Circa il tempo: Dárida Rodrigues

di Stephanie Wruck | 21 dicembre 2021 | Articolo

Per continuare la nostra discussione sul tempo, abbiamo parlato con l'artista Dárida Rodrigues, originaria di San Paolo. La sua ricerca si concretizza attraverso installazioni audiovisive, passeggiate sonore, performance e site specific nel tentativo di indagare l'arte relazionale e la stessa coscienza umana. Dárida ha condiviso con noi l'esperienza di creare in isolamento, il ruolo dell'abbondanza di tempo nella pratica artistica e il suo rapporto personale con il passare del tempo.

Vorrei iniziare parlando dell'intenzionalità del suo lavoro di "allungare il tempo" per un'osservazione più attenta di ciò che ci circonda e di ciò che vive anche dentro di noi. Da dove nasce questa esigenza di coniugare la pratica artistica con i metodi meditativi?

D: Ebbene, ritengo che il tempo, o meglio lo scorrere del tempo, sia una delle uniche costanti della nostra esperienza, mentre tutto cambia. E la possibilità che il tempo "si fermi, si allunghi o voli" in base alla nostra percezione di ogni particolare esperienza mi ha sempre interessato molto. Credo che questo fenomeno di cambiamento delle percezioni e, soprattutto, la relazione che si instaura tra questo e i nostri stati mentali ed emotivi, sia anche una delle cose che mi ha sempre legato alle pratiche di meditazione per molto tempo. 

Quindi penso che questa apertura di uno spazio interno in cui la temporalità si dispiega in altre possibili configurazioni e che contemporaneamente permette di abitare più pienamente il momento presente, che ho esplorato molto attraverso la meditazione, svuotando la mente anche solo per pochi secondi, attraversa anche il mio lavoro, credo in un modo che precede l'intenzionalità. È davvero un divario che mi attrae come ricercatore e che sono interessato a esplorare in questa trasposizione di territori tra arte e vita, forse perché, almeno per me, questi campi del meditativo, o dello spirituale, se preferite, è anche il campo in cui opera l'arte. È diventato naturalmente parte del processo integrare o addirittura sovvertire i metodi meditativi, sperimentando la creazione di relazioni tra soggettività, tempo e spazio.

Il suo ultimo lavoro "Vice-Versa" esplora questa idea del movimento degli affetti che interconnettono l'interno e l'esterno, la ricezione e l'espressione di informazioni e immagini... E l'opera ha finito anche per illustrare il passaggio del tempo osservando il flusso delle persone in strada e le loro interazioni con l'opera stessa. Che cosa ha imparato dall'esperienza della creazione di "Vice-Versa"? 

D: Sto ancora elaborando questa raccolta... perché il lavoro ha svelato molti strati che è stato interessante osservare. Ma posso dire che questo impulso a sperimentare un'inversione del punto di vista, sfruttando il rapporto tra interno ed esterno che la vetrina e la strada offrono, attraverso l'uso del video proiettato, permette di stabilire e affrontare molte altre relazioni, come quella del tempo con lo spazio, nello specchio invertito che non riflette direttamente l'osservatore, creato attraverso il video e che ha davvero catturato la nostra attenzione per la possibilità di sperimentare 2 o più temporalità simultaneamente, come ciò che stava accadendo all'interno, ciò che stava accadendo all'esterno, nel momento presente e ciò che stava accadendo in ciò che era visto in azione nella video performance/specchio proiettato, che ha portato anche altre velocità, ripetizioni e interventi e che ha mediato queste diverse relazioni tra i soggetti vegetali, i passanti del presente e l'immagine. Credo che valga la pena di esplorare ulteriormente questo spazio temporale relazionale.

L'altra sua opera [Des]segredo proponeva una traiettoria di un percorso mappato per attraversare l'opera in un determinato spazio. In che modo le opere site-specific manipolano la nostra percezione del tempo?

D: Nel processo di creazione di [Des]segredo, che è stato anche un progetto di master, l'audio-wall À Luz, sviluppato per un percorso specifico nell'edificio Belas Artes di Lisbona, che è un edificio molto vecchio con una materialità storica, dove si sente il peso non solo materialmente ma anche temporalmente; è stato interessante esplorare la proposta di una deriva interiore (o meditativa) attraverso lo spostamento nello spazio, come un processo di avvicinamento a un luogo comune di relazione uno-a-uno, intorno all'idea di Secret, che è stata proposta alla fine. 

Da questo paesaggio sonoro creato dalle istruzioni vocali, sperimentato e ricreato nel presente mentre si cammina nello spazio e anche attraverso le temporalità soggettive che si verificano nel momento per ogni partecipante, ho potuto osservare come un viaggio spazio-temporale fatto appositamente per esistere in uno spazio in un contesto artistico possa non solo influenzare (o manipolare) la nostra percezione del tempo, ma anche esserne influenzato. Ritengo, infatti, che le opere site-specific siano intrinsecamente legate allo spazio e che allo stesso tempo si aprano, attraverso questa possibilità di manifestazione di uno spazio temporale sovvertito, a interventi e trasformazioni dello stesso; in questo senso, sono molto interessanti in questa esplorazione dell'universo interiore e relazionale in dialogo con la temporalità.

