par Stéphanie Wruck | 19 août 2021 | Article
Perception:
effet de percevoir, de comprendre le sens de quelque chose à travers les sens.
L'acte d'observer ce qui nous entoure se produit chaque jour automatiquement et immédiatement, quels que soient les espaces dans lesquels nous sommes insérés ; que ce soit dans un musée, à l'intérieur ou en se promenant dans les rues de la ville. À partir de ces observations, il est possible d’attribuer des significations à certaines situations et circonstances.
Partant de cette idée, quels sont les avantages de remettre en question nos propres processus de regard sur les œuvres artistiques ?
Le thème de l'époque est la perception, contextualisée dans les mécanismes du regard. L’exercice d’observation d’une œuvre d’art peut se dérouler d’innombrables manières, générant des résultats différents sur l’œuvre elle-même mais aussi sur l’observateur.
Notre capacité à attribuer un sens aux œuvres artistiques peut se développer plus profondément lorsque nous sommes attentifs à nos propres processus d’observation. Quelle est la différence entre l’attribution de significations et une compréhension authentique et organique ?
Il existe des images qui fonctionnent comme un moyen de donner un sens à des situations et à des scénarios, et d’autres qui offrent une compréhension automatique de ce qui n’était pas auparavant mâché pour notre consommation. Dans ce cas, quel serait le rôle de l’observateur dans la production de significations pour les œuvres d’art ?
Nos perceptions interfèrent également dans la production de nos souvenirs, fusionnant les informations d'imagerie et créant de nouveaux langages et significations. Nos champs imaginaires sont donc en constante évolution. Est-il possible de cultiver notre propre mécanisme de regard pour devenir plus profond et plus significatif ?
Au cours des prochaines semaines, nous proposerons des exercices du regard, enquêterons sur notre rapport au regard que nous portons sur les œuvres d'art et illustrerons le thème en apportant des œuvres d'artistes qui dialoguent avec ces questions.
Image : Marco Tirelli
par Stéphanie Wruck | 30 avril 2021 | Article
Eduardo Politzer est un sound designer et artiste brésilien de Rio de Janeiro et aujourd'hui nous lui parlons de son œuvre numérique « Labirinto ».
C'est une invitation à mettre vos écouteurs, à vous perdre, à vous redécouvrir et, espérons-le, à rêver. Politzer a créé un nouvel espace numérique rempli de sons, de souvenirs, de rêves, de poèmes et de pensées libres. En parcourant le labyrinthe, en cliquant sur des hyperliens qui vous redirigent vers différents coins, vous tracez votre propre chemin. Parfois, le labyrinthe peut être profondément émouvant et personnel, d’autres fois, il peut être relaxant et amusant.
Nous avons eu l'occasion de parcourir avec lui le labyrinthe d'Eduardo, en posant des questions tout au long du parcours. Il a partagé avec nous à quoi ressemblait le processus de création de l’œuvre et ce qu’il a appris de cette expérience.
« Mettez vos écouteurs.
Perdez-vous, rêvez.
Quand tu réalises que tu es dans un labyrinthe
c'est parce que tu es là depuis longtemps.
Mais ne te précipite pas,
Peut-être apprendrez-vous quelque chose en cours de route.
Peut-être que tu trouveras quelque chose de précieux,
Peut-être que vous apprendrez quelque chose de précieux sur vous-même,
Peut-être,
Peut-être que tu te réveilleras avec un sentiment,
Peut-être que votre cerveau utilise ce temps pour simuler différentes situations.
Éliminer ce qui a peu d’importance.
Pour préparer quelque chose dans le futur.
Dans ce labyrinthe vous trouverez des personnages et des lieux,
Son et image.
Du temps et de la réflexion.
Métaphysique et absurdité.
Je vais te raconter mes rêves
Et puis tu me dis le tien.
C'est un ornement
Un collier que l'on place au cou du temps,
Pour voir s’il s’apprivoise.
Nous vous invitons à explorer le labyrinthe par vous-même, à visiter ici. Cliquez sur ici pour visiter le site Web d'Eduardo. Suivez-le sur IG : @eduardopolitzer
par Stéphanie Wruck | 26 avril 2021 | Article
