da Stephanie Wruck | 10 novembre 2021 | Nuovo artista
TERRITORIO
Juliana Matsumura è brasiliana e vive attualmente a Lisbona. Si è diplomata in disegno presso la Scuola Ar.Co e ha studiato Tessile e Moda alla USP. L'artista è membro di Risco Coletivo, un collettivo di pratiche di disegno contemporaneo. Il disegno è il suo principale mezzo di espressione e utilizza diversi strumenti, come l'incisione, la fotografia e la pittura. La serie qui presentata fa parte del suo lavoro "Memorie d'acqua", che affronta il contatto più stretto con la sua ascendenza giapponese e la sua traiettoria di immigrata brasiliana in terra lusitana. La qualità sconosciuta dei territori stranieri è esposta attraverso sfumature diffuse come macchie scure. Le forme richiamano ricordi sfocati che si fondono con le aspettative legate al processo migratorio. Juliana è in grado di creare nuovi territori in cui sono presenti contemporaneamente il peso dell'ascendenza e la novità di nuove esperienze.
- Fiumi che conducono a territori condivisi e che portano con sé la memoria di un'ascendenza perduta;
- Il flusso dell'acqua è responsabile dell'alterazione dell'ambiente circostante.
da Stephanie Wruck | 10 novembre 2021 | Nuovo artista
In viaggio
Natália Loyola è laureata in Comunicazione Sociale e Giornalismo e sta studiando per un master in Antropologia - Culture Visive presso la Nuova Università di Lisbona. La sua ricerca è incentrata sull'esercizio di osservazione dei luoghi in cui circola, soprattutto all'interno dei paesaggi urbani. Le sue fotografie fungono da costruzione immaginaria di marcatori territoriali del suo processo migratorio, visti nelle loro interazioni con la città stessa e i suoi abitanti. La percezione sensibile di Natália si basa su dualità quali: movimento vs. immobilità; nomade vs. sedentario; reale vs. immaginario ed evoca un senso di familiarità in relazione ai temi di ogni immagine. Le opere presentate riflettono lo studio dell'artista sullo spostamento come esercizio di critica del corpo. Natália vive ad Almada e lavora in tutto il mondo.
- Camminare come pratica critica del corpo;
- L'esercizio di creare un luogo dalla vita quotidiana;
- Mappare campi immaginari attraverso l'appropriazione di spazi fisici.
da Stephanie Wruck | 31 ottobre 2021 | Eventi
Sabato 20 novembre, alle 17.00, faremo una chiacchierata con Natália Loyola e Roberta Goldfarb sulle loro pratiche individuali e sulle opere presentate in mostra.
Unitevi a noi nella Fabbrica del Braço de Prata!
da Stephanie Wruck | 31 ottobre 2021 | Eventi
Coletivo Amarelo è onorata di annunciare la sua mostra inaugurale Dintorni a Lisbona!
Inaugurazione: 13 novembre presso la Fábrica Braço de Prata, dalle 19.00 al secondo piano.
Si tratta della prima mostra fisica del collettivo dopo un anno di lavoro esclusivamente digitale. La mostra segna il ruolo di Coletivo Amarelo nella scena culturale e artistica di Lisbona, presentando il lavoro di artisti provenienti da tutto il mondo.
Entorno presenta il lavoro di sette artisti: Juliana Matsumura, Eduardo Dias, Osias André, Gabriela Albuquerque, Martim Meirelles, Natália Loyola e Roberta Goldfarb. Le opere presentate dispiegano una serie di dialoghi intessuti da un filo conduttore: l'ambiente che ci circonda.
La mostra esplora il modo in cui questi artisti hanno utilizzato le loro pratiche per sezionare l'ambiente tangibile che li circonda, dando agli spettatori la possibilità di interagire con variazioni dello stesso concetto. Le opere sono state suddivise in cinque sottocategorie: osservazione, spostamento, territorio, documentazione e impermanenza. Sebbene nell'anno 2020 il mondo abbia drasticamente cambiato i driver delle operazioni umane verso una vita essenzialmente virtuale, gli ambienti "reali" che ci circondano sono ancora quelli che influenzano maggiormente le nostre esperienze. Al centro della mostra ci sono le capacità individuali degli artisti di racchiudere la fisicità dell'ambiente circostante all'interno di un dipinto. Ogni opera è una risposta al piano visivo che esisteva in un certo momento nel tempo e nello spazio, superando i propri confini disciplinari (pittura, fotografia e videoinstallazione) per avvicinare lo spettatore a un'orbita condivisa.