Il pezzo [In]surgir, creato durante la quarantena, è un altro suo lavoro che prevede un'immersione uditiva. Una delle nostre domande nell'ambito del tema del tempo è indagare come la mancanza o l'abbondanza di tempo influisca sui processi creativi. Com'è stato creare quest'opera durante un periodo di isolamento?

D: Per lo meno, è stato un buon esercizio di interrogazione, tanto che all'inizio ho chiamato la serie [In]Surgir "Esercizi per toccare il divenire, abbracciare il dolore e masticare il reale".

Io, che avevo deciso di trasgredire alcuni metodi meditativi nel campo dell'arte, proponendo lo spostamento, la distrazione, una poetica che mi coinvolgesse in prima persona nei testi e negli audio, ho sentito improvvisamente che la vita richiedeva soprattutto di digerire, con una limitazione inedita dello spazio e del movimento, una realtà distopica e incerta, in cui questi metodi di meditazione "convenzionali", pur utilissimi fisiologicamente, non mi sembravano più avere molto senso in quel momento. Era davvero necessario integrarli con il processo creativo. Così ho iniziato a scrivere queste istruzioni audio per lavorare con le possibilità di un'astrazione meditativa e sensoriale da questa condizione di confinamento e dall'improvvisa pseudo-abbondanza di tempo e impossibilità di movimento, con tutte le emozioni e le domande che sorgevano e sorgono internamente.

È possibile per gli artisti godere della natura esoterica del processo creativo in un mondo estremamente frenetico come quello in cui viviamo oggi?

D: Sì, è difficile pensare a ciò che non è possibile in termini di arte. Personalmente, però, ritengo fondamentale permetterci di esistere nella vita e nell'arte nel modo più integrale possibile per ciascuno di noi, per non essere totalmente fagocitati o catturati dalla vita estremamente capitalizzata e mediatizzata che caratterizza l'odierno "umanesimo" consolidato, imperfetto ma accelerato. E penso che questo universo esoterico, spirituale o transpersonale sia molto più ampio e presente nella nostra esperienza soggettiva di quanto spesso immaginiamo o intellettualizziamo, soprattutto perché quasi sempre operiamo all'interno del pensiero egemonico occidentale, dove facciamo fatica a dare spazio a ciò che non può essere configurato da questi parametri e quindi non ci connettiamo con le possibilità di intuire e creare rituali o incantesimi che siano naturali e non "soprannaturali", per esplorare il nostro universo interiore e inventare altre realtà. Il campo artistico è un terreno molto fertile per questa esplorazione, secondo me. Molto di ciò che vediamo come parte di una natura esoterica che non ha a che fare con il pensiero razionale che conosciamo può essere una pratica comune per alcune altre comunità e specie, per esempio. Se vediamo o facciamo arte solo dal punto di vista della nostra (spesso limitata) cultura, tralasceremo sempre esperienze che potrebbero essere fondamentali per noi per esistere e forse prosperare nel presente. Non vedo uno spazio/tempo più ricettivo dell'arte per questo.

Hilma af Klint

di Stephanie Wruck | 13 dicembre 2021 | Articolo

Per iniziare la nostra discussione sul tema del TEMPO, oggi vi proponiamo l'opera dell'artista Hilma af Klint, che ha realizzato più di 150 dipinti tra il 1906 e il 1915. Questi dipinti furono chiamati "I dipinti del tempio" e consistono principalmente in immagini astratte e forme organiche ispirate alla geometria della natura. L'opera di Klint presenta un mondo al di là di quello che conosciamo, che trascende il suo tempo presente e sfida il modo in cui osserviamo la realtà.

Klint immaginò un tempio che avrebbe ospitato i dipinti e lo descrisse in uno dei suoi numerosi diari come un "edificio rotondo dove i visitatori avrebbero salito una scala a chiocciola in un viaggio spirituale". La descrizione di Hilma è straordinaria, come quella del Museo Solomon R. Guggenheim di New York, che sarebbe stato costruito pochi decenni dopo e sarebbe stato anche il museo che avrebbe ospitato la sua mostra personale "Paintings for the Future" nel 2018. Frank Lloyd Wright, l'architetto del Guggenheim, creò un luogo non tradizionale per l'arte non oggettiva e sia lui che Klint condivisero un'affinità con le forme organiche e il simbolismo spirituale che circonda la spirale. Sia la visione architettonica di Wright che i dipinti di Klint rappresentavano una rottura con la tradizione, offrendo un nuovo approccio all'espressione creativa.

Il misticismo di Klint coinvolge molti interessi nell'occulto, nella teosofia, nello spiritismo e nei concetti scientifici. I dipinti per il tempio servivano come testimonianza agli spiriti superiori e l'artista vi ha lavorato per quasi un decennio. I suoi dipinti astratti hanno cambiato il corso della storia dell'arte e hanno posto la domanda: qual è il ruolo del tempo nel processo esoterico del fare arte?

Come possono gli artisti manipolare lo scorrere del tempo attraverso le loro pratiche?

