par Stéphanie Wruck | 20 mars 2023 | Événements
Le 22 aura lieu la Biennale Internationale de l'Alentejo. L'édition de l'événement, qui aura lieu du 22 au 26 mars 2023, à Estremoz, réunira plus de 140 artistes nationaux et internationaux, venant de 15 pays, pour garantir la diversité des modèles et des techniques d'expression artistique. .contemporain. Parmi tant d'artistes, Gabriela Albuquerque, partenaire fondatrice du Coletivo Amarelo, a fait sélectionner une de ses œuvres pour l'exposition.
Paysage inutile VI, 2021, Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque est une artiste brésilienne qui cherche à représenter artistiquement son expérience dans différents contextes. Sa formation initiale est en littérature à l'Université de São Paulo, mais il entre rapidement dans le domaine des arts visuels lorsqu'il obtient son diplôme en critique et commissariat à la PUC-SP. Par la suite, elle a travaillé brièvement comme commissaire d’exposition et critique d’art dans la ville de São Paulo.
L'artiste s'installe à Washington DC, la capitale des États-Unis, et commence sa formation pratique d'artiste visuelle à l'école Art League d'Alexandria, en Virginie. Tout cela sans abandonner son champ de critique et de commissariat, en participant activement à des groupes, réunions et ateliers promus par la Smithsonian Institution et la National Gallery of Art.
Après avoir vécu trois ans en Virginie, Gabriela Albuquerque s'installe à Seattle, dans l'État de Washington. Dans la nouvelle ville, elle rejoint la Gage Academy of Art où elle poursuit sa formation artistique.
Actuellement, Gabriela vit à Cascais, au Portugal. La Brésilienne a terminé sa formation en peinture au centre d'études Ar.CO et fait actuellement partie du groupe d'étude et de suivi critique NowHere, sous la direction de la commissaire Cristiana Tejo.
La Biennale Internationale de l'Alentejo
La première édition de BIALE est organisée par ARTMOZ avec le soutien de la municipalité d'Estremoz, direction régionale de la culture de l'Alentejo et a pour partenaires la Biennale internationale des arts de Cerveira et la Société nationale des beaux-arts. Parmi les œuvres d'artistes internationaux et nationaux, on trouve des œuvres comprenant des peintures, des dessins, des aquarelles, des sculptures, des céramiques et des photographies.
L'événement débute le 22 mars avec l'inauguration prévue à 18h30. Le dimanche 26 mars aura lieu la séance de clôture de la Biennale Internacional do Alentejo.
Nous vous invitons à assister à cet événement et à profiter de l'occasion pour voir les œuvres d'artistes de 15 pays. Dont la Brésilienne Gabriela Albuquerque, notre partenaire fondatrice.
par Stéphanie Wruck | 6 février 2023 | Article
Il est impossible de nier que l’art et la politique sont étroitement liés. Que ce soit par la volonté de l'artiste d'exprimer sa position ou son absence, d'une manière ou d'une autre, l'art véhicule un message politique. L’une des volontés inhérentes à l’être humain qui motive cette manifestation est l’aspiration à la liberté. Dans le contexte historique brésilien, cela ne serait pas différent. Après tout, la pratique artistique au Brésil est, en soi, un acte politique. Dans cet esprit, dans l’article d’aujourd’hui, nous allons aborder l’intersection entre l’art et la politique dans le travail des artistes brésiliens et leur impact sur le pays.
L'art est politique !
L’art est et a toujours été une expression politique ! Il est même possible d’analyser ce lien à différents moments historiques. Que ce soit à la Renaissance, lorsque les tableaux étaient commandés et exécutés en fonction de la position politique de l'acheteur. Que ce soit dans une période dictatoriale où l’art est censuré. L'art est politique et l'expression artistique a une force, intentionnelle ou non.
Lors de la création d’une œuvre d’art, l’artiste peut choisir de s’exprimer contre le système, contre l’oppression et contre les normes dépassées de la société, par exemple. Il existe une infinité de placements qu'un artiste peut employer dans son travail. Tout comme il existe également des artistes qui ne cherchent pas à exprimer une position politique, l’absence d’expression est une position en soi.
Contrairement à ce que beaucoup pensent, le lien entre l’art et la politique n’a pas besoin d’être de nature pamphlétaire. C’est-à-dire soutenir une idée de manière radicale et massive. Le simple fait que certains artistes s'expriment et démontrent leur réalité dans leurs œuvres est un acte politique.
Lorsque nous parlons d’art et de politique, il est également courant que la société comprenne cela comme une imposition d’un endoctrinement au spectateur. Cependant, la réalité prouve qu’il s’agit d’une pensée superficielle et sans grand fondement. Après tout, l’art est subjectif et interagit avec chaque individu de manière différente. Il existe plusieurs stimuli et impacts que l'expression artistique provoque sur l'observateur et leur interprétation dépend de son bagage culturel, politique et social.
Art et politique dans le contexte brésilien
Au Brésil, pays riche en culture et en diversité, l’art est un outil politique puissant. Pour illustrer cela, nous dessinons une chronologie avec différents artistes et leurs impacts sur la société brésilienne.
Almeida Júnior – Tabac à hacher Caipira
L'artiste a vécu au XIXe siècle, plus précisément entre 1850 et 1899. Almeida Júnior est généralement associée à un mot qui peut être considéré comme péjoratif : « caipira ». Cette relation vient de sa représentation du peuple brésilien dans sa pluralité, en se concentrant sur les gens « ordinaires » et en évitant la représentation des illustres et des aristocratiques, comme c'était l'habitude.
Oswald de Andrade – Manifeste anthropophagique
Les années 1920 constituent une étape historique pour l’art brésilien. Il y a 101 ans avait lieu la Semaine de l’Art Moderne, qui marquait le début du mouvement moderniste dans le pays. Quelques années plus tard, en 1928, Oswald de Andrade publie son Manifeste Antropofágico. Inspiré par les idées de l'artiste et activiste politique Filippo Tommaso Marinetti, créateur du futurisme dans l'art, Andrade a fondé un mouvement historique.
L'artiste a publié son manifeste dans la revue Antropofagia, à São Paulo, dans le but de « avaler » les techniques et les influences d'autres pays. Oswald de Andrade encourage ainsi la création d’une nouvelle esthétique artistique brésilienne.
Le mouvement tire son nom de la promotion du « cannibalisme » de la culture étrangère. Après tout, la culture étrangère a grandement influencé l’art brésilien. L'objectif de l'artiste était de promouvoir une identité brésilienne nouvelle, multiculturelle et originale, ainsi que son peuple.
Tarsila do Amaral – Abaporu
L'une des peintures les plus célèbres de la célèbre artiste brésilienne, Abaporu dialogue directement avec le travail de son mari, Oswald de Andrade, dans Manifesto Antropofágico.
Le tableau représente un homme assis aux membres disproportionnés, avec des mains et des pieds élargis et une tête minuscule par rapport au reste du corps. De plus, le soleil au centre du tableau et la représentation d'un cactus renforcent l'idée que l'on peut comprendre à partir du tableau.
L'œuvre est considérée comme une critique du travail physique, épuisant et peu critique, représentant la réalité d'une grande partie de la population de l'époque. Le tableau a été peint en 1928 et marque la phase anthropophagique de l'artiste, qui dura jusqu'en 1930.
Art et politique pendant la dictature militaire au Brésil
Durant les années 1964 et 1985, le Brésil a connu la dictature militaire, une période sombre et répressive. Il y a eu près de 30 ans d’oppression militaire et les artistes, bien sûr, faisaient partie des grandes classes touchées, persécutées et censurées par la dictature.
L’art comme la politique ne sont pas restés silencieux, bien au contraire. Même à l’époque de la censure, de nombreux artistes ont utilisé leur travail en faveur de la liberté d’expression, de plus en plus réduite au silence.
Nous séparons quelques-uns des artistes qui se sont démarqués dans la lutte contre un système oppressif et dictatorial :
Cildo Meireles – Changement rouge
Cildo Meireles est un artiste brésilien connu pour son travail pionnier dans la création d'installations artistiques dans le pays. Pendant la dictature, l'artiste a démontré une position politique forte, que l'on peut analyser dans son installation « Desvio para o Vermelho » (1967 – 1984). L'installation est marquée par ces deux dates puisqu'elle marque l'année de sa conception (1967) et l'année de son premier assemblage (1984).
L'œuvre est divisée en trois salles peintes en rouge et articulées entre elles. Dans le premier environnement, Imprégnation, nous sommes insérés dans une salle blanche remplie de meubles et d'œuvres dans les tons rouges. Ceci contraste avec la pénombre d'Entorno, le deuxième environnement, où il est possible d'observer une bouteille renversée, avec un liquide rouge s'écoulant dans un environnement totalement sombre. Dans le dernier environnement, Desvio, le bruit de l'eau courante guide le spectateur dans une pièce complètement sombre. L'obscurité n'est brisée que par un évier funky, où coule de l'eau rouge, créant du son.
Hélio Oiticica – Tropicália
Tropicália est un terme créé par l'artiste Hélio Oiticica et représenté dans une installation exposée dans l'exposition Nova Objetividade Brasileira, tenue au Musée d'Art Moderne de Rio de Janeiro en 1967. L'œuvre est un environnement composé de Penetráveis, PN2 (1966) – Pureza É un mythe, et PN3 (1966-1967) – Imagerie. C’est cette œuvre qui a inspiré la création esthétique du mouvement tropicaliste entre les années 1960 et 1970.
L'œuvre est riche d'éléments typiques de la culture populaire brésilienne, comme le sable, la terre, les plantes tropicales, les tissus, entre autres. Tous ces éléments réunis ont bouleversé l’ordre esthétique du modernisme européen.
Anna Maria Maiolino – « Que reste-t-il »
À travers un travail politique et provocateur, l'artiste italo-brésilienne Anna Maria Maiolino a exploré différents matériaux et moyens d'expression. Durant les périodes dictatoriales, les questions omniprésentes étaient : « Comment parler ? Comment communiquer en temps de dictature ?
Ces doutes s'expriment dans le travail de l'artiste, comme dans la photographie « O que Sobra » (1974), qui montre une femme avec la langue exposée entre des ciseaux. A travers son art, l'artiste questionne !
Adriana Varejão
L'artiste a une vision et des œuvres uniques. Son travail part d'une question : « Et si les murs avaient des viscères, des muscles et du sang ? ». Adriana Varejão compte parmi les noms les plus importants de l'art contemporain brésilien et possède un pavillon dédié à son travail à Inhotim, le plus grand musée en plein air du monde, situé à Brumadinho, Minas Gerais.
Cependant, son travail ne se limite pas à l’idée de murs simulant les entrailles humaines. Dans ses œuvres exposées à Inhotim, l'artiste critique les blessures laissées par l'histoire brésilienne.
Régina Parra
L'artiste exprime son art à travers la peinture, la photographie et la vidéo, au fort caractère politique lié aux problématiques actuelles du féminisme et de la survie dans un univers encore misogyne et sexiste. Regina Parra aborde des thèmes tels que l'oppression, l'insubordination et la résistance féminine dans ses œuvres.
Art et politique dans le scénario actuel du Brésil
La politique brésilienne a été pour le moins perturbatrice. Cela faisait quatre ans sous un gouvernement ouvertement opposé à l’expression artistique. Le ministère de la Culture a été supprimé dès le début du mandat de l'ancien président, le secteur audiovisuel a été abandonné et l'art a été découragé.
L’année 2023 a commencé avec le changement de ce gouvernement, mais la transition ne s’est pas faite sans heurts. L'actuel président du Brésil, Luís Inácio Lula da Silva, a pris ses fonctions le 1er janvier et, une semaine plus tard, les partisans de l'ancien président ont envahi les bâtiments des trois pouvoirs à Brasilia. Les attaques terroristes menées par un groupe articulé ont laissé un scénario dévastateur.
Les biens publics du pays ont été détruits ou endommagés, notamment des œuvres d'art d'une valeur inestimable. Parmi les pertes se trouve le tableau As Mulatas, de Di Cavalcanti. Il s'agit d'un panneau horizontal mettant en valeur quatre figures féminines travaillant superposées sur un grand paysage. Ce sont des femmes à la peau brune, métisses et mulâtres.
Dans ce tableau, l'artiste utilise la même logique qu'Almeida Júnior, qui est de mettre en avant des figures marginalisées et socialement opprimées, mais qui sont au cœur du fonctionnement de notre tissu social. Estimée à 8 millions de R$, l'œuvre en question se trouvait dans la grande salle du palais du Planalto et présentait sept déchirures sur sa toile.
Outre l'œuvre acclamée de Di Cavalcante, plusieurs œuvres d'art ont été touchées et détruites lors des attentats terroristes du 8 janvier 2023.
La destruction de ce patrimoine par les extrémistes prouve que l'art est politique ! Cela prouve que l’art est bel et bien nécessaire. Après tout, la réalité brésilienne exprimée dans l’intention de faire face génère un malaise même chez les plus profanes. L’art est politique et le sera toujours, quel que soit le nombre de forces opposées qui surgissent.
par Stéphanie Wruck | 22 novembre 2022 | nouvel artiste
Comment s'initier à l'art ? Cette question quelque peu subjective est abordée par l'un des artistes les plus récents à rejoindre le Coletivo Amarelo, Gianlluca Carneiro. L'artiste et enseignant brésilien est directement impliqué dans des projets de citoyenneté et d'éthique et, en classe, il a trouvé des moyens d'initier ses élèves à la politique à travers l'éducation par l'art.
Rencontrez Gianlluca Carneiro et sa vision de l'éducation artistique
Dans son portfolio, Gianlluca partage un peu son histoire. Né à Minas Gerais, au Brésil, l'artiste plasticien est également professeur d'histoire au réseau municipal de Cariacica, à Espírito Santo. De plus, Gianlluca est titulaire d'une licence en droit et a étudié l'art et l'éducation au CEFART de Belo Horizonte.
Dès son plus jeune âge, plus précisément dès l'âge de 6 ans, Gianlluca s'est manifesté comme artiste à travers la peinture. Depuis lors, sa carrière s'étend sur plus de 20 ans, présentant son art dans différentes expositions à Minas Gerais, São Paulo et Espírito Santo. Sans oublier les publications dans des revues et expositions de renommée nationale et internationale, comme son œuvre « Humor Azul, Coração Azul » qui a été finaliste à la Doncaster Art Fair.
Gianlluca Carneiro appelle son univers artistique Cabeça Vazia, une pièce de théâtre sur le dicton populaire « une tête vide est l'atelier du diable ». Selon ses propres mots : « L'important est que cette tête vide soit pleine et occupée à produire des œuvres avec des couleurs, des traits et des compositions colorées et chaotiques, toujours soutenues par une critique des structures politiques et sociales et du mode de vie contemporain ».
L’artiste contemporain s’inscrit dans les discussions les plus récentes présentes à travers le monde. L’un d’eux est l’importance de repenser le système actuel d’éducation artistique.
documents 15
Documenta est l'une des plus grandes expositions d'art contemporain au monde et a lieu tous les cinq ans dans la ville de Kassel, en Allemagne. L'exposition a été créée en 1955 par Arnold Bode, dans l'Allemagne d'après-guerre. Une partie de sa motivation venait de la nécessité de revenir à l'art interdit par le nazisme et de réintroduire le pays aux dernières tendances internationales. Depuis, l'exposition Documenta 15 est devenue une institution majeure dans le monde de l'art.
En 2022 a eu lieu la 15e édition de l'exposition, organisée par le collectif ruangrupa de Jakarta, en Indonésie. Le collectif a basé Documenta sur les valeurs et les idées d'un terme très courant en Indonésie, lumbung, qui signifie quelque chose comme « grenier à riz communautaire ». L'idée d'utiliser ce terme comme modèle artistique et économique repose sur des principes tels que la collectivité, la construction conjointe des ressources et leur répartition équitable.
Dans cette édition, plusieurs points résonnent et l'un d'eux dialogue directement avec l'art et le positionnement actif de Gianlluca Carneiro, qui est de repenser les structures de l'éducation artistique contemporaine. Dans l'exposition, cela se traduit par l'idée de collectif et se demande pourquoi nous ne pouvons pas apprendre les uns des autres, brisant les paradigmes, comme la figure d'autorité de l'enseignant ?
Cette idée de transformer l'éducation s'exprime dans la Documenta 15 à travers l'art de *foundationClass, un collectif formé en 2016 à la Weißensee Kunsthochschule Berlin (KHB). Le collectif est apparu comme une plate-forme éducative pour l'art et une boîte à outils créée pour faciliter la vie des immigrants touchés par le racisme en Allemagne.
Pour approfondir ce concept d'éducation artistique collective et mieux connaître l'artiste, le Coletivo Amarelo a réalisé un entretien avec Gianlluca Carneiro. Lisez un extrait de notre conversation, que nous avons ouverte par un discours de l'artiste qui fédère toute cette réflexion derrière l'éducation artistique et ce potentiel inexploité.
Gianlluca : Je vois chez mes élèves beaucoup de potentiel artistique qui n’est pas vraiment exploité au sein de l’école et moi, en tant qu’enseignant et artiste, j’essaie de leur apporter cela à tout moment. Apporter quoi ? Apporter des idées pour éveiller quelque chose en eux, démystifier cette idée selon laquelle l'art n'est qu'au musée, alors qu'en fait on fait de l'art tout le temps. Et utilisez-le pour débattre de politique
Collectif Jaune : Y a-t-il des obstacles au sein de l’école pour introduire ces nouveaux modèles ? Quelle est la résistance ?
Gianlluca : Le plus fou dans tout ça, c'est que je fais partie d'un projet appelé Ensina Brasil, destiné aux zones de vulnérabilité sociale, et par hasard je me suis retrouvé dans une école où se trouvent des militaires. Pendant un moment, j'ai pensé que ce serait un frein, mais j'arrive à approfondir le sujet de la politique, sans discours superficiels et aussi sans partisanerie. Mais faire cela en utilisant l’art rend même le processus plus facile au sein de l’école, aussi incroyable que cela puisse paraître.
Collectif Jaune : La figure de l'enseignant est un lieu de confort, de sécurité, où « il n'y a pas de questions stupides », un espace moins intimidant… Vous, en tant qu'enseignant, quels conseils donneriez-vous à ceux qui veulent se lancer dans l'art, en savoir plus sur l'art, mais vous ne savez pas par où commencer ou peut-être vous sentez-vous timide ?
Gianlluca : Le détachement de l'art vient parfois de langages très complexes, difficiles pour nous à présenter les gens… Je vais vous donner un exemple de quelque chose qui m'est arrivé cette semaine. J'ai organisé un concours d'art à l'école, j'ai souligné qu'il y aurait un prix, mais que ce n'était pas pour encourager cette compétitivité agressive, mais pour stimuler la création.
Un de mes élèves en éducation spécialisée, il a un œil de verre, une basse vision et il a remporté le concours de dessin. C'était un stand à l'extérieur, son sourire était quelque chose d'incroyable. Une autre étudiante, avec une très faible estime d'elle-même, a remporté le concours de peinture et elle n'a jamais pu voir ce qu'elle faisait. Il disait toujours que tout ce qu'il faisait était de la merde*… Cela m'a montré une fois de plus que l'art est ce que nous faisons de la manière la plus authentique possible.
Le chemin pour commencer est certes compliqué, mais aujourd'hui nous avons tellement de nouvelles formes, des collectifs comme le Coletivo Amarelo, des propositions alternatives, des lieux qui nous reçoivent plus ouvertement et qui nous encouragent à faire des choses. C'est pour ceux qui commencent à faire de l'art, à consommer, à en vivre. Aussi banal que cela puisse paraître, le secret est de s'y jeter à fond.
Collectif Jaune : Ce que vous avez dit sur l’accès actuel à tant d’outils et d’informations fait parfois peur aussi. Parce que peut-être que ça rend un peu la personne sans savoir par où commencer ou sans comprendre où elle s'inscrit dans tout ça... Et on finit par oublier que la création artistique est un processus qui prend du temps, qu'il faut du temps, un temps vraiment lent. digestion. Le processus de l'artiste consistant à se reclus là-bas, à « attendre que quelque chose » se produise, est parfois extrêmement solitaire et très déroutant.
Gianlluca : C'est un processus qui prend beaucoup de temps. Et nous ne le faisons pas pour une galerie, nous le faisons parce que cela doit être fait. Je suis un peu folle… J'ai mon carnet de croquis, mes gribouillages… et les idées viennent, les couleurs, les formes, et à partir d'elles j'expérimente. La plupart du temps, cela n’arrive pas là où je le souhaite. Il y a des couches qui s'accumulent et, je n'ai pas peur, je ne planifie pas trop, je suis plutôt une personne d'action.
Des œuvres exclusives de Gianlluca sont disponibles dans notre boutique, découvrez-les !