Che si tratti dell'osservazione del tempo, dello spostamento del corpo e dell'identità, della riscoperta di un territorio perduto, della documentazione di esperienze o dell'impermanenza della vita, le opere presentate sono un tentativo di costruire un paesaggio che rifletta la realtà.
SUGLI ARTISTI:
Osias André
Osias André, originario del Mozambico, è emigrato in Portogallo quattro anni fa dove ha vinto tre borse di studio della scuola d'arte indipendente Ar.Co, un'istituzione dedicata alla sperimentazione e alla formazione artistica. Osias ha iniziato a dipingere all'età di otto anni e ha iniziato la sua carriera artistica con l'illustrazione grafica, producendo una collezione di libri. Per lui la pittura richiede una digestione più lenta e indiretta. I dipinti qui presentati sono legati alle sue origini africane, ma allo stesso tempo riflettono la ricerca di identità di Osias condotta attraverso una pratica di studio tradizionale europea. Attualmente Osias vive e lavora a Lisbona.
Juliana Matsumura
Juliana Matsumura è un'artista brasiliana che attualmente vive e lavora a Lisbona. Si è laureata in Design presso la Scuola Ar.Co e ha studiato Tessile e Moda all'Università di San Paolo. L'artista è anche membro di Risco Coletivo, un collettivo di pratiche di disegno contemporaneo. Il disegno è al centro della sua pratica e utilizza diversi strumenti come l'incisione, la fotografia e la pittura. Attualmente Juliana vive e lavora a Lisbona.
Natália Loyola
Natália Loyola è laureata in Comunicazione sociale e giornalismo e sta concludendo un master in Antropologia - Culture visive presso l'Universidade Nova de Lisboa. La sua ricerca è incentrata soprattutto sull'esercizio di osservazione dei luoghi che attraversa, in particolare dei paesaggi urbani. Le fotografie di Natália sono una costruzione di marcatori territoriali immaginari del suo processo migratorio, il tutto visto dalle sue interazioni con la città stessa e i suoi abitanti. Attualmente Natália vive e lavora ad Almada, in Portogallo.
Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque è un'artista brasiliana che lavora e vive a Cascais. La sua ricerca attuale si concentra sui paesaggi e sugli sviluppi ricorrenti al di là della tradizione accademica storica di questo genere. La ripetizione quasi compulsiva delle immagini cerca di esaltare il paradosso tra permanenza e impermanenza di ciò che ci circonda, di ciò che è familiare ma anche effimero. La scelta della pittura a olio come supporto, che segue una tradizione secolare, mette in discussione la continuità di certe pratiche che persistono nonostante le continue innovazioni. Il lavoro di Gabriela mette in tensione la tradizione della pittura a olio nel contesto dell'arte contemporanea.
Eduardo Dias
Eduardo Dias è un biologo di San Paolo, Brasile, e attualmente lavora alla Mackenzie Presbyterian University come tecnico di laboratorio presso il Centro di ricerca sulle bioscienze. La sua attività lo porta a visitare biomi brasiliani come il Pantanal, il Cerrado e la foresta pluviale atlantica, tra le altre destinazioni, e la fotografia svolge un ruolo importante nei suoi viaggi. La usa come strumento per dare libero sfogo alla sua immaginazione, ma anche come mezzo per creare un repertorio didattico in cui la sua conoscenza della biologia si fonde con l'arte.
