par Stéphanie Wruck | 10 novembre 2021 | nouvel artiste
DÉPLACEMENT
Osias André, originaire du Mozambique, a immigré au Portugal il y a 4 ans où il a remporté 3 bourses de l'école d'art indépendante Ar.Co, une institution dédiée à l'expérimentation et à la formation artistique. Osias a commencé à peindre à l'âge de 8 ans et a commencé sa carrière artistique par l'illustration graphique, produisant une collection de livres. Pour lui, peindre exige une digestion plus lente et plus indirecte. Dans les œuvres picturales exposées ici, on peut remarquer une recherche d'identité, liée à leurs origines africaines, à travers une pratique traditionnelle d'atelier européenne. Le résultat est des peintures saisissantes, dans lesquelles les couleurs, les formes et les contenus agissent en équilibre, s'appropriant la pratique picturale occidentale pour mettre en lumière des éléments issus de la résistance culturelle africaine aux siècles d'hégémonie eurocentriste. Osias vit et travaille à Lisbonne.
- Le déplacement des compositions picturales classiques eurocentriques vers de nouveaux environnements ;
- Manipulation des couleurs et des formes ;
- Renforcer leur propre identité, s'éloigner de chez soi ;
- Équilibre entre les sensibilités de la diaspora africaine et les préoccupations européennes pour la théorie et la raison.
par Stéphanie Wruck | 10 novembre 2021 | nouvel artiste
IMPERMANENCE
Eduardo Dias est un biologiste de São Paulo, au Brésil, et travaille actuellement à l'Université presbytérienne Mackenzie en tant que technicien de laboratoire au Centre de recherche en biosciences. Son travail l'emmène dans des biomes brésiliens tels que le Pantanal, le Cerrado, la forêt atlantique, entre autres destinations, et la photographie joue un rôle important lors de ses voyages. Il l'utilise comme un outil pour donner libre cours à son imagination, mais aussi comme un moyen de créer un répertoire didactique dans lequel ses connaissances en biologie s'unissent à l'art. Son objectif est de montrer la beauté de la nature à travers des images sensibles, exaltant ses structures organiques et ses singularités. Pour Eduardo, cette union des forces entre l'art et la biologie est une manière de nous alerter sur l'environnement dans lequel nous habitons et sur tout ce qui vit autour de nous.
- Capturer des paysages et des espèces pour avertir de la menace imminente pour la nature ;
- Démystifier les idées sur le monde naturel en vantant les beautés de sa réalité ;
- Réduisez la distance entre les personnes et leur environnement.
par Stéphanie Wruck | 10 novembre 2021 | nouvel artiste
IMPERMANENCE
Gabriela Albuquerque est une artiste brésilienne qui vit et travaille à Cascais. Ses recherches actuelles portent sur les paysages et les développements récurrents au-delà de la tradition historique académique de ce genre. La répétition presque compulsive des images cherche à exalter le paradoxe entre permanence et impermanence de notre environnement, de ce qui nous est familier, mais aussi éphémère. Le choix des peintures à l’huile, qui s’inscrivent dans une tradition séculaire, interroge la continuité de certaines pratiques qui résistent malgré des innovations constantes. Plus que des enregistrements de moments et de lieux, ils sont aussi une tentative – peut-être frustrée – de rendre permanent ce qui est éphémère. Les œuvres présentées ici renforcent l'idée que nous sommes transitoires, et non les espaces que nous occupons.
- Ce sont les paysages qui nous regardent, et non l'inverse ;
- Des paysages naturels qui rappellent l’impermanence humaine.
par Stéphanie Wruck | 10 novembre 2021 | nouvel artiste
DOCUMENTATION
Martim Meirelles est un photographe américain qui vit et travaille à New York. D'origine portugaise, Martim voyage entre les USA, le Portugal et le Mozambique. Ses recherches photographiques documentent des vies humaines qui vivent en marge de la prospérité économique et partagent une langue portugaise commune. Son travail se concentre sur la beauté, la douleur et la joie, mettant en valeur la capacité de l'artiste à aborder chaque sujet avec une profonde sensibilité visuelle. Les photographies présentées ici sont le résultat d'un séjour d'un an à l'orphelinat Madre Maria Clara au Mozambique en 2017 et également d'une résidence artistique à Nazaré en 2014.
