Het werd tijd: Dárida Rodrigues

door Stephanie Wrak | 21 december 2021 | Artikel

Om onze discussie over tijd voort te zetten, spraken we met de kunstenaar Dárida Rodrigues, oorspronkelijk uit São Paulo. Zijn onderzoek komt tot uiting in audiovisuele installaties, audiowandelingen, optredens en locatiespecifieke informatie als een poging om relationele kunst en het menselijk bewustzijn zelf te onderzoeken. Dárida deelde met ons de ervaring van het creëren tijdens de periode van isolatie, de rol van de overvloed aan tijd in de artistieke praktijk en haar persoonlijke relatie met het verstrijken van de tijd.

Ik zou willen beginnen met te praten over de bedoeling achter uw werk in “het uitrekken van de tijd” voor een meer aandachtige observatie van onze omgeving en ook van wat er in ons leeft. Waar kwam deze behoefte om de artistieke praktijk te combineren met meditatieve methoden vandaan?

D: Welnu, ik heb het gevoel dat tijd, of beter gezegd het verstrijken van de tijd, de enige constante in onze ervaring is, terwijl alles verandert. En de mogelijkheid dat de tijd “stopt, verlengt of voorbij vliegt” op basis van onze perceptie van elke specifieke ervaring heeft mij altijd erg geïnteresseerd. Ik denk dat dit fenomeen van veranderende perceptie en vooral de relatie die ontstaat tussen deze en onze mentale en emotionele toestanden, ook een van de dingen is die mij lange tijd altijd verbonden hebben met meditatieve praktijken. 

Dus ik denk dat deze opening van een interne ruimte waar de tijdelijkheid zich ontvouwt in andere mogelijke configuraties en die je tegelijkertijd in staat stelt het huidige moment vollediger te bewonen, die ik veel heb onderzocht door middel van meditatie, leegmaakt, ook al is het maar voor een paar seconden. De geest doordringt ook mijn werk, denk ik op een manier die voorafgaat aan de intentionaliteit. Het is echt een kloof die mij als onderzoek aantrekt en die ik graag wil onderzoeken in deze transpositie van gebieden tussen kunst en leven, misschien omdat, althans voor mij, deze velden van het meditatieve, of het spirituele, als we willen, zijn ook het veld waarin kunst opereert. Het is vanzelfsprekend onderdeel geworden van het proces om meditatieve methoden te integreren of zelfs te ondermijnen door te experimenteren met het creëren van relaties tussen subjectiviteit, tijd en ruimte.

Zijn nieuwste werk “Vice-Versa” onderzoekt dit idee van de beweging van genegenheden die binnen en buiten verbinden, de ontvangst en expressie van informatie en beelden... En het werk illustreerde uiteindelijk ook het verstrijken van de tijd door de observatie van de stroom mensen op straat en de interactie met het werk zelf. Wat heb je geleerd uit de ervaring bij het maken van het werk “Vice-Versa”? 

D: Ik ben deze oogst nog steeds aan het verwerken... omdat het werk veel lagen heeft onthuld die interessant zijn om te observeren. Maar ik kan wel zeggen dat deze impuls om een omkering van standpunten te ervaren, waarbij gebruik wordt gemaakt van de relatie tussen binnen en buiten die de ruimte van het raam en de straat biedt, door middel van geprojecteerde video, het mogelijk maakt dat vele andere relaties tot stand kunnen worden gebracht. en om geconfronteerd te worden, zoals de tijd met de ruimte, in de omgekeerde spiegel die de waarnemer niet direct weerspiegelt, gecreëerd door middel van video en die onze aandacht trekt vanwege de mogelijkheid om twee of meer temporaliteiten tegelijkertijd te ervaren, zoals wat er binnen gebeurde, wat er buiten gebeurde, in het huidige moment en wat er gebeurde in wat in actie werd gezien in de videoperformance/geprojecteerde spiegel, wat ook andere snelheden, herhalingen en interventies met zich meebracht en die deze verschillende relaties bemiddelde tussen plantensubjecten, voorbijgangers van het heden en het beeld. Ik denk dat het de moeite waard is om deze relationele temporele ruimte nog verder te verkennen.

Zijn andere werk [Des]segredo stelde een traject voor van een in kaart gebracht pad om door het werk in een bepaalde ruimte te reizen. Hoe manipuleren locatiespecifieke werken onze perceptie van tijd?