Martim Meirelles
Martim Meirelles è un fotografo americano che vive e lavora a New York. Di origine portoghese, Martim si muove tra Stati Uniti, Portogallo e Mozambico. La sua ricerca fotografica documenta vite umane che vivono ai margini della prosperità economica e che condividono la stessa origine linguistica portoghese. Il suo lavoro si concentra sulla bellezza, sul dolore e sulla gioia, evidenziando la capacità dell'artista di affrontare ogni soggetto con una profonda sensibilità visiva. Le fotografie qui presentate sono il risultato di un soggiorno di un anno presso l'orfanotrofio Madre Maria Clara in Mozambico nel 2017 e di una residenza d'artista a Nazaré nel 2014.
Roberta Goldfarb
Roberta Goldfarb è un'artista brasiliana che attualmente vive e lavora a Lisbona. Si è laureata in Pubblicità (FAAP, 2001) con specializzazione in fotografia presso il Senac (San Paolo), La Escuela de la Imagen y el Diseño e il Centre Cívic Pati Llimona (Barcellona) e l'International Centre of Photography (New York). La sua ricerca è guidata dal desiderio dell'artista di raccogliere e catalogare oggetti fisici ed esperienze che altrimenti andrebbero persi nei ricordi. Roberta costruisce sfere di sentimento e di significato mostrando ciò che vede con gli occhi. Tra le mostre a cui ha partecipato ricordiamo "Dizer Fazer" (Ateliê RG, SP, 2014), "Enquanto Tempo" (Oficina Oswald de Andrade, SP, 2014), Clube dos Colecionadores (NowHere, Lisbona, 2020) e le personali "Levantes, gusts of wind or the plans to see the world" (Ateliê RG, SP, 2014) e "Preâmbulos para um Conto de Mundo" (Galeria Rabieh, SP, 2012). Attualmente partecipa alla mostra collettiva "Pedágio de Mim - Foco Brasil" (Not a Museum, Lisbona).
A cura di Stephanie Wruck
Per ricevere il catalogo completo della mostra, inviare un'e-mail a: contact@coletivoamarelo.com
da Stephanie Wruck | 19 agosto 2021 | Articolo
Percezione:
l'effetto di percepire, di comprendere il significato di qualcosa per mezzo di significati.
L'atto di osservare ciò che ci circonda avviene in modo automatico e immediato ogni giorno, indipendentemente dagli spazi in cui ci troviamo: in un museo, a casa o camminando per le strade della città. Da queste osservazioni è possibile attribuire significati a determinate situazioni e circostanze.
Sulla base di questa idea, quali sono i vantaggi di mettere in discussione i nostri processi di visione delle opere artistiche?
Il tema questa volta è la percezione, contestualizzata nei meccanismi dello sguardo. L'esercizio di osservare un'opera d'arte può svolgersi in innumerevoli modi, generando risultati diversi per l'opera stessa e anche per l'osservatore.
La nostra capacità di assegnare significati alle opere d'arte può svilupparsi più profondamente quando siamo attenti ai nostri processi di osservazione. Qual è la differenza tra l'attribuzione di significati e una comprensione autentica e organica?
Ci sono immagini che funzionano come mezzo per dare un senso a situazioni e scenari, e altre che offrono una comprensione automatica di ciò che non è stato masticato in precedenza per il nostro consumo. In questo caso, quale sarebbe il ruolo dello spettatore nel produrre significato per le opere d'arte?
Le nostre percezioni interferiscono anche nella produzione dei nostri ricordi, fondendo informazioni immaginarie e creando nuovi linguaggi e significati. I nostri campi immaginari sono quindi in continua evoluzione. È possibile coltivare il nostro meccanismo di sguardo per renderlo più profondo e significativo?
Nelle prossime settimane proporremo esercizi di sguardo, indagheremo il nostro rapporto con il modo in cui vediamo le opere d'arte e illustreremo il tema portando opere di artisti che dialogano con queste domande.
Immagine: Marco Tirelli
da Stephanie Wruck | 30 aprile 2021 | Articolo
Eduardo Politzer è un sound designer e artista brasiliano di Rio de Janeiro. Oggi abbiamo parlato con lui della sua opera digitale "Labirinto".