- Documentation des vies et des traditions ;
- Exposition de la condition humaine.
par Stéphanie Wruck | 10 novembre 2021 | nouvel artiste
TERRITOIRE
Juliana Matsumura est brésilienne et vit actuellement à Lisbonne. Il est diplômé en design à l'Escola Ar.Co et a suivi le diplôme en textile et mode à l'USP. L'artiste est membre de Risco Coletivo, un collectif de pratiques de design contemporain. Le dessin est son principal moyen d'expression et pour le réaliser il s'approprie divers outils comme la gravure, la photographie et la peinture. La série présentée ici fait partie de son œuvre « Memories of Water », qui aborde le contact le plus étroit avec son ascendance japonaise et sa trajectoire d'immigrant brésilien en terres lusitaniennes. La qualité inconnue des territoires étrangers est exposée à travers des tons diffus comme des taches sombres. Les formes rappellent des souvenirs flous qui se confondent avec les attentes liées au processus de migration. Juliana est capable d'architecturer de nouveaux territoires où le poids de l'ascendance et la nouveauté née de nouvelles expériences sont simultanément présents.
- Des rivières qui mènent à des territoires partagés tout en portant les souvenirs d'une ascendance perdue ;
- L'écoulement de l'eau est responsable de la modification de son environnement.
par Stéphanie Wruck | 10 novembre 2021 | nouvel artiste
Déplacement
Natália Loyola est diplômée en communication sociale et journalisme et étudie une maîtrise en Anthropologie – Cultures visuelles à l'Université Nova de Lisboa. Ses recherches portent sur l'exercice d'observation des lieux où il circule, notamment au sein des paysages urbains. Ses photographies fonctionnent comme une construction imagée de marqueurs territoriaux de son propre processus migratoire, tous visibles dans ses interactions avec la ville elle-même et ses habitants. La perception sensible de Natalia part de dualités telles que : mouvement vs. quiétude; nomade vs. sédentaire; réel contre imagerie et évoque un sentiment de familiarité avec les thèmes de chaque image. Les œuvres présentées reflètent l'étude de l'artiste sur le déplacement comme exercice de critique corporelle. Natalia vit à Almada et travaille dans le monde entier.
- La marche comme pratique corporelle critique ;
- L’exercice de se faire une place à partir du quotidien ;
- Cartographier des champs imaginaires à travers l'appropriation d'espaces physiques.
par Stéphanie Wruck | 31 octobre 2021 | Événements
Samedi 20 novembre, à 17h, nous discuterons avec Natália Loyola et Roberta Goldfarb de leurs pratiques individuelles et des œuvres présentées à l'exposition.
Rejoignez-nous à la Fábrica Braço de Prata !
par Stéphanie Wruck | 31 octobre 2021 | Événements
Coletivo Amarelo a l'honneur d'annoncer son exposition inaugurale alentours à Lisbonne !
Vernissage : 13 novembre à la Fábrica Braço de Prata, à partir de 19h au deuxième étage.
Il s'agit de la première exposition physique du collectif après un an de travail uniquement numérique. L'exposition souligne le rôle du Coletivo Amarelo dans le panorama culturel et artistique de la ville de Lisbonne, en présentant le travail d'artistes de différentes parties du monde.
Entorno présente le travail de sept artistes : Juliana Matsumura, Eduardo Dias, Osias André, Gabriela Albuquerque, Martim Meirelles, Natália Loyola et Roberta Goldfarb. Les œuvres présentées déroulent une série de dialogues tissés par un fil conducteur : notre environnement.
