tijd door middel van beeldende kunst proberen weer te geven. Ten tweede is de handeling van het beschouwen van een kunstwerk ook uitwisselbaar, omdat het werk zelf in de loop van de tijd verandert en nieuwe percepties en betekenissen krijgt. Nagel en Wood (2010) betoogden dat kunstwerken altijd ‘in meerdere temporaliteiten leven’, aangezien een kunstwerk door iemand op een bepaald moment is gemaakt, maar verwijst naar ideeën of gebeurtenissen die vaak aan dat moment voorafgingen, of verwijzen naar een ingebeelde situatie. toekomst. (Serafini en Banken).
Portfoliogedreven artistieke praktijk
Is er ruimte voor verrassingen en langzaam experimenteren, aangezien kunstenaars in steeds beperktere omstandigheden werken, zelfvoorzienend moeten zijn en werk moeten produceren voor specifieke formats en platforms (een portfolio, een website of sociale media)?
Naarmate onze digitale omgevingen complexer worden, lijkt de noodzaak om werk te produceren dat relevant is voor de huidige tijd de enige ‘juiste’ manier om kunst te maken. Maar als relevante onderwerpen voortdurend veranderen en het tempo ervan niet bij te houden is, is er dan nog tijd over om ideeën zich organisch te laten ontwikkelen? Hoe kunnen kunstenaars profiteren van de esoterische – en vaak langzame – aard van het creatieve proces in de wereld van vandaag?
Gebrek aan tijd bij het observeren van kunst
Het tijdgebrek als het gaat om beeldende kunst heeft niet alleen impact op de maker, maar ook op de kijker. Hebben we voor de toeschouwer nog voldoende tijd voor contemplatieoefeningen? Wat is het ideale moment voor de esthetische ervaring?
Blijf ons de komende weken volgen terwijl we dieper ingaan op deze en andere vragen die meer verband houden met tijd en kunst.
Bronnen:
Nagel, Alexander & Wood, Christopher (2010): Anachronische Renaissance, New York: Zone Books.
Serafini, Paula & Banks, Mark (2020): Precaire levens, tijd en tijdelijkheid in carrières in de beeldende kunst
deur Stephanie Wrak | 10 november 2021 | Nieuwe artiest
VERPLAATSING
Osias André, uit Mozambique, emigreerde vier jaar geleden naar Portugal, waar hij drie beurzen won van de onafhankelijke kunstacademie Ar.Co, een instelling die zich toelegt op experimenten en artistieke opleiding. Osias begon op 8-jarige leeftijd met schilderen en begon zijn artistieke carrière met grafische illustratie, waarbij hij een verzameling boeken produceerde. Voor hem vereist schilderen een langzamere en meer indirecte vertering. In de hier tentoongestelde schilderwerken is een zoektocht naar identiteit waarneembaar, gekoppeld aan hun Afrikaanse afkomst, via een traditionele Europese atelierpraktijk. Het resultaat zijn indrukwekkende schilderijen, waarin kleuren, vormen en inhoud in evenwicht zijn, waarbij de westerse beeldpraktijk wordt overgenomen om elementen aan het licht te brengen die voortkomen uit het Afrikaanse culturele verzet tegen eeuwen van eurocentrische hegemonie. Osias woont en werkt in Lissabon.
- De verplaatsing van klassieke eurocentrische picturale composities naar nieuwe omgevingen;
- Manipulatie van kleuren en vormen;
- Het versterken van je eigen identiteit, afstand nemen van huis;
- Evenwicht tussen de gevoeligheden van de Afrikaanse diaspora en de Europese bezorgdheid over theorie en rede.
deur Stephanie Wrak | 10 november 2021 | Nieuwe artiest
VERgankelijkheid
Eduardo Dias is een bioloog uit São Paulo, Brazilië, en werkt momenteel aan de Universidade Presbiteriana Mackenzie als laboratoriumtechnicus in het Biosciences Research Center. Zijn werk neemt hem mee naar Braziliaanse biomen zoals de Pantanal, de Cerrado, het Atlantische Woud en vele andere bestemmingen, en fotografie speelt een belangrijke rol tijdens zijn reizen. Hij gebruikt het als instrument om zijn verbeelding de vrije loop te laten, maar ook als middel om een didactisch repertoire te creëren waarin zijn kennis van de biologie samenkomt met kunst. Het doel is om de schoonheid van de natuur te laten zien door middel van gevoelige beelden, waarbij de organische structuren en singulariteiten ervan worden benadrukt. Voor Eduardo is deze krachtenbundeling tussen kunst en biologie een manier om ons bewust te maken van de omgeving waarin we leven en alles wat om ons heen leeft.