D: Tijdens het creëren van [Des]segredo, wat ook een masterproject was, werd de audiomuur À Luz ontwikkeld voor een specifieke route in het Belas Artes-gebouw in Lissabon, een zeer oude constructie met historische materialiteit, waar men voelt het gewicht niet alleen materieel maar ook tijdelijk; Het was interessant om het voorstel van een innerlijke (of meditatieve) drift door verplaatsing in de ruimte te onderzoeken, als een proces van het naderen van een gemeenschappelijke plaats van één-op-één relatie, rond het idee van Geheim, dat aan het eind werd voorgesteld. . 

Vanuit dit geluidslandschap, voortgebracht door gesproken instructies, ervaren en herschapen in het heden tijdens het wandelen door de ruimte en ook door de subjectieve tijdelijkheid die zich in het moment voordoet, kon ik voor elke deelnemer ook observeren hoe een ruimte-tijdreis specifiek tot stand kwam. in een ruimte in een artistieke context, kunnen niet alleen onze perceptie van tijd beïnvloeden (of manipuleren), maar er ook door beïnvloed worden. Dit komt omdat ik van mening ben dat site-specifieke werken intrinsiek verbonden zijn met de ruimte, terwijl ze zich tegelijkertijd, door deze mogelijkheid om een ondermijnde temporele ruimte te manifesteren, openstellen voor interventies en transformaties daarvan, en in die zin zijn ze ook zeer interessant in deze verkenning van het innerlijke en relationele universum in dialoog met tijdelijkheid.

Het werk [In]surgir, dat tijdens de quarantaine tot stand kwam, is een van zijn werken over auditieve onderdompeling. Eén van onze vragen binnen het onderwerp tijd is om te onderzoeken hoe het gebrek aan of de overvloed aan tijd de creatieprocessen beïnvloedt. Hoe was het om dit werk te maken tijdens een periode van isolatie?

D: Het was op zijn minst een goede ondervragingsoefening, zo erg zelfs dat ik in het begin de [In]Surgir-serie “Oefeningen om ‘het worden aan te raken, pijn te omarmen en op de realiteit te kauwen’ noemde.

Ik, die had besloten op het gebied van de kunst een aantal meditatieve methoden enigszins te overtreden, door verplaatsing, afleiding voor te stellen, een poëtica die mij persoonlijk betrok in de teksten en audio, had plotseling het gevoel dat het leven in de eerste plaats vroeg om te verwerken, met een ongekende beperking van ruimte en beweging, een dystopische en onzekere realiteit, waarin deze ‘conventionele’ meditatiemethoden, ondanks dat ze fysiologisch zeer nuttig waren, op dat moment voor mij niet langer veel zin leken te hebben. Het was echt een noodzaak om ze te integreren in het creatieproces. Dus begon ik deze audio-instructies te schrijven om te werken met de mogelijkheden van een meditatieve en zintuiglijke abstractie, gebaseerd op deze toestand van opsluiting en de plotselinge pseudo-overvloed van tijd en onmogelijkheid van beweging, met alle emoties en vragen die intern opkwamen en opkwamen.

Is het voor kunstenaars mogelijk om te genieten van de esoterische aard van het creatieproces in een extreem snelle wereld zoals die waarin we vandaag de dag leven?