L'exposition explore comment ces artistes ont utilisé leurs pratiques pour disséquer leur environnement tangible, donnant aux spectateurs la possibilité d'interagir avec des variations sur le même concept. Les œuvres ont été subdivisées en cinq sous-catégories : observation, déplacement, territoire, documentation et impermanence. Même si en 2020 le monde a radicalement modifié les moteurs des opérations humaines vers une vie essentiellement virtuelle, les environnements « réels » qui nous entourent restent ceux qui influencent le plus nos expériences. Au centre de l'exposition se trouvent les capacités individuelles des artistes à englober la physicalité de leur environnement dans un cadre. Chaque œuvre est une réponse au plan visuel qui existait à un moment donné dans le temps et dans l'espace, traversant ses propres frontières disciplinaires (peinture, photographie et installation vidéo) afin de rapprocher le spectateur d'une orbite partagée.
Que ce soit à travers l'observation du temps, le déplacement du corps et de l'identité, la redécouverte d'un territoire perdu, la documentation d'expériences ou l'impermanence de la vie, les œuvres présentées servent de tentative de construction d'un paysage réflexif de la réalité.
À PROPOS DES ARTISTES :
Osias André
Osias André, né au Mozambique, a émigré au Portugal il y a quatre ans où il a obtenu trois bourses de l'école d'art indépendante Ar.Co, une institution dédiée à l'expérimentation et à la formation artistique. Osias a commencé à peindre à l'âge de huit ans et a commencé sa carrière artistique par l'illustration graphique, produisant une collection de livres. Pour lui, peindre nécessite une digestion plus lente et plus indirecte. Les peintures présentées ici sont liées à leurs origines africaines, tout en reflétant la recherche d'identité d'Osias menée à travers une pratique d'atelier européenne traditionnelle. Osias vit et travaille actuellement à Lisbonne.
Juliana Matsumura
Juliana Matsumura est une artiste brésilienne qui vit et travaille actuellement à Lisbonne. Il est diplômé en design de l'Escola Ar.Co et a suivi le diplôme en textile et mode de l'Université de São Paulo. L'artiste est également membre de Risco Coletivo, un collectif de pratiques de dessin contemporain. Le dessin est au cœur de sa pratique, utilisant divers outils comme la gravure, la photographie et la peinture. Juliana vit et travaille actuellement à Lisbonne.
Natalia Loyola
Natália Loyola est diplômée en communication sociale et journalisme et termine également sa maîtrise en anthropologie – Cultures visuelles à l'Université Nova de Lisboa. Ses recherches portent principalement sur l'exercice d'observation des lieux qu'il circule, notamment dans les paysages urbains. Les photographies de Natália sont une construction de marqueurs territoriaux imagés de son propre processus migratoire, tous vus à partir de ses interactions avec la ville elle-même et ses habitants. Natália vit et travaille actuellement à Almada, au Portugal.
Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque est une artiste brésilienne qui travaille et vit à Cascais. Ses recherches actuelles se concentrent sur les paysages récurrents et les développements au-delà de la tradition scientifique historique de ce genre. La répétition presque compulsive des images cherche à exalter le paradoxe entre la permanence et l'impermanence de notre environnement, de ce qui nous est familier, mais aussi éphémère. Le choix de la peinture à l'huile comme support, qui s'inscrit dans une tradition séculaire, interroge la continuité de certaines pratiques qui perdurent malgré des innovations constantes. Le travail de Gabriela met en tension la tradition de la peinture à l'huile dans le contexte de l'art contemporain.
Eduardo Dias
Eduardo Dias est un biologiste de São Paulo, au Brésil et travaille actuellement à l'Universidade Presbiteriana Mackenzie en tant que technicien de laboratoire au Centre de recherche en biosciences. Sa pratique l'emmène dans des biomes brésiliens tels que le Pantanal, le Cerrado, la forêt atlantique, entre autres destinations, et la photographie joue un rôle important dans ses voyages. Il l'utilise comme un outil pour donner des ailes à son imagination, mais aussi comme un moyen de créer un répertoire didactique dans lequel ses connaissances en biologie se confondent avec l'art.
Martim Meirelles
Martim Meirelles est un photographe américain qui vit et travaille à New York. D'origine portugaise, Martim voyage entre les USA, le Portugal et le Mozambique. Ses recherches photographiques documentent des vies humaines qui vivent en marge de la prospérité économique et partagent la même origine linguistique portugaise. Dans son travail, l'accent est mis sur la beauté, la douleur et la joie, soulignant la capacité de l'artiste à aborder chaque sujet avec une profonde sensibilité visuelle. Les photographies présentées ici résultent d'un séjour d'un an à l'orphelinat Madre Maria Clara au Mozambique en 2017 et également d'une résidence d'artiste à Nazaré en 2014.