È un invito a mettersi le cuffie, a perdersi, a riscoprirsi e, se si è fortunati, a sognare. Politzer ha creato un nuovo spazio digitale pieno di suoni, ricordi, sogni, poesie e pensieri in libertà. Navigando nel labirinto, cliccando su collegamenti ipertestuali che vi reindirizzano a diversi angoli, disegnate il vostro percorso. A volte il labirinto può essere profondamente toccante e personale, altre volte può essere rilassante e divertente.
Abbiamo avuto l'opportunità di percorrere con lui il labirinto di Eduardo, ponendo domande lungo il percorso. Ci ha raccontato come è stato il processo di creazione dell'opera e cosa ha imparato da questa esperienza.
"Mettete le cuffie.
Perdersi, sognare.
Quando ti accorgi di essere in un labirinto
è perché siete lì da molto tempo.
Ma non abbiate fretta,
Forse imparerete qualcosa lungo il cammino.
Forse troverete qualcosa di prezioso,
Forse imparerete qualcosa di prezioso su voi stessi,
Forse,
Forse vi sveglierete con una sensazione,
Forse il cervello utilizza questo tempo per simulare situazioni diverse.
Scartare ciò che è di scarsa importanza.
Preparare qualcosa per il futuro.
In questo labirinto troverete personaggi e luoghi,
Suono e immagine.
Tempo e pensiero.
Metafisica e nonsense.
Vi racconterò i miei sogni
E poi mi dici la tua.
Questo è un ornamento
Una collana che mettiamo al collo del tempo,
Per vedere se viene domato".
Vi invitiamo a esplorare il labirinto da soli, andando su qui. Cliccare qui per visitare il sito web di Eduardo. Seguitelo su IG: @eduardopolitzer
da Stephanie Wruck | 26 aprile 2021 | Articolo
Nell'ultimo anno, la pandemia COVID-19 ha portato al centro dell'attenzione il lavoro negli ambienti digitali. Come altri settori produttivi, anche l'attività artistica ha subito diversi adattamenti in questo periodo. Nelle ultime due settimane, noi di Coletivo Amarelo abbiamo proposto un'indagine storica sul rapporto tra arte e Internet, proponendo riflessioni legate ai primi esperimenti con la tecnologia e agli interventi del movimento NetArt negli anni '90, spesso predittivi delle performance degli artisti in un mondo sempre più digitalizzato. I testi precedenti sono disponibili sul nostro blog sotto il tag "Internet". Cliccare qui per leggere il nostro ultimo post sul movimento Net.Art.
Nei primi mesi del 2021 abbiamo assistito a quello che sembrava essere l'inizio di una nuova era nel rapporto tra arte e internet. Le edizioni di NFT hanno invaso i social network e i gruppi d'arte poco dopo che la casa d'aste tradizionale Christie's ha messo all'asta un'opera d'arte completamente digitale per $ 69 milioni di dollari (o R$ 382 milioni).
“Everydays: i primi 5000 giorni“dell'artista digitale contemporaneo Beeple, ha raccolto 69 milioni di dollari all'ultima asta della casa d'aste Christie's.
L'opera è un collage delle illustrazioni giornaliere che l'artista ha realizzato per 5000 giorni consecutivi (Immagine: Beeple/Christies disponibile su BBC.com)
Che cosa è successo? Da dove viene? È una nuova tendenza?
Dopo quasi due decenni di speculazioni instabili, i portafogli di criptovalute come il Bitcoin sono saliti alle stelle soprattutto nell'ultimo anno. Il valore di 1 solo Bitcoin è passato da US$ 0,34 a metà 2010 a circa US$ 50.000 (o circa R$ 280.000 - citazione di Google: Morningstar e Coinbase, interrogazione del 23/04/2021).
Tuttavia, non tutti i tipi di prodotti hanno avuto la stessa possibilità di essere introdotti nel mercato delle criptovalute, perché gli scambi monetari che avvengono nel mondo tecnologico hanno richiesto una struttura più sicura, dato che tutte le transazioni sono effettuate in una valuta che non esiste nel mondo reale. Il sistema online Blockchain è nato da questa esigenza. È una piattaforma che funziona come uno scambio di criptovalute e serve a esplorare, tracciare, monitorare e registrare transazioni complesse.