D: Ja, het is moeilijk om na te denken over wat er niet mogelijk is in termen van kunst. Maar persoonlijk ben ik van mening dat het essentieel is om onszelf toe te staan in het leven en de kunst te bestaan op de meest integrale manier die voor ieder mens mogelijk is, om niet volledig opgeslokt of gevangen te worden door het extreem gekapitaliseerde en gemediatiseerde leven dat de wereld kenmerkt. gevestigd, gebrekkig ‘humanisme’, maar vandaag de dag versneld. En ik denk dat dit esoterische, spirituele of transpersoonlijke universum veel breder en meer aanwezig is in onze subjectieve ervaring dan we ons vaak voorstellen of intellectualiseren, vooral omdat we bijna altijd opereren binnen het westerse hegemonistische denken, waar we moeite hebben ruimte te maken voor wat niet kan. worden geconfigureerd door deze parameters en daardoor verbinden we ons niet met de mogelijkheden van intuïtief en het creëren van onze eigen rituelen of spreuken die natuurlijk zijn en niet “bovennatuurlijk”, om ons innerlijke universum te verkennen en andere realiteiten uit te vinden. Het artistieke veld is naar mijn mening een zeer vruchtbare voedingsbodem voor deze verkenning. Veel van wat we zien als onderdeel van een esoterische aard en dat geen verband houdt met het rationele denken dat we kennen, kan bijvoorbeeld een gangbare praktijk zijn voor sommige andere gemeenschappen en soorten. Als we kunst alleen zien of maken vanuit het perspectief van onze (vaak beperkte) cultuur, zullen we altijd ervaringen en ervaringen buiten beschouwing laten die wellicht fundamenteel zijn voor het bestaan en wie weet, daadwerkelijk en politiek bloeien in het heden. Ik zie hiervoor geen ontvankelijker ruimte/tijd dan kunst.

Hilma van Klint

door Stephanie Wrak | 13 december 2021 | Artikel

Om onze discussie rond het onderwerp TIJD te beginnen, presenteren we u vandaag het werk van de kunstenaar Hilma af Klint, die tussen de jaren 1906 en 1915 meer dan 150 schilderijen maakte. Deze schilderijen werden “De Tempelschilderijen” genoemd en bestaan voornamelijk uit afbeeldingen abstracte en organische vormen geïnspireerd door de geometrie van de natuur. Klints werk presenteert een wereld die verder gaat dan die wij kennen; dat de huidige tijd overstijgt en de manier waarop we de werkelijkheid waarnemen uitdaagt.

Klint stelde zich een tempel voor waarin de schilderijen zouden worden ondergebracht en beschreef deze in een van zijn vele dagboeken als een ‘rond gebouw, waar bezoekers op een spirituele reis een wenteltrap zouden beklimmen’. Hilma’s beschrijving is buitengewoon omdat ze het Solomon R. Guggenheim Museum in New York City beschrijft, dat slechts tientallen jaren later zou worden gebouwd en ook het gastmuseum zou zijn voor haar solotentoonstelling ‘Paintings for the Future’ in 2018. Frank Lloyd Wright, de architect van het Guggenheim, creëerde een niet-traditionele plek voor niet-objectieve kunst en zowel hij als Klint deelden een affiniteit voor organische vormen en de spirituele symboliek rond de spiraal. Zowel de architectonische visie van Wright als de schilderijen van Klint waren een breuk met de traditie en boden een nieuwe benadering van creatieve expressie.

Klints mystiek omvat vele interesses in occultisme, theosofie, spiritualisme en wetenschappelijke concepten. De schilderijen voor de tempel dienden als een bewijs van de hogere geesten en de kunstenaar heeft er bijna tien jaar aan gewerkt. Zijn abstracte schilderijen veranderden de loop van de kunstgeschiedenis en stelden de vraag: wat is de rol van tijd in het esoterische proces van het maken van kunst?

Hoe kunnen kunstenaars het verstrijken van de tijd via hun praktijken manipuleren?

Tijd

door Stephanie Wrak | 10 december 2021 | Artikel

Wat is de rol van tijdelijkheid in het artistieke proces?

Het concept van tijd heeft centraal gestaan in de artistieke expressie, van de snelle bewegingen van de impressionisten tot Bruce Naumans observatie van tijd in relatie tot de ruimte; De tijd diende zowel als katapult voor de opkomst van nieuwe standpunten als als onderwerp voor diepgaander onderzoek. De manier waarop kunstenaars tijd begrijpen in de context van hun praktijk heeft altijd de dynamiek weerspiegeld tussen de kunstenaar en de externe eisen van de wereld, hetzij door contemplatie of door interventie.

Hoe beïnvloedt het gebrek aan of de overvloed aan tijd de artistieke praktijk, terwijl we in een voortdurend veranderende, extreem snelle wereld leven en onze sociale ervaringen worden bemiddeld door hectische eisen?

Enkele belangrijke punten om te overwegen:

Tijdelijkheid in het proces van het maken van kunst

In de eerste plaats is het belangrijk om na te denken over de manieren waarop de tijd de artistieke praktijk is binnengedrongen en hoe kunstenaars de abstracte en onzichtbare aard van de tijd door middel van beeldende kunst proberen weer te geven. Ten tweede is de handeling van het beschouwen van een kunstwerk ook uitwisselbaar, omdat het werk zelf in de loop van de tijd verandert en nieuwe percepties en betekenissen krijgt. Nagel en Wood (2010) betoogden dat kunstwerken altijd ‘in meerdere temporaliteiten leven’, aangezien een kunstwerk door iemand op een bepaald moment is gemaakt, maar verwijst naar ideeën of gebeurtenissen die vaak aan dat moment voorafgingen, of verwijzen naar een ingebeelde situatie. toekomst. (Serafini en Banken).

Portfoliogedreven artistieke praktijk

Is er ruimte voor verrassingen en langzaam experimenteren, aangezien kunstenaars in steeds beperktere omstandigheden werken, zelfvoorzienend moeten zijn en werk moeten produceren voor specifieke formats en platforms (een portfolio, een website of sociale media)?

Naarmate onze digitale omgevingen complexer worden, lijkt de noodzaak om werk te produceren dat relevant is voor de huidige tijd de enige ‘juiste’ manier om kunst te maken. Maar als relevante onderwerpen voortdurend veranderen en het tempo ervan niet bij te houden is, is er dan nog tijd over om ideeën zich organisch te laten ontwikkelen? Hoe kunnen kunstenaars profiteren van de esoterische – en vaak langzame – aard van het creatieve proces in de wereld van vandaag?

Gebrek aan tijd bij het observeren van kunst

Het tijdgebrek als het gaat om beeldende kunst heeft niet alleen impact op de maker, maar ook op de kijker. Hebben we voor de toeschouwer nog voldoende tijd voor contemplatieoefeningen? Wat is het ideale moment voor de esthetische ervaring?

Blijf ons de komende weken volgen terwijl we dieper ingaan op deze en andere vragen die meer verband houden met tijd en kunst.

Bronnen:

Nagel, Alexander & Wood, Christopher (2010): Anachronische Renaissance, New York: Zone Books.

Serafini, Paula & Banks, Mark (2020): Precaire levens, tijd en tijdelijkheid in carrières in de beeldende kunst

Perceptie

door Stephanie Wrak | 19 augustus 2021 | Artikel

Perceptie:

effect van waarnemen, van het begrijpen van de betekenis van iets via de zintuigen.

Het observeren van wat ons omringt, gebeurt elke dag automatisch en onmiddellijk, ongeacht de ruimtes waarin we ons bevinden; of het nu in een museum is, thuis of wandelend door de straten van de stad. Op basis van deze observaties is het mogelijk om betekenissen toe te kennen aan bepaalde situaties en omstandigheden. 

Wat zijn, uitgaande van dit idee, de voordelen van het in vraag stellen van onze eigen processen van kijken naar artistieke werken? 

Het huidige thema is perceptie, gecontextualiseerd binnen de mechanismen van de blik. De oefening van het observeren van een kunstwerk kan op talloze manieren plaatsvinden, waardoor verschillende resultaten kunnen ontstaan voor het werk zelf en ook voor de toeschouwer. 

Ons vermogen om betekenissen aan artistieke werken toe te kennen kan zich dieper ontwikkelen als we aandacht hebben voor onze eigen observatieprocessen. Wat is het verschil tussen het toekennen van betekenis versus echt, organisch begrip? 

Er zijn beelden die functioneren als een middel om betekenis te geven aan situaties en scenario's, en andere die een automatisch begrip bieden van wat nog niet eerder voor onze consumptie is gebruikt. Wat zou in dit geval de rol van de waarnemer zijn bij het produceren van betekenissen voor kunstwerken? 

Onze percepties interfereren ook met de productie van onze herinneringen, waarbij beeldinformatie wordt samengevoegd en nieuwe talen en betekenissen ontstaan. Daarom veranderen onze denkbeeldige velden voortdurend. Is het mogelijk om ons eigen kijkmechanisme te cultiveren om dieper en betekenisvoller te worden? 

De komende weken zullen we visuele oefeningen voorstellen, onze relatie met de manier waarop we naar kunstwerken kijken onderzoeken, en het onderwerp illustreren met werken van kunstenaars die deze vragen beantwoorden. 

Afbeelding: Marco Tirelli