Tempo

di Stephanie Wruck | 10 dicembre 2021 | Articolo

Che ruolo ha la temporalità nel processo artistico?

Il concetto di tempo è stato al centro dell'espressione artistica, dalle rapide pennellate degli impressionisti all'osservazione del tempo in relazione allo spazio da parte di Bruce Nauman; il tempo è servito sia come catapulta per l'emergere di nuovi punti di vista sia come soggetto per indagini più profonde. Il modo in cui gli artisti intendono il tempo nel contesto della loro pratica ha sempre riflesso la dinamica tra l'artista e le esigenze esterne del mondo, sia attraverso la contemplazione che l'intervento.

Dal momento che viviamo in un mondo in continuo cambiamento, estremamente veloce, e le nostre esperienze sociali sono mediate da esigenze frenetiche, come influisce la mancanza o l'abbondanza di tempo sulla pratica artistica?

Alcuni punti principali da considerare:

La temporalità nel processo di produzione dell'arte

In primo luogo, è importante riflettere sui modi in cui il tempo è stato inserito nella pratica artistica e su come gli artisti cercano di rappresentare la natura astratta e invisibile del tempo attraverso le arti visive. In secondo luogo, anche l'atto di contemplare un'opera d'arte è intercambiabile, poiché l'opera stessa cambia nel tempo, acquisendo nuove percezioni e significati. Nagel e Wood (2010) hanno sostenuto che le opere d'arte "abitano sempre una temporalità plurale", poiché un'opera d'arte è realizzata da qualcuno in un certo momento, ma si riferisce a idee o eventi che spesso hanno preceduto quel momento, o puntano a un futuro immaginato (Serafini e Banks).

Pratica artistica guidata dal portfolio

Mentre gli artisti lavorano in condizioni sempre più limitate nel tempo, dovendo essere autosufficienti e produrre lavori per formati e piattaforme specifiche (un portfolio, un sito web o i social media), c'è ancora spazio per le sorprese e la lenta sperimentazione?

Man mano che i nostri ambienti digitali diventano sempre più complessi, la necessità di produrre opere che siano rilevanti per i tempi sembra essere l'unico modo "giusto" di fare arte. Ma se i temi rilevanti cambiano continuamente ed è impossibile stare al passo con la loro velocità, c'è ancora tempo per permettere alle idee di svilupparsi organicamente? Come possono gli artisti trarre vantaggio dalla natura esoterica - e spesso lenta - del processo creativo nel mondo di oggi?

Mancanza di tempo per guardare l'arte

La mancanza di tempo quando si tratta di arti visive ha un impatto non solo sul creatore, ma anche sullo spettatore. Per quanto riguarda lo spettatore, abbiamo ancora abbastanza tempo per gli esercizi contemplativi? Qual è il tempo ideale per un'esperienza estetica?

Restate sintonizzati nelle prossime settimane per approfondire queste e altre questioni legate al tempo e all'arte.

Fonti:

Nagel, Alexander & Wood, Christopher (2010): Anachronic Renaissance, New York: Zone Books.

Serafini, Paula e Banks, Mark (2020): Vivere vite precarie, tempo e temporaneità nelle carriere delle arti visive

La percezione

di Stephanie Wruck | 19 agosto 2021 | Articolo

Percezione:

l'effetto di percepire, di comprendere il significato di qualcosa per mezzo di significati.

L'atto di osservare ciò che ci circonda avviene in modo automatico e immediato ogni giorno, indipendentemente dagli spazi in cui ci troviamo: in un museo, a casa o camminando per le strade della città. Da queste osservazioni è possibile attribuire significati a determinate situazioni e circostanze. 

Sulla base di questa idea, quali sono i vantaggi di mettere in discussione i nostri processi di visione delle opere artistiche? 

Il tema questa volta è la percezione, contestualizzata nei meccanismi dello sguardo. L'esercizio di osservare un'opera d'arte può svolgersi in innumerevoli modi, generando risultati diversi per l'opera stessa e anche per l'osservatore. 

La nostra capacità di assegnare significati alle opere d'arte può svilupparsi più profondamente quando siamo attenti ai nostri processi di osservazione. Qual è la differenza tra l'attribuzione di significati e una comprensione autentica e organica? 

Ci sono immagini che funzionano come mezzo per dare un senso a situazioni e scenari, e altre che offrono una comprensione automatica di ciò che non è stato masticato in precedenza per il nostro consumo. In questo caso, quale sarebbe il ruolo dello spettatore nel produrre significato per le opere d'arte? 

Le nostre percezioni interferiscono anche nella produzione dei nostri ricordi, fondendo informazioni immaginarie e creando nuovi linguaggi e significati. I nostri campi immaginari sono quindi in continua evoluzione. È possibile coltivare il nostro meccanismo di sguardo per renderlo più profondo e significativo? 

Nelle prossime settimane proporremo esercizi di sguardo, indagheremo il nostro rapporto con il modo in cui vediamo le opere d'arte e illustreremo il tema portando opere di artisti che dialogano con queste domande. 

Immagine: Marco Tirelli