Roberta Goldfarb
Roberta Goldfarb est une artiste brésilienne qui vit et travaille actuellement à Lisbonne. Elle est titulaire d'un diplôme en publicité et propagande (FAAP, 2001) avec spécialisation en photographie de Senac (São Paulo), de La Escuela de la Imagen y el Diseño et du Centre Cívic Pati Llimona (Barcelone) et du Centre international de photographie (New York). Ses recherches sont motivées par le désir de l'artiste de collecter et de cataloguer des objets physiques et des expériences qui autrement seraient perdus dans la mémoire. Roberta construit des sphères de sentiments et de significations en affichant ce qu'elle voit avec ses yeux. Parmi les expositions auxquelles il a participé, les plus remarquables sont « Dizer Fazer » (Ateliê RG, SP, 2014), « While Tempo » (Oficina Oswald de Andrade, SP, 2014), Clube dos Colecções (NowHere, Lisbonne, 2020) et l'exposition personnelle « Soulèvements, rafales de vent ou projets de voir le monde » (Ateliê RG, SP, 2014) et « Préambules à un conte mondial » (Galeria Rabieh, SP, 2012). Il participe actuellement à l'exposition collective « Toll of Me – Foco Brasil » (Not a Museum, Lisbonne).
Organisé par Stéphanie Wruck
Pour recevoir le catalogue complet de l'exposition, envoyez-nous un email à : contact@coletivoamarelo.com
par Stéphanie Wruck | 19 août 2021 | Article
Perception:
effet de percevoir, de comprendre le sens de quelque chose à travers les sens.
L'acte d'observer ce qui nous entoure se produit chaque jour automatiquement et immédiatement, quels que soient les espaces dans lesquels nous sommes insérés ; que ce soit dans un musée, à l'intérieur ou en se promenant dans les rues de la ville. À partir de ces observations, il est possible d’attribuer des significations à certaines situations et circonstances.
Partant de cette idée, quels sont les avantages de remettre en question nos propres processus de regard sur les œuvres artistiques ?
Le thème de l'époque est la perception, contextualisée dans les mécanismes du regard. L’exercice d’observation d’une œuvre d’art peut se dérouler d’innombrables manières, générant des résultats différents sur l’œuvre elle-même mais aussi sur l’observateur.
Notre capacité à attribuer un sens aux œuvres artistiques peut se développer plus profondément lorsque nous sommes attentifs à nos propres processus d’observation. Quelle est la différence entre l’attribution de significations et une compréhension authentique et organique ?
Il existe des images qui fonctionnent comme un moyen de donner un sens à des situations et à des scénarios, et d’autres qui offrent une compréhension automatique de ce qui n’était pas auparavant mâché pour notre consommation. Dans ce cas, quel serait le rôle de l’observateur dans la production de significations pour les œuvres d’art ?
Nos perceptions interfèrent également dans la production de nos souvenirs, fusionnant les informations d'imagerie et créant de nouveaux langages et significations. Nos champs imaginaires sont donc en constante évolution. Est-il possible de cultiver notre propre mécanisme de regard pour devenir plus profond et plus significatif ?
Au cours des prochaines semaines, nous proposerons des exercices du regard, enquêterons sur notre rapport au regard que nous portons sur les œuvres d'art et illustrerons le thème en apportant des œuvres d'artistes qui dialoguent avec ces questions.
Image : Marco Tirelli
par Stéphanie Wruck | 30 avril 2021 | Article
Eduardo Politzer est un sound designer et artiste brésilien de Rio de Janeiro et aujourd'hui nous lui parlons de son œuvre numérique « Labirinto ».