Sulla Blockchain, ogni scambio è codificato come un legame immutabile e quindi altri oggetti che avrebbero bisogno di un valore non scambiabile in transazioni più sicure sono stati introdotti nel trading di criptovalute, come le opere d'arte.
Ma cosa significa "oggetti con valori non scambiabili"? Immaginiamo due situazioni:
- Siete in un negozio e il vostro acquisto ha totalizzato $ 100. Avete la possibilità di pagare con due banconote da $ 50, 5 banconote da $ 20 o 10 banconote da $ 10, ecc. La moneta comune è quindi reciprocamente intercambiabile (o fungibile).
- Supponiamo di possedere tre case situate nella stessa strada, una del valore di $ 500.000 e altre due del valore di $ 250.000 ciascuna. Sebbene i loro prezzi siano vicini, se le due case del valore di $ 250.000 vengono ipoteticamente raggruppate, non avranno necessariamente lo stesso valore stipulato della casa del valore di $ 500.000, anche se i valori unitari combinati danno luogo a un valore equivalente. Questo perché ogni casa è unica e ha caratteristiche proprie, cioè ha valori propri. reciprocamente non scambiabili (o non fungibili).
In questo senso, la Blockchain permette di scambiare oggetti con valore non scambiabile tramite criptovaluta, mantenendo un aspetto fondamentale: l'unicità. A tal fine, ogni oggetto sarà collegato a un link immutabile registrato sulla Blockchain. Questi collegamenti immutabili sono chiamati NFT (Non-fungible Token). Gli NFT sono anche in grado di supportare un altro aspetto essenziale per il mercato dell'arte: il concetto di scarsità, che è responsabile della valutazione del pezzo tenendo conto di quante unità identiche ci sono o non ci sono. Inoltre, gli NFT offrono un nuovo tipo di registrazione per gli artisti, poiché i link immutabili registrati sulla Blockchain possono contenere tutte le informazioni e le specifiche tecniche dell'opera prodotta in un formato "Smart Contract".
In breve, la nuova rivoluzione nel mondo e nel mercato dell'arte permette di vendere le opere 100% in digitale, formando un nuovo segmento: la Crypto Art. Ogni immagine, video, suono, testo o file software, anche se unico o in edizione limitata, diventa un NFT registrato sulla Blockchain. Di conseguenza, ogni NFT avrà un prezzo e sarà venduto in criptovaluta.
Fotogramma dell'opera video NFT del graphic designer americano Kii Arens, basata su una casa reale in California.
Gli offerenti faranno offerte su questo NFT, e il vincitore riceverà anche la proprietà fisica al 221 di Dryden Street.
Dopo questo processo, l'NFT ha un contratto tracciabile con diritti d'autore più credibili, sicuri e innovativi. Ad esempio, fino alla nascita della Crypto Art, un artista non riceveva una percentuale del profitto corrispondente alla rivendita della propria opera. Con lo Smart Contract, una clausola può collegare una percentuale obbligatoria da trasferire all'autore dell'opera in caso di rivendita del NFT. Noah David, lo specialista responsabile della prima asta NFT tenutasi da Christie's, ha dichiarato che "il potenziale degli NFT per rompere il modello tradizionale di asta d'arte è immenso".
Tuttavia, si tratta pur sempre di file digitali, quindi chiunque può averli? In teoria sì, in pratica no, perché solo la persona che possiede l'NFT è il proprietario dell'opera. Il legittimo proprietario sarà conservato nel registro della Blockchain.
Vale la pena ricordare che la Crypto Art è fortemente influenzata dai videogiochi (per inciso, una nicchia del visual design che di recente si è guadagnata il meritato spazio come produzione a contenuto artistico). In altre parole, l'aspetto in evidenza ha caratteristiche futuristiche che ricordano persino gli interventi predittivi di NetArt.
"Divinità in Hi-Res"dell'artista canadese Grimes. L'opera ha un aspetto futuristico ispirato ai giochi.
L'NFT è stato venduto all'asta per $ 77.000 (Immagine: Grimes / Niftygateway)
Infine, è in questo contesto di congruenza esercitato da un ambiente tecnologico dalle infinite possibilità associato a una situazione globale di protagonismo digitale che si sta affermando una nuova era per l'arte e internet. La Crypto Art propone una reintegrazione delle avanguardie degli anni Novanta. Un reboot. Spetta a noi artisti riflettere sul nostro conservatorismo in relazione ai progressi dell'arte con la tecnologia. La Crypto Art si sta affermando non solo come tendenza, ma come movimento. È ingenuo credere all'illegittimità del movimento basandosi solo sul fatto che quest'arte "non esiste" nella vita reale. In fondo, se il digitale esiste, è perché lo abbiamo creato noi, facendolo diventare parte della nostra realtà. In questo modo, l'arte svolge il suo ruolo di catalizzatore di nuove letture di queste realtà.
RIFERIMENTI:
Vendita straordinaria - BBC News UK
Un file JPG venduto per 69 milioni - New York Times
Le opere d'arte di NFT vengono vendute con una casa fisica in California - Dezeen
da Stephanie Wruck | 15 aprile 2021 | Articolo
Net.Art è emersa all'inizio degli anni '90, quando un gruppo di artisti ha iniziato a esplorare le possibilità offerte da Internet: dalla promozione del proprio lavoro all'utilizzo di software e browser per creare nuove opere. Questi artisti hanno capito subito l'importanza di internet come strumento per riscoprire il valore intrinseco dell'arte, svincolato dai meccanismi del mercato dell'arte, spostando l'attenzione dall'oggetto al processo.
Le opere prodotte in questo periodo illustrano lo spirito dinamico e collaborativo di Internet nel processo creativo. Internet era un nuovo territorio in cui gli artisti potevano esplorare le possibilità di novità che esistevano al di là degli spazi fisici. Questa totale libertà dagli intermediari posti dalle istituzioni artistiche sul lavoro dell'artista e la versatilità di internet come mezzo hanno trasformato il movimento della net.art in una rivoluzione. Ha messo in discussione il modo in cui l'arte veniva realizzata, scambiata, promossa ed esposta.
GLI ARTISTI
Abbiamo riunito tre artisti di rilievo legati al movimento della net.art, sottolineando l'importanza del loro lavoro.
Olia Lialina
Pioniera del movimento della net.art, Lialina è nota soprattutto per il suo browser art del 1996 "My Boyfriend Came Back From The War". L'opera consiste in diversi collegamenti ipertestuali di immagini e testo, tutti in bianco e nero, che gli spettatori possono navigare cliccando su diverse parti dello schermo mentre si svolge una narrazione. La storia parla di una coppia che si rincontra dopo la guerra e della loro difficoltà a riconnettersi emotivamente. Lei confessa una relazione con il suo vicino, mentre emerge una proposta di matrimonio. Questa opera cinematografica, sgranata e simile a una GIF ha influenzato molti artisti successivi che hanno sperimentato con browser e software. Visita l'opera qui.
Mouchette
Mouchette è l'opera realizzata per la prima volta nel 1996 dall'artista di Amsterdam Martine Neddam. L'artista invita lo spettatore a navigare in un labirinto di siti HTML della vita turbolenta di un'adolescente che lotta contro il suicidio e il trauma. L'opera è cupa, ma allo stesso tempo umoristica e divertente, e ci fa indovinare cosa potrebbe accadere dopo. Al momento della creazione dell'opera, gli utenti hanno trovato istruzioni su dove trovarla tramite un bot interattivo, quiz ed e-mail. La partecipazione del pubblico è stata una parte centrale dell'opera, creando uno spazio in cui tutti potessero prendere parte. Gli utenti hanno anche potuto inviare la propria opera d'arte in rete tramite il sito web di Mouchette. Visita l'opera qui.
Alexei Shulgin
La "Form Art" di Shulgin del 1997 è un altro importante archivio dell'era della net.art. L'artista utilizzava pulsanti e caselle HTML per creare composizioni monocromatiche che servivano a studiare i meccanismi dell'HTML stesso. Tuttavia, "Form Art" divenne un'opera d'arte più lirica e astratta, esponendo lo scheletro di Internet in un modo mai visto prima. Shulgin ha dichiarato: "Metterli a fuoco è stata un'affermazione del fatto che un computer non è un invisibile strato 'trasparente' da dare per scontato, ma qualcosa che definisce il modo in cui siamo costretti a lavorare e persino a pensare". Visita l'opera qui.
Durante questo periodo, gli artisti della net.art sono stati in grado di progettare un nuovo universo emozionale, che esisteva parallelamente agli spazi emozionali fisici che abitiamo, diventando infine l'infrastruttura digitale in cui navighiamo oggi. La natura ibrida di Internet, in cui tutte le forme d'arte hanno un posto dove vivere fianco a fianco - immagini, testi, video, suoni, ecc - ha avuto un impatto sul cuore del processo creativo. Non c'era più alcuna separazione tra il luogo in cui si creava, si collaborava, si progettava e si promuoveva: tutto avveniva su Internet. L'idea che Internet potesse ospitare tutti gli aspetti del processo creativo ha influenzato sia le opere stesse sia la risposta del pubblico.
“Il desktop è“, Alexei Shulgin, 1997
Josephine Bosma, critico e teorico specializzato nell'arte nel contesto di Internet, ha dichiarato: "Non è un caso che il mondo dell'arte non sia un luogo di incontro, ma un luogo di incontro e di scambio:
"Per mettere la net.art nella giusta prospettiva, la storia dell'arte deve essere parzialmente riscritta. In questo secolo è stata posta molta enfasi sullo status di merce delle opere d'arte. Inevitabilmente, questa tendenza ha escluso alcune arti e artisti che non soddisfano i relativi criteri. Forse net.art ci offre l'opportunità di ripensare i criteri di valutazione dell'arte. Naturalmente, la net.art non è un oggetto facilmente percepibile. Molta arte su Internet appare molto dispersa a causa dell'uso di più media e della transitorietà. Per sperimentarla, bisogna essere un avido seguace della net.culture".
La visione di Bosma sull'impatto della qualità dello spazio Internet sulle arti è ancora oggi incredibilmente preziosa. Ciò che nel 1998 ha definito net.culture risuona per tutti noi - artisti e consumatori d'arte - forse più che mai. Mentre circoliamo in questa fitta coltre di media sulle piattaforme sociali e sul web nel suo complesso, è inevitabile chiedersi dove andremo a finire. Forse dovremmo seguire il consiglio di Bosma e riscrivere la storia dell'arte.
Come classifichiamo l'arte nel contesto di Internet? È ancora necessario classificare le diverse forme d'arte? La Net.art ha reso quasi irrilevante distinguere ciò che è arte e ciò che non lo è. Pertanto, Bosma ha concluso che gli artisti che non desiderano descrivere il proprio lavoro come arte possono evitare le discussioni limitanti sulla rilevanza e sul valore del proprio lavoro all'interno di un "mercato dell'arte". Poiché molti artisti della net.art hanno preferito rimanere invisibili, dissolvendosi nelle loro opere effimere e temporanee su Internet, Bosma ci ha lasciato con una riflessione importante: dopo tutto, l'arte trae profitto solo da questa oscurità?
“Manifesto cyberfemminista per il 21° secolo“, Matrice VNS, 1991
“Brandon“, Shu Lea Cheang, 1998
“Immagine mobile“Kit Galloway, Sherrie Rabinowitz e altri, 1975
“Estate“, Olia Lialina, 2013
Molte cose sono cambiate dal 1998, ma Internet rimane un luogo in cui i muri vengono costantemente abbattuti e ricostruiti. Nuovi linguaggi visivi vengono scritti ogni giorno, aggiungendo carburante alla nostra vertiginosa esperienza digitale condivisa, rivelando di più su noi stessi attraverso strati modificati e impermanenti. Come può l'arte aiutarci a comprendere i meccanismi in continua evoluzione dell'espressione creativa?
Dopo tutto, Internet è il nostro più grande alleato quando si tratta di fare arte?
Riferimenti:
