Gianlluca Carneiro e a educação artística como um coletivo

Gianlluca Carneiro e l'educazione all'arte come collettivo

da | 22 novembre 2022 | Nuovo artista

Come si impara l'arte? A questa domanda un po' soggettiva risponde uno degli artisti più recenti che si sono uniti a Coletivo Amarelo, Gianlluca Carneiro. L'artista e insegnante brasiliano è direttamente coinvolto in progetti di cittadinanza ed etica e, in classe, ha trovato il modo di introdurre i suoi studenti alla politica attraverso l'educazione artistica.

Incontriamo Gianlluca Carneiro e la sua visione dell'educazione all'arte

Nel suo portfolio, Gianlluca condivide un po' della sua storia. Nato a Minas Gerais, in Brasile, l'artista visivo è anche insegnante di storia nel sistema scolastico comunale di Cariacica, Espírito Santo. Gianlluca ha anche una laurea in legge e ha studiato arte e istruzione al CEFART di Belo Horizonte.

Fin da piccolo, più precisamente dall'età di 6 anni, Gianlluca si è dimostrato un artista attraverso la pittura. Da allora, la sua carriera ha attraversato più di 20 anni, portando la sua arte in varie mostre a Minas Gerais, San Paolo ed Espírito Santo. Senza contare le pubblicazioni su riviste e mostre di fama nazionale e internazionale, come l'opera "Blue Humour, Blue Heart", finalista alla Doncaster Art Fair.

Gianlluca Carneiro chiama il suo universo artistico Cabeça Vazia (Testa Vuota), un gioco di parole sul detto popolare "testa vuota, bottega del diavolo". Per dirla con le sue parole: "L'importante è che questa testa vuota sia piena e impegnata a produrre opere con colori, tratti e composizioni colorate e caotiche, sempre basate sulla critica alle strutture politiche e sociali e allo stile di vita contemporaneo".

L'artista contemporaneo è in linea con le più recenti discussioni in corso nel mondo. Uno di questi è l'importanza di ripensare l'attuale sistema di educazione artistica.

 

Documenta 15

Documenta è una delle più grandi mostre d'arte contemporanea del mondo e si svolge ogni cinque anni nella città di Kassel, in Germania. La mostra fu creata nel 1955 da Arnold Bode nella Germania del dopoguerra. Parte della sua motivazione derivava dalla necessità di recuperare l'arte che era stata bandita dal nazismo e di reintrodurre il Paese alle ultime tendenze internazionali. Da allora, la mostra Documenta 15 è diventata un'importante istituzione nel mondo dell'arte.

Nel 2022 si è svolta la 15a edizione della mostra, curata dal collettivo ruangrupa di Giacarta, Indonesia. Il collettivo ha basato Documenta sui valori e le idee di un termine indonesiano molto comune, lumbung, che significa qualcosa come "granaio di riso comunitario". L'idea di utilizzare questo termine come modello artistico ed economico si basa su principi quali la collettività, la costruzione comune delle risorse e la loro equa distribuzione.

In questa edizione, diversi punti hanno risuonato e uno di questi dialoga direttamente con l'arte e con il posizionamento attivo di Gianlluca Carneiro, che è quello di ripensare le strutture dell'educazione artistica contemporanea. Nella mostra, questo si traduce nell'idea di collettivo e si chiede perché non possiamo imparare gli uni dagli altri, rompendo paradigmi come la figura autoritaria dell'insegnante.

Questa idea di trasformazione dell'educazione è espressa a Documenta 15 attraverso l'arte di *foundationClass, un collettivo formatosi nel 2016 presso la Weißensee Kunsthochschule Berlin (KHB). Il collettivo è nato come una piattaforma educativa per l'arte e un insieme di strumenti progettati per rendere la vita più facile agli immigrati che sono colpiti dal razzismo in Germania.

Per approfondire questo concetto di educazione artistica collettiva e conoscere meglio l'artista, Coletivo Amarelo ha realizzato un'intervista con Gianluca Carneiro. Leggete un estratto della nostra conversazione, che abbiamo aperto con un discorso dell'artista che unifica tutto questo pensiero dietro l'educazione artistica e questo potenziale non sfruttato.

Gianlluca: Vedo nei miei studenti un grande potenziale artistico che non viene realmente esplorato a scuola e io, come insegnante e artista, cerco sempre di portarlo a loro. Portare cosa? Portare idee per risvegliare qualcosa in loro, demistificando l'idea che l'arte sia solo nei musei, quando in realtà noi facciamo arte tutto il tempo. E usarla per discutere di politica

Coletivo Amarelo: Ci sono ostacoli all'interno della scuola per l'introduzione di questi nuovi modelli? Quali sono le resistenze?

Gianlluca: La cosa più assurda di tutto questo è che faccio parte di un progetto chiamato Ensina Brasil, rivolto alle aree di vulnerabilità sociale, e per coincidenza sono capitato in una scuola dove ci sono militari. Per un momento ho pensato che questo sarebbe stato un ostacolo, ma riesco a sollevare il tema della politica in modo più profondo, senza discorsi superficiali o partigianeria. Ma farlo attraverso l'arte rende persino più facile il processo all'interno della scuola, per quanto possa sembrare incredibile.

Coletivo Amarelo: La figura dell'insegnante è un luogo di conforto, di sicurezza, dove "non ci sono domande stupide", uno spazio meno intimidatorio... Essendo lei stessa un'insegnante, che consiglio darebbe a chi vuole iniziare a fare arte, a saperne di più sull'arte, ma non sa bene da dove cominciare o magari si sente timido?

Gianlluca: L'allontanamento dall'arte a volte deriva da linguaggi molto complessi, difficili da presentare alle persone... Vi faccio un esempio che mi è capitato questa settimana. Ho organizzato un concorso d'arte a scuola, ho sottolineato che ci sarebbe stato un premio, ma che non era per stimolare quella competitività aggressiva, ma per stimolare la creazione.

Uno dei miei studenti di educazione speciale, con un occhio di vetro, ipovedente, ha vinto il concorso di disegno. Il suo sorriso era incredibile. Un'altra studentessa, con un'autostima molto bassa, ha vinto il concorso di pittura, e non riusciva mai a vedere quello che faceva. Diceva sempre che tutto ciò che faceva era una merda... Questo mi ha dimostrato ancora una volta che l'arte è ciò che si fa nel modo più genuino possibile.

La strada per iniziare è davvero complicata, ma oggi abbiamo tante nuove forme, collettivi come Coletivo Amarelo, proposte alternative, luoghi che ci accolgono più apertamente e ci incoraggiano a fare cose. Questo è un bene per chi inizia a fare arte, a consumarla, a vivere di arte. Per quanto banale possa essere, la chiave è buttarsi.

Coletivo Amarelo: Quello che hai detto, sul fatto che oggi abbiamo accesso a così tanti strumenti e informazioni, a volte spaventa anche me. Forse fa sentire le persone un po' insicure da dove cominciare o dove inserirsi... E finiamo per dimenticare che fare arte è un processo lungo, che richiede tempo, una digestione lenta. Il processo dell'artista di stare seduto in isolamento, "aspettando che qualcosa" accada, a volte è estremamente solitario e molto confuso.

Gianlluca: È un processo che richiede molto tempo. E non lo facciamo per una galleria, ma perché dobbiamo farlo. Sono un po' pazzo... ho il mio quaderno di schizzi, i miei scarabocchi... e le idee arrivano, i colori, le forme, e le sperimento. La maggior parte delle volte non arrivo dove voglio. Ci sono strati che si accumulano e non ho paura, non pianifico troppo, sono più una persona che agisce.

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JERUSA SIMONE E A MULHER NO SURREALISMO

JERUSA SIMONE E LE DONNE NEL SURREALISMO

da | 10 novembre 2022 | Nuovo artista

Coletivo Amarelo è in costante crescita e siamo orgogliosi di presentare un altro artista che farà parte del collettivo, Jerusa Simone. L'artista portoghese, che ora vive a Zurigo, ha una visione unica che ha sviluppato nel corso della sua vita e che esprime attraverso la sua arte. Cercando di ricreare ricordi ed emozioni, il lavoro di Jerusa dialoga con il surrealismo.

Ecco Jerusa Simone, un'artista che ricrea momenti ed esperienze attraverso il surrealismo

L'arte di Jerusa Simone si basa principalmente su esperienze personali quotidiane, emozioni e ricordi ricorrenti. Durante il suo processo, l'artista lavora spesso a partire da disegni ingenui che emergono da sfondi astratti privi di un'idea preesistente. In questo modo, Jerusa abbraccia la pittura come un atto basato su movimenti spontanei e scelte intuitive.

Questa origine dell'arte nel subconscio e il tentativo di ricreare i ricordi è direttamente collegato al surrealismo, espresso attraverso le sue creazioni. I suoi oggetti prendono forma da linee sottili e informali, formando figure umane, riproducendo segni visivi familiari, insieme a una certa stranezza.

Per stimolare lo spettatore visivamente e intellettualmente, tutto il lavoro dell'artista consiste nel ricostruire la connessione tra simboli, significati, colori e texture, indipendentemente dal mezzo utilizzato.

Jerusa Simone è originaria di Porto, in Portogallo, ma ora vive a Zurigo, in Svizzera. L'artista si è laureata in Belle Arti presso la Scuola d'Arte di Porto e l'Accademia di Belle Arti di Roma.

Negli ultimi anni, Jerusa ha esplorato diversi mezzi pittorici attraverso la videoarte. Questo le ha dato l'opportunità di esporre a livello internazionale in contesti e luoghi diversi, come Portogallo, Italia, Arabia Saudita, Inghilterra, Grecia, Spagna, Stati Uniti e recentemente anche in Svizzera, suo paese d'origine.

Donne e surrealismo

Quest'anno la Biennale di Venezia ha tenuto la sua 59a edizione e per la prima volta in 127 anni ha esposto artisti prevalentemente di sesso femminile. In questa edizione, la Biennale ha affrontato i misteri del subconscio umano e del suo surrealismo dalla prospettiva delle donne artiste.

Curata dall'italiana Cecilia Alemani, la mostra ha esplorato temi che orbitano attorno all'immaginazione di realtà diverse, all'universo dei sogni e a nuove percezioni di ciò che significa essere umani. Ha inoltre messo in relazione l'influenza della tecnologia sulla creazione di nuovi esseri e il recupero della nostra immaginazione di bambini.

Il lavoro di Jerusa, a sua volta, è interamente legato al tema della mostra. Questa relazione è segnata soprattutto dal tentativo dell'artista di rivisitare i ricordi attraverso la pittura. Nel compiere questo esercizio di memoria, l'artista crea scenari strani ma in qualche modo familiari allo spettatore.

Seguendo questa tendenza delle donne nel surrealismo, Jerusa Simone crea qualcosa di surreale nel mezzo dei tempi confusi e intensi che stiamo vivendo.

Per darle il benvenuto nell'Coletivo Amarelo e unire la sua visione unica alla nostra, abbiamo realizzato un'intervista con l'artista. Leggete un estratto della nostra conversazione e scoprite qualcosa di più su Jerusa Simone, una donna che usa le sue esperienze e il surrealismo per esprimere la sua arte.

Coletivo Amarelo: Per quanto riguarda il dipinto "Memorie di una partenza futura", è interessante il gioco di parole che lei fa: "memoria" è qualcosa che si riferisce al passato, a qualcosa che non è ancora accaduto, che è nel futuro. C'è un certo tentativo di manipolare il tempo, il transito... Ci dica qualcosa di più su quest'opera, qual è stato il processo creativo alla base?

Jerusa Simone: Fondamentalmente, quel quadro è stato realizzato in un momento di transizione molto specifico, ero in Italia e stavo per trasferirmi in Svizzera. Questa sensazione è molto strana, ma era già nota. Una zona che più o meno sapevo già di dover affrontare. Affrontare la scena del nuovo e del vecchio, questa dualità. Il quadro è diviso in due parti: la parte superiore con elementi legati alla colonna italiana. Questo corpo quasi obeso, che si ispira al lavoro di Lucien Freud. Ho guardato quel corpo e ho voluto riportare l'idea del bello e del brutto e ridare spazio alle donne, senza ipersessualizzare il corpo femminile, ma portando altri corpi. Volevo vedermi rappresentata. Ho sempre avuto molti problemi con me stessa, quindi guardando i quadri di Freud ho pensato: "Wow, questo è grottesco, ma così bello". Questi corpi emarginati, quasi un confronto, costringono il pubblico a guardare. Il corpo ha sempre un contorno rosso, è sempre negli angoli, ma è sempre presente. La posizione riflette questa fase di cambiamento, di paura. È un luogo familiare, ma fa paura.

CA: Ha la qualità di un sogno, quando ci si sveglia e il sogno è molto chiaro, e con il passare del tempo i dettagli del sogno si dissolvono. Il suo lavoro ha questa caratteristica di memoria leggermente sfocata. Com'è fare un dipinto che riflette il momento attuale e poi rivedere quello stesso dipinto anni dopo e guardare quei ricordi, un po' sfocati, con quella qualità onirica? È cambiato qualcosa?

Jerusa Simone: Guardandolo ora, sento tutte le mie motivazioni, ricordo tutti gli elementi che ho inserito, che ho eliminato... e ora mi trovo nel luogo in cui volevo essere quando ho realizzato quel quadro. Sono in Svizzera da due anni, ma nel frattempo ho superato la mia paura, che era molto presente in quell'opera. Questo elemento di mettere la mano nel fuoco è qualcosa che uso molto, è quasi un autoritratto, mi metto in pericolo, ma non posso farne a meno. Un autosabotaggio, una scena di transizione, di abbandono di qualcosa.

CA: Questo quadro illustra un evento della vostra transizione personale, in cui vi siete spostati da un luogo a un altro e avete collocato gli elementi che erano presenti in quel processo. Ma anche se si tratta di una parte specifica della sua vita, posso guardarlo e vedermi lì in qualche modo, forse in qualche transizione che ho vissuto, ma lo faccio attraverso il sogno di qualcun altro. È quasi come se avessi visitato il sogno di qualcun altro. Pensa che questo faccia parte del surrealismo femminile?

Jerusa Simone: Ho scoperto questa piccola nicchia (il surrealismo femminile), che è questo gioco che faccio con vari elementi, questo scambio di significati tra gli elementi che uso, e man mano che il tempo passa e accumulo nuove esperienze, le cose si cancellano e si trasformano. Così il mio lavoro gioca a questo gioco, quasi come un puzzle...

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