- Landschappen en diersoorten vastleggen als waarschuwing voor de dreigende dreiging voor de natuur;
- Demystificeer ideeën over de natuurlijke wereld door de schoonheid van de realiteit ervan te prijzen;
- Verklein de afstand tussen mensen en hun omgeving.
deur Stephanie Wrak | 10 november 2021 | Nieuwe artiest
VERgankelijkheid
Gabriela Albuquerque is een Braziliaanse kunstenaar die in Cascais woont en werkt. Zijn huidige onderzoek richt zich op landschappen en terugkerende ontwikkelingen buiten de academisch-historische traditie van dit genre. De bijna dwangmatige herhaling van beelden probeert de paradox te benadrukken tussen duurzaamheid en vergankelijkheid van onze omgeving, van wat ons bekend is, maar ook vluchtig. De optie voor olieverfschilderijen, die een eeuwenoude traditie volgen, zet vraagtekens bij de continuïteit van bepaalde praktijken die ondanks voortdurende innovaties blijven bestaan. Meer nog dan registraties van momenten en plaatsen zijn ze ook een – wellicht gefrustreerde – poging om iets vergankelijks permanent te maken. De hier getoonde werken versterken het idee dat we vergankelijk zijn, en niet de ruimtes die we innemen.
- Landschappen observeren ons, en niet andersom;
- Natuurlijke landschappen die dienen als herinnering aan de menselijke vergankelijkheid.
deur Stephanie Wrak | 10 november 2021 | Nieuwe artiest
DOCUMENTATIE
Martim Meirelles is een Amerikaanse fotograaf die in New York woont en werkt. Martim, een afstammeling van de Portugezen, beweegt zich tussen de VS, Portugal en Mozambique. Zijn fotografisch onderzoek documenteert mensenlevens die aan de rand van de economische welvaart leven en een gemeenschappelijke Portugese taalkundige oorsprong hebben. In zijn werk ligt de nadruk op schoonheid, pijn en vreugde, wat het vermogen van de kunstenaar benadrukt om elk onderwerp met een diepe visuele gevoeligheid te benaderen. De hier gepresenteerde foto's zijn het resultaat van een jaar verblijf in het Madre Maria Clara weeshuis in Mozambique in 2017 en ook van een artistieke residentie in Nazaré in 2014.
- Documentatie van levens en tradities;
- Blootstelling van de menselijke conditie.
deur Stephanie Wrak | 10 november 2021 | Nieuwe artiest
GEBIED
Juliana Matsumura is een Braziliaanse en woont momenteel in Lissabon. Hij studeerde af in tekenen aan Escola Ar.Co en volgde een graad in textiel en mode aan USP. De kunstenaar is lid van Risco Coletivo, een collectief van hedendaagse tekenpraktijken. Tekenen is zijn belangrijkste uitdrukkingsmiddel en voor de uitvoering ervan gebruikt hij verschillende hulpmiddelen zoals graveren, fotografie en schilderen. De hier gepresenteerde serie maakt deel uit van zijn werk “Memórias da Água”, waarin het nauwste contact met zijn Japanse afkomst en zijn traject als Braziliaanse immigrant in Portugese landen aan de orde komt. De onbekende kwaliteit van buitenlandse gebieden wordt blootgelegd door diffuse tonen als donkere vlekken. De vormen lijken op vage herinneringen die samensmelten met de verwachtingen die gepaard gaan met het migratieproces. Juliana is in staat nieuwe gebieden te ontwerpen waar het gewicht van afkomst en de nieuwigheden die voortkomen uit nieuwe ervaringen tegelijkertijd aanwezig zijn.
- Rivieren die naar gedeelde gebieden leiden en herinneringen aan verloren voorouders met zich meedragen;
- De waterstroom is verantwoordelijk voor het veranderen van de omgeving.
deur Stephanie Wrak | 10 november 2021 | Nieuwe artiest
Verplaatsing
Natalia Loyola heeft een diploma in sociale communicatie en journalistiek en volgt een masterdiploma in Antropologie - Visuele culturen aan de Universidade Nova de Lisboa. Zijn onderzoek richt zich op het observeren van de plaatsen waar hij reist, vooral binnen stedelijke landschappen. Zijn foto's fungeren als een beeldconstructie van territoriale markeringen van zijn eigen migratieproces, allemaal zichtbaar in zijn interacties met de stad zelf en haar inwoners. Natalia's gevoelige perceptie is gebaseerd op dualiteiten zoals: beweging vs. rust; nomade vs. gevestigd; echt versus denkbeeldig en roept een gevoel van vertrouwdheid op met betrekking tot de thema's van elk beeld. De gepresenteerde werken weerspiegelen de studie van de kunstenaar naar verplaatsing als een oefening in lichaamskritiek. Natalia woont in Almada en werkt over de hele wereld.
- Lopen als een kritische lichaamsoefening;
- De oefening om van het dagelijks leven een plek te maken;
- Breng denkbeeldige velden in kaart door de toe-eigening van fysieke ruimtes.
deur Stephanie Wrak | 31 oktober 2021 | Evenementen
Zaterdag 20 november om 17.00 uur gaan we in gesprek met Natália Loyola en Roberta Goldfarb over hun individuele praktijken en werken die in de tentoonstelling worden gepresenteerd.
Kom naar Fábrica Braço de Prata!
deur Stephanie Wrak | 31 oktober 2021 | Evenementen
Coletivo Amarelo is vereerd om zijn openingstentoonstelling aan te kondigen Omgeving in Lissabon!
Opening: 13 november in Fábrica Braço de Prata, vanaf 19.00 uur op de tweede verdieping.
Dit is de eerste fysieke tentoonstelling van het collectief na een jaar uitsluitend digitaal te hebben gewerkt. De tentoonstelling markeert de rol van Coletivo Amarelo in het culturele en artistieke panorama van de stad Lissabon en presenteert het werk van kunstenaars uit verschillende delen van de wereld.
Entorno presenteert het werk van zeven kunstenaars: Juliana Matsumura, Eduardo Dias, Osias André, Gabriela Albuquerque, Martim Meirelles, Natália Loyola en Roberta Goldfarb. De gepresenteerde werken ontvouwen een reeks dialogen die door één rode draad zijn verweven: onze omgeving.
De tentoonstelling onderzoekt hoe deze kunstenaars hun praktijken gebruikten om hun tastbare omgeving te ontleden, waardoor kijkers de mogelijkheid kregen om te interageren met variaties op hetzelfde concept. De werken werden onderverdeeld in vijf subcategorieën: observatie, verplaatsing, territorium, documentatie en vergankelijkheid. Hoewel de wereld in 2020 de motoren van menselijke activiteiten drastisch heeft veranderd in een in essentie virtueel leven, zijn de ‘echte’ omgevingen die ons omringen nog steeds degene die onze ervaringen het meest beïnvloeden. Centraal in de tentoonstelling staan de individuele capaciteiten van de kunstenaars om de lichamelijkheid van hun omgeving binnen een kader te omvatten. Elk werk is een reactie op het visuele vlak dat op een bepaald punt in tijd en ruimte bestond, en overschrijdt zijn eigen disciplinaire grenzen (schilderkunst, fotografie en video-installatie) om de kijker dichter bij een gedeelde baan te brengen.
Of het nu gaat om de observatie van de tijd, de verplaatsing van het lichaam en de identiteit, de herontdekking van een verloren terrein, de documentatie van ervaringen of de vergankelijkheid van het leven, de gepresenteerde werken dienen als een poging om een reflecterend landschap van de werkelijkheid te construeren.
OVER DE KUNSTENAARS:
Osias André
Osias André, geboren in Mozambique, emigreerde vier jaar geleden naar Portugal waar hij drie beurzen won van de onafhankelijke kunstacademie Ar.Co, een instelling die zich toelegt op experimenten en artistieke vorming. Osias begon op achtjarige leeftijd met schilderen en begon zijn artistieke carrière met grafische illustratie, waarbij hij een verzameling boeken produceerde. Voor hem vereist schilderen een langzamere en meer indirecte vertering. De hier gepresenteerde schilderijen zijn verbonden met hun Afrikaanse afkomst, terwijl ze tegelijkertijd de zoektocht van Osias naar identiteit weerspiegelen, uitgevoerd door middel van een traditionele Europese atelierpraktijk. Osias woont en werkt momenteel in Lissabon.
Juliana Matsumura
Juliana Matsumura is een Braziliaanse kunstenaar die momenteel in Lissabon woont en werkt. Hij studeerde af in Design aan Escola Ar.Co en studeerde Textiel en Mode aan de Universiteit van São Paulo. De kunstenaar is ook lid van Risco Coletivo, een collectief van hedendaagse tekenpraktijken. Tekenen staat centraal in zijn praktijk, waarbij hij gebruik maakt van verschillende hulpmiddelen zoals graveren, fotografie en schilderen. Juliana woont en werkt momenteel in Lissabon.
Natalia Loyola
Natália Loyola heeft een diploma in sociale communicatie en journalistiek en rondt ook haar masterdiploma in antropologie – visuele culturen af aan de Universidade Nova de Lisboa. Zijn onderzoek richt zich vooral op het observeren van de plaatsen waar hij reist, met name stedelijke landschappen. Natália's foto's zijn een constructie van territoriale markeringen van haar eigen migratieproces, allemaal gezien door haar interacties met de stad zelf en haar inwoners. Natalia woont en werkt momenteel in Almada, Portugal.
Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque is een Braziliaanse kunstenaar, die werkt en woont in Cascais. Zijn huidige onderzoek richt zich op terugkerende landschappen en ontwikkelingen buiten de historisch-academische traditie van dit genre. De bijna dwangmatige herhaling van beelden probeert de paradox te benadrukken tussen de duurzaamheid en vergankelijkheid van onze omgeving, van wat ons bekend is, maar ook vluchtig. De keuze voor olieverf als drager, die een eeuwenoude traditie volgt, zet vraagtekens bij de continuïteit van bepaalde praktijken die ondanks voortdurende innovaties blijven bestaan. Gabriela's werk spant de traditie van de olieverfschilderij in de context van de hedendaagse kunst.
Eduardo Dias
Eduardo Dias is een bioloog uit São Paulo, Brazilië en werkt momenteel aan de Universidade Presbiteriana Mackenzie als laboratoriumtechnicus bij het Biosciences Research Center. Zijn praktijk brengt hem naar Braziliaanse biomen zoals de Pantanal, de Cerrado en het Atlantische Woud, en andere bestemmingen, en fotografie speelt een belangrijke rol in zijn reizen. Hij gebruikt het als instrument om zijn verbeelding de vrije loop te laten, maar ook als middel om een didactisch repertoire te creëren waarin zijn kennis van biologie versmelt met kunst.
Martim Meirelles
Martim Meirelles is een Amerikaanse fotograaf die in New York woont en werkt. Martim, een afstammeling van de Portugezen, beweegt zich tussen de VS, Portugal en Mozambique. Zijn fotografisch onderzoek documenteert mensenlevens die aan de rand van de economische welvaart leven en dezelfde Portugese taalkundige oorsprong delen. In zijn werk ligt de nadruk op schoonheid, pijn en vreugde, wat het vermogen van de kunstenaar benadrukt om elk onderwerp met een diepe visuele gevoeligheid te benaderen. De hier gepresenteerde foto's zijn het resultaat van een verblijf van een jaar in het Madre Maria Clara weeshuis in Mozambique in 2017 en ook van een artistieke residentie in Nazaré in 2014.
Roberta Goldfarb
Roberta Goldfarb is een Braziliaanse kunstenaar die momenteel in Lissabon woont en werkt. Ze heeft een diploma in reclame (FAAP, 2001) met de nadruk op fotografie van Senac (São Paulo), La Escuela de la Imagen y el Diseño en Centre Cívic Pati Llimona (Barcelona) en International Center of Photography (New York). Haar onderzoek wordt gedreven door de wens van de kunstenaar om fysieke objecten en ervaringen te verzamelen en te catalogiseren die anders voor het geheugen verloren zouden gaan. Roberta bouwt sferen van gevoelens en betekenissen door met haar ogen weer te geven wat ze ziet. Onder de tentoonstellingen waaraan hij deelnam waren “Dizer Fazer” (Ateliê RG, SP, 2014), “Enquanto Tempo” (Oficina Oswald de Andrade, SP, 2014), Clube dos Colecionadores (NowHere, Lissabon, 2020) en de solotentoonstelling “Opstanden, windstoten of plannen om de wereld te zien” (Ateliê RG, SP, 2014) en “Preambules voor een verhaal van de wereld” (Galeria Rabieh, SP, 2012). Momenteel neemt hij deel aan de collectieve tentoonstelling “Pedágio de Mim – Foco Brasil” (Geen museum, Lissabon).
Samengesteld door Stephanie Wruck
Om de volledige beurscatalogus te ontvangen, kunt u ons een e-mail sturen naar: contact@coletivoamarelo.com
deur Stephanie Wrak | 19 augustus 2021 | Artikel
Perceptie:
effect van waarnemen, van het begrijpen van de betekenis van iets via de zintuigen.
Het observeren van wat ons omringt, gebeurt elke dag automatisch en onmiddellijk, ongeacht de ruimtes waarin we ons bevinden; of het nu in een museum is, thuis of wandelend door de straten van de stad. Op basis van deze observaties is het mogelijk om betekenissen toe te kennen aan bepaalde situaties en omstandigheden.
Wat zijn, uitgaande van dit idee, de voordelen van het in vraag stellen van onze eigen processen van kijken naar artistieke werken?
Het huidige thema is perceptie, gecontextualiseerd binnen de mechanismen van de blik. De oefening van het observeren van een kunstwerk kan op talloze manieren plaatsvinden, waardoor verschillende resultaten kunnen ontstaan voor het werk zelf en ook voor de toeschouwer.
Ons vermogen om betekenissen aan artistieke werken toe te kennen kan zich dieper ontwikkelen als we aandacht hebben voor onze eigen observatieprocessen. Wat is het verschil tussen het toekennen van betekenis versus echt, organisch begrip?
Er zijn beelden die functioneren als een middel om betekenis te geven aan situaties en scenario's, en andere die een automatisch begrip bieden van wat nog niet eerder voor onze consumptie is gebruikt. Wat zou in dit geval de rol van de waarnemer zijn bij het produceren van betekenissen voor kunstwerken?
Onze percepties interfereren ook met de productie van onze herinneringen, waarbij beeldinformatie wordt samengevoegd en nieuwe talen en betekenissen ontstaan. Daarom veranderen onze denkbeeldige velden voortdurend. Is het mogelijk om ons eigen kijkmechanisme te cultiveren om dieper en betekenisvoller te worden?
De komende weken zullen we visuele oefeningen voorstellen, onze relatie met de manier waarop we naar kunstwerken kijken onderzoeken, en het onderwerp illustreren met werken van kunstenaars die deze vragen beantwoorden.
Afbeelding: Marco Tirelli
deur Stephanie Wrak | 30 april 2021 | Artikel
Eduardo Politzer is een Braziliaanse geluidsontwerper en kunstenaar uit Rio de Janeiro en vandaag praten we met hem over zijn digitale werk “Labirinto”.
Dit is een uitnodiging om je koptelefoon op te zetten, te verdwalen, jezelf te herontdekken en hopelijk te dromen. Politzer creëerde een nieuwe digitale ruimte vol geluiden, herinneringen, dromen, gedichten en losse gedachten. Terwijl u door het doolhof navigeert en op hyperlinks klikt die u naar verschillende hoeken leiden, tekent u uw eigen pad. Soms kan het doolhof diep ontroerend en persoonlijk zijn, andere keren kan het ontspannend en leuk zijn.
We hadden de gelegenheid om met hem door Eduardo's labyrint te navigeren en onderweg vragen te stellen. Hij vertelde ons hoe het proces van het maken van het werk was en wat hij van de ervaring heeft geleerd.
‘Zet je koptelefoon op.
Verdwaal, droom.
Wanneer je beseft dat je in een labyrint bent
het is omdat je er al heel lang bent.
Maar haast je niet,
Misschien leer je onderweg nog iets.
Misschien vind je iets waardevols,
Misschien leer je iets waardevols over jezelf,
Misschien,
Misschien word je wakker met een gevoel,
Misschien gebruiken je hersenen deze tijd om verschillende situaties te simuleren.
Om weg te gooien wat van weinig belang is.
Ter voorbereiding op iets in de toekomst.
In dit labyrint vind je karakters en plaatsen,
Geluid en beeld.
Tijd en gedachte.
Metafysica en onzin.
Ik zal je mijn dromen vertellen
En dan vertel jij mij de jouwe.
Dit is een sieraad
Een ketting die we om de nek van de tijd plaatsen,
Om te zien of het getemd wordt.”
Wij nodigen u uit om het doolhof op eigen gelegenheid te verkennen, te bezoeken hier. Klik hier om de website van Eduardo te bezoeken. Volg hem op IG: @eduardopolitzer
deur Stephanie Wrak | 26 april 2021 | Artikel
Vorig jaar heeft de COVID-19-pandemie geleid tot een onbetwistbare prominentie van werk in digitale omgevingen. Net als andere productieve sectoren onderging de artistieke productie in deze periode verschillende aanpassingen. In de afgelopen twee weken hebben wij bij Coletivo Amarelo een historisch onderzoek voorgesteld naar de relatie tussen kunst en internet, waarbij we reflecties suggereerden met betrekking tot de eerste experimenten met technologie en de interventies van de NetArt-beweging in de jaren negentig, vaak voorspellend voor de prestaties van kunstenaars in een steeds meer gedigitaliseerde wereld. De voorgaande teksten zijn beschikbaar op onze blog onder de tag “Internet”. Klik hier om ons laatste bericht over de Net.Art-beweging te lezen.
In de eerste maanden van 2021 waren we getuige van wat de trigger leek te zijn voor een nieuw tijdperk in de relatie tussen kunst en internet. NFT-edities drongen de sociale netwerken en kunstgroepen binnen kort nadat het traditionele huis Christie's een volledig digitaal kunstwerk had geveild voor 69 miljoen dollar (of 382 miljoen R$).
“Elke dag: de eerste 5000 dagen“, van de hedendaagse digitale kunstenaar Beeple, heeft tijdens de laatste veiling van Christie's Auction House $69 miljoen dollar opgebracht.
Het werk is een collage van dagelijkse illustraties die de kunstenaar gedurende 5000 opeenvolgende dagen maakte (Afbeelding: Beeple/Christies beschikbaar op BBC.com)
Wat is er gebeurd? Waar kwam het vandaan? Is dit een nieuwe trend?
Na bijna twee decennia van onstabiele speculatie zijn cryptocurrency-portefeuilles zoals Bitcoin vooral het afgelopen jaar enorm gestegen. De waarde van slechts 1 Bitcoin is gestegen van US$ 0,34 medio 2010 naar ongeveer US$ 50.000 (of ongeveer R$ 280.000 – citaat van Google: Morningstar en Coinbase, geraadpleegd op 23/04/2021).
Niet elk type product had echter dezelfde mogelijkheid om op de cryptocurrency-markt te worden geïntroduceerd. Dit komt omdat de monetaire handel die plaatsvindt in de technologische wereld een veiliger structuur begon te vereisen, aangezien de gehele transactie wordt uitgevoerd in een valuta die bestaat niet in de wereld, de echte wereld. Vanuit deze behoefte is het Blockchain online systeem ontstaan. Het is een platform dat werkt als een cryptocurrency-uitwisseling en dient voor het verkennen, volgen, monitoren en vastleggen van complexe transacties.
In Blockchain wordt elke transactie gecodeerd als een onveranderlijke link en daarom zijn nu andere objecten die niet-uitwisselbare waarde nodig hebben bij veiligere transacties geïntroduceerd in de handel in cryptocurrency, zoals kunstwerken.
Maar wat betekent ‘objecten met niet-uitwisselbare waarden’? Stel je twee situaties voor:
- U bevindt zich in een winkel en het totaalbedrag van uw aankoop bedraagt $ 100. U heeft de mogelijkheid om te betalen met twee $ 50-biljetten, 5 $ 20-biljetten of 10 $ 10-biljetten, enz. Daarom is de gemeenschappelijke munt onderling uitwisselbaar (of fungibel).
- Stel dat u eigenaar bent van drie huizen in dezelfde straat, één met een waarde van $ 500.000 en twee andere met een waarde van $ 250.000 elk. Hoewel hun prijs dichtbij elkaar ligt, zullen, als hypothetisch gezien de twee huizen ter waarde van $ 250.000 bij elkaar worden gegroepeerd, ze niet noodzakelijkerwijs dezelfde vastgestelde waarde hebben als het huis ter waarde van $ 500.000, ongeacht hoeveel de gecombineerde eenheidswaarden resulteren in een gelijkwaardige waarde. Dit komt omdat elk huis uniek is en zijn eigen kenmerken heeft, dat wil zeggen dat ze waarden hebben onderling niet uitwisselbaar (of niet-fungibel).
In die zin maakt Blockchain het mogelijk dat objecten met een niet-uitwisselbare waarde worden verhandeld voor cryptocurrency, waarbij een fundamenteel aspect behouden blijft: uniciteit. Om dit te bereiken wordt elk object gekoppeld aan een onveranderlijke link die is vastgelegd op de Blockchain. Deze onveranderlijke links worden NFT (Non-fungible Token) genoemd. NFT's zijn ook in staat een ander essentieel aspect van de kunstmarkt te ondersteunen: het concept van schaarste, verantwoordelijk voor de waardering van het stuk, rekening houdend met het aantal eenheden dat er identiek aan is of niet. Bovendien bieden NFT's een nieuw type registratie voor kunstenaars, omdat onveranderlijke links die op de Blockchain zijn geregistreerd alle informatie en technische specificaties van het geproduceerde werk kunnen bevatten in een 'Smart Contract'-formaat.
Kortom, de nieuwe revolutie in de wereld en op de kunstmarkt maakt het mogelijk om werken 100% digitaal te verkopen, waardoor een nieuw segment ontstaat: Crypto Art. Ieder beeld-, video-, geluids-, tekst- of softwarebestand, ook al is het uniek of beperkt editie, wordt een NFT geregistreerd op de Blockchain. Als gevolg hiervan wordt elke NFT geprijsd en verkocht in cryptocurrency.
Still uit het NFT-videowerk van de Amerikaanse grafisch ontwerper Kii Arens, gebaseerd op een echt huis in Californië.
Bieders zullen op deze NFT bieden, waarbij de winnaar ook het fysieke eigendom op 221 Dryden Street ontvangt.
Na dit proces heeft de NFT een traceerbaar contract met geloofwaardigere, veiligere en innovatievere auteursrechten. Tot de opkomst van Crypto Art ontving een kunstenaar bijvoorbeeld geen percentage van de winst dat overeenkwam met de wederverkoop van zijn werk. Met het Smart Contract kan een clausule een verplicht overdrachtspercentage koppelen aan de auteur van het werk als de NFT wordt doorverkocht. Noah David, de expert die verantwoordelijk was voor de eerste NFT-veiling bij Christie's, verklaarde dat “het potentieel voor NFT’s om het traditionele kunstveilingmodel te ontwrichten enorm is.”
Het zijn echter nog steeds digitale bestanden, dus kan iedereen ze hebben? Theoretisch wel, in de praktijk niet, omdat alleen degenen die eigenaar zijn van de NFT het werk bezitten. De rechtmatige eigenaar wordt verzekerd in het Blockchain-register.
Het is de moeite waard eraan te denken dat Crypto Art sterk wordt beïnvloed door videogames (in feite een niche van visueel ontwerp die onlangs een welverdiende positie heeft verworven in de productie met artistieke inhoud). Met andere woorden: het afgebeelde uiterlijk heeft futuristische kenmerken die zelfs lijken op de voorspellende interventies van NetArt.
“Goden in hoge resolutie”, van de Canadese kunstenaar Grimes. Het werk heeft een futuristische uitstraling geïnspireerd op games.
De NFT werd geveild voor $ 77.000 (Afbeelding: Grimes / Niftygateway)
Ten slotte is het in deze context van congruentie die wordt uitgeoefend door een technologische omgeving van oneindige mogelijkheden, geassocieerd met een mondiale situatie van digitaal protagonisme, dat een nieuw tijdperk voor kunst en internet wordt aangebroken. Crypto Art stelt een re-integratie voor van de avant-garde van de jaren 90. Een reboot. Het is aan ons, kunstenaars, om na te denken over ons eigen conservatisme in relatie tot de vooruitgang in kunst en technologie. Crypto Art profileert zich niet alleen als een trend, maar als een beweging. Het is naïef om in de onwettigheid van de beweging te geloven louter en alleen op basis van het feit dat deze kunst in het echte leven ‘niet bestaat’. Als digitaal bestaat, komt dat immers doordat wij het hebben gecreëerd, waardoor het onderdeel is geworden van onze realiteit. Hiermee vervult kunst haar rol als katalysator voor nieuwe lezingen van deze realiteiten.
REFERENTIES:
Buitengewone verkoop – BBC News Brasil
JPG-bestand verkocht voor 69 miljoen – New York Times
NFT-kunstwerk wordt verkocht met fysiek huis in Californië - Dezeen