C'est une invitation à mettre vos écouteurs, à vous perdre, à vous redécouvrir et, espérons-le, à rêver. Politzer a créé un nouvel espace numérique rempli de sons, de souvenirs, de rêves, de poèmes et de pensées libres. En parcourant le labyrinthe, en cliquant sur des hyperliens qui vous redirigent vers différents coins, vous tracez votre propre chemin. Parfois, le labyrinthe peut être profondément émouvant et personnel, d’autres fois, il peut être relaxant et amusant.
Nous avons eu l'occasion de parcourir avec lui le labyrinthe d'Eduardo, en posant des questions tout au long du parcours. Il a partagé avec nous à quoi ressemblait le processus de création de l’œuvre et ce qu’il a appris de cette expérience.
« Mettez vos écouteurs.
Perdez-vous, rêvez.
Quand tu réalises que tu es dans un labyrinthe
c'est parce que tu es là depuis longtemps.
Mais ne te précipite pas,
Peut-être apprendrez-vous quelque chose en cours de route.
Peut-être que tu trouveras quelque chose de précieux,
Peut-être que vous apprendrez quelque chose de précieux sur vous-même,
Peut-être,
Peut-être que tu te réveilleras avec un sentiment,
Peut-être que votre cerveau utilise ce temps pour simuler différentes situations.
Éliminer ce qui a peu d’importance.
Pour préparer quelque chose dans le futur.
Dans ce labyrinthe vous trouverez des personnages et des lieux,
Son et image.
Du temps et de la réflexion.
Métaphysique et absurdité.
Je vais te raconter mes rêves
Et puis tu me dis le tien.
C'est un ornement
Un collier que l'on place au cou du temps,
Pour voir s’il s’apprivoise.
Nous vous invitons à explorer le labyrinthe par vous-même, à visiter ici. Cliquez sur ici pour visiter le site Web d'Eduardo. Suivez-le sur IG : @eduardopolitzer
par Stéphanie Wruck | 26 avril 2021 | Article
L’année dernière, la pandémie de COVID-19 a donné une place incontestable au travail dans les environnements numériques. Comme d’autres secteurs productifs, la création artistique a connu plusieurs adaptations au cours de cette période. Au Coletivo Amarelo, nous avons proposé au cours des deux dernières semaines une enquête historique sur la relation entre l'art et Internet, en suggérant des réflexions liées aux premières expériences technologiques et aux interventions du mouvement NetArt dans les années 90, souvent prédictives de la performance des artistes. dans un monde de plus en plus numérisé. . Les textes précédents sont disponibles sur notre blog sous la balise « Internet ». Cliquez ici pour lire notre dernier article sur le mouvement Net.Art.
Au cours des premiers mois de 2021, nous avons assisté à ce qui semblait être le déclencheur d’une nouvelle ère dans la relation entre l’art et Internet. Les éditions NFT ont envahi les réseaux sociaux et les groupes artistiques peu de temps après que la maison traditionnelle Christie's a mis aux enchères une œuvre d'art entièrement numérique pour 69 millions US$ (ou 382 millions R$).
“Tous les jours : les 5000 premiers jours“, de l'artiste numérique contemporain Beeple, a été adjugé 69 millions de dollars américains lors de la dernière vente aux enchères de Christie's Auction House.
L'œuvre est un collage d'illustrations quotidiennes que l'artiste a réalisées pendant 5 000 jours consécutifs (Image : Beeple/Christies disponible sur BBC.com)
Ce qui s'est passé? D'où vient-il? Est-ce une nouvelle tendance ?
Après près de deux décennies de spéculation instable, les portefeuilles de crypto-monnaie tels que Bitcoin ont particulièrement grimpé en flèche au cours de l’année écoulée. La valeur d’un seul Bitcoin est passée de 0,34 US$ à la mi-2010 à environ 50 000 US$ (soit environ 280 000 R$ – citation Google : Morningstar et Coinbase, requête du 23/04/2021).
Cependant, tous les types de produits n'ont pas eu la même possibilité d'être introduits sur le marché des crypto-monnaies, car le commerce monétaire qui a lieu dans le monde technologique a commencé à exiger une structure plus sûre, puisque l'ensemble de la transaction est effectué dans une monnaie qui n'est pas monétaire. existent dans le monde réel. Le système en ligne Blockchain a été créé à partir de ce besoin. Il s'agit d'une plate-forme qui fonctionne comme un échange de crypto-monnaie et sert à explorer, suivre, surveiller et enregistrer des transactions complexes.
Dans la Blockchain, chaque transaction est codée comme un lien immuable, et donc d'autres objets qui auraient besoin d'une valeur non échangeable dans des transactions plus sécurisées ont désormais été introduits dans le trading de cryptomonnaies, comme les œuvres d'art.
Mais que signifie « objets aux valeurs non interchangeables » ? Imaginez deux situations :
- Vous êtes dans une boutique et votre achat s'élève à $ 100. Vous avez la possibilité de payer avec deux billets de $ 50, 5 billets de $ 20 ou 10 billets de $ 10, etc. Par conséquent, la monnaie commune est mutuellement interchangeable (ou fongible).
- Disons que vous possédez trois maisons situées dans la même rue, une d'une valeur de $ 500 000 et deux autres d'une valeur de $ 250 000 chacune. Bien que leur prix soit proche, si hypothétiquement les deux maisons d'une valeur de $ 250 000 sont regroupées, elles n'auront pas forcément la même valeur stipulée que la maison d'une valeur de $ 500 000, même si les valeurs unitaires cumulées aboutissent à une valeur équivalente. En effet, chaque maison est unique et possède ses propres caractéristiques, c'est-à-dire qu'elle a des valeurs. mutuellement non interchangeables (ou non fongibles).
En ce sens, la Blockchain permet d’échanger des objets à valeur non échangeable contre des cryptomonnaies, en conservant un aspect fondamental : l’unicité. Pour cela, chaque objet sera lié à un lien immuable enregistré dans la Blockchain. Ces liens immuables sont appelés NFT (Non-fungible Token). Les NFT sont également capables de soutenir un autre aspect essentiel pour le marché de l'art : la notion de rareté, chargée de valoriser la pièce en tenant compte du nombre d'unités identiques existantes ou non. De plus, les NFT proposent un nouveau type d’inscription pour les artistes, puisque les liens immuables enregistrés sur la Blockchain peuvent contenir toutes les informations et spécifications techniques de l’œuvre réalisée dans un format « Smart Contract ».
Bref, la nouvelle révolution dans le monde et sur le marché de l'art permet de vendre 100% des œuvres sous forme numérique, formant un nouveau segment : le Crypto Art. Chaque image, vidéo, son, texte ou fichier logiciel, même s'il est unique ou en édition limitée. , il devient un NFT enregistré sur la Blockchain. En conséquence, chaque NFT sera tarifé et vendu en crypto-monnaie.
Extrait du travail vidéo NFT du graphiste américain Kii Arens basé sur une vraie maison en Californie.
Les enchérisseurs enchérissent sur ce NFT, le gagnant recevant également une propriété physique au 221 Dryden Street.
Après ce processus, le NFT dispose d'un contrat traçable avec le droit d'auteur le plus crédible, le plus sûr et le plus innovant. Par exemple, jusqu’à l’émergence du Crypto Art, un artiste ne percevait pas de pourcentage du bénéfice correspondant à la revente de son œuvre. Avec le Smart Contract, une clause peut lier un pourcentage obligatoire de transfert à l'auteur de l'œuvre en cas de revente du NFT. Noah David, spécialiste responsable de la première vente aux enchères NFT organisée chez Christie's, a déclaré que « le potentiel imposé par les NFT pour rompre avec le modèle traditionnel des enchères d'art est immense ».
Pourtant, ce sont toujours des fichiers numériques, alors n’importe qui peut-il les avoir ? En théorie oui, en pratique non, car seuls ceux qui possèdent le NFT possèdent l’œuvre. Le propriétaire légitime sera assuré dans le registre Blockchain.
Il convient de rappeler que le Crypto Art est fortement influencé par les jeux vidéo (d'ailleurs, une niche de design visuel qui a récemment acquis la position bien méritée de production à contenu artistique). En d’autres termes, l’apparence présentée présente des caractéristiques futuristes qui rappellent même les interventions prédictives de NetArt.
"Dieux en haute résolution», de l'artiste canadien Grimes. L'œuvre a un look futuriste inspiré des jeux.
Le NFT a été vendu aux enchères pour $ 77 000 (Image : Grimes/Niftygateway)
Finalement, c’est dans ce contexte de congruence exercée par un environnement technologique aux possibilités infinies associé à une situation globale de protagonisme numérique, que s’installe une nouvelle ère pour l’art et Internet. Crypto Art propose une réintégration de l'avant-garde des années 90. Un reboot. C’est à nous, artistes, de réfléchir à notre propre conservatisme par rapport aux avancées de l’art avec la technologie. Le Crypto Art s’impose non seulement comme une tendance, mais comme un mouvement. Il est naïf de croire à l’illégitimité du mouvement en se basant uniquement sur le fait que cet art « n’existe pas » dans la vraie vie. Après tout, si le numérique existe, c’est parce que nous l’avons créé, en l’inscrivant dans notre réalité. L’art remplit ainsi son rôle de catalyseur de nouvelles lectures de ces réalités.
LES RÉFÉRENCES:
Vente extraordinaire – BBC News Brésil
Le fichier JPG se vend 69 millions – New York Times
Une œuvre d’art NFT vendue avec une maison physique en Californie – Dezeen
par Stéphanie Wruck | 15 avril 2021 | Article
Net.Art est apparu au début des années 1990, lorsqu'un groupe d'artistes a commencé à explorer les possibilités offertes par Internet : de la promotion de leur travail à l'utilisation de logiciels et de navigateurs pour créer de nouvelles œuvres. Ces artistes ont rapidement compris l'importance d'Internet comme outil pour redécouvrir la valeur intrinsèque de l'art, déconnecté des mécanismes du marché de l'art, déplaçant l'attention de l'objet vers le processus.
Les travaux réalisés durant cette période illustrent l'esprit dynamique et collaboratif d'Internet au sein du processus créatif. Internet était un nouveau territoire dans lequel les artistes pouvaient explorer les possibilités de nouveauté qui existaient au-delà des espaces physiques. Cette liberté totale des intermédiaires placés par les institutions artistiques sur le travail de l'artiste et la polyvalence d'Internet comme médium ont transformé le mouvement net.art en révolution. Cela remettait en question la manière dont l’art était créé, échangé, promu et exposé.
LES ARTISTES
Nous avons rassemblé trois artistes notables liés au mouvement net.art, soulignant l'importance de leur travail.
Olia Lialina
Pionnière du mouvement net.art, Lialina est surtout connue pour son œuvre sur navigateur de 1996 « My Boyfriend Came Back From The War ». Elle peut naviguer en cliquant sur différentes parties de l'écran pendant qu'un récit se développe. L'histoire parle d'un couple réuni après la guerre et de leur difficulté à se reconnecter émotionnellement. Elle avoue une liaison avec le voisin tandis qu'une demande en mariage surgit. Cette pièce cinématographique et granuleuse de type GIF a influencé de nombreux artistes ultérieurs qui ont expérimenté les navigateurs et les logiciels. visiter l'oeuvre ici.
Mouchette
Mouchette est l'œuvre créée pour la première fois en 1996 par l'artiste Martine Neddam, basée à Amsterdam. Elle invite le spectateur à naviguer à travers un labyrinthe de sites HTML sur la vie turbulente d'un adolescent aux prises avec le suicide et un traumatisme. La pièce est sombre mais humoristique et amusante, nous laissant deviner ce qui pourrait se passer ensuite. Au moment de la création de l’œuvre, les utilisateurs ont trouvé des instructions pour la trouver via un robot interactif, des quiz et des e-mails. La participation du public était un élément central du travail, créant un espace auquel nous pouvions tous participer. Les utilisateurs pouvaient également soumettre leurs propres œuvres d'art via le site Web de Mouchette. visiter l'oeuvre ici.
Alexeï Choulgine
« Form Art » de Shulgin en 1997 est une autre archive importante de l'ère du net.art. Il a utilisé des boutons et des boîtes HTML pour créer des compositions monochromes qui ont servi d'étude sur la mécanique du HTML lui-même. Cependant, « Form Art » est devenu une œuvre d’art plus lyrique et abstraite, exposant le squelette d’Internet d’une manière jamais vue auparavant. Shulgin a déclaré : « Les mettre en évidence était une déclaration du fait qu'un ordinateur n'est pas une couche « transparente » invisible à prendre pour acquis, mais quelque chose qui définit la façon dont nous sommes obligés de travailler et même de penser. visiter l'oeuvre ici.
Durant cette période, les artistes du net.art ont pu concevoir un nouvel univers émotionnel, existant aux côtés des espaces émotionnels physiques que nous habitons, pour finalement devenir l'infrastructure numérique dans laquelle nous naviguons aujourd'hui. La nature hybride d’Internet, où toutes les formes d’art peuvent cohabiter – images, textes, vidéos, sons, etc. – a eu un impact au cœur du processus de création. Il n'y avait plus de séparation entre l'endroit où vous créez, collaborez, concevez et promouvez ; tout s'est passé sur Internet. L'idée selon laquelle Internet pourrait s'adapter à tous les aspects du processus créatif a influencé à la fois les œuvres elles-mêmes et la réaction du public à leur égard.
“le bureau est“, Alexeï Shulgin, 1997
Joséphine Bosma, critique et théoricienne spécialisée dans l'art dans le contexte d'Internet, a déclaré :
« Pour placer le net.art dans la bonne perspective, l’histoire de l’art doit être partiellement réécrite. Au cours de ce siècle, l’accent a été mis sur le statut marchand des œuvres d’art. Inévitablement, cette tendance a exclu certains arts et artistes qui ne répondaient pas à des critères connexes. Peut-être que net.art nous offre l’opportunité de repenser les critères selon lesquels l’art est valorisé. Bien entendu, net.art n’est pas un objet facilement perceptible. Une grande partie de l’art sur Internet semble très dispersée en raison de l’utilisation de médias multiples et de son caractère éphémère. Pour en faire l’expérience, il faut être un fervent adepte de la net.culture.
La vision de Bosma de l’impact de la qualité de l’espace Internet sur les arts est encore incroyablement précieuse aujourd’hui. Ce qu’elle a appelé net.culture en 1998 résonne avec nous tous – artistes et consommateurs d’art – peut-être plus que jamais. Alors que nous parcourons cette épaisse couverture médiatique à travers les plateformes sociales et le Web dans son ensemble, il est inévitable que nous nous demandions où nous allons ensuite. Peut-être devrions-nous suivre les conseils de Bosma et réécrire l’histoire de l’art.
Comment catégoriser l’art dans le contexte d’Internet ? Est-il encore nécessaire de catégoriser les différentes formes d’art ? Net.art a rendu presque inutile la distinction entre ce qui est de l’art et ce qui ne l’est pas. Bosma conclut donc que les artistes qui ne souhaitent pas décrire leur travail comme de l’art peuvent éviter de limiter les discussions sur la pertinence et la valeur de leur travail au sein d’un « marché de l’art ». Alors que de nombreux artistes du net.art ont préféré rester invisibles, se dissolvant dans leurs œuvres éphémères et temporaires sur internet, Bosma nous a laissé une réflexion importante : après tout, l'art ne profite-t-il que de cette obscurité ?
“Manifeste cyberféministe pour le 21e siècle“, Matrice VNS, 1991
“brandon“, Shu Lea Cheang, 1998
“image mobile“, Kit Galloway, Sherrie Rabinowitz et collaborateurs, 1975
“Été“, Olia Lialina, 2013
Beaucoup de choses ont changé depuis 1998, mais Internet reste un endroit où les murs sont constamment abattus et reconstruits. De nouveaux langages visuels sont écrits chaque jour, ajoutant du carburant à notre expérience numérique partagée vertigineuse, révélant davantage de nous-mêmes à travers des couches éditées et éphémères. Comment l’art peut-il nous aider à comprendre les mécanismes en constante évolution de l’expression créative ?
Après tout, Internet est-il notre meilleur allié lorsqu’il s’agit de créer de l’art ?
Les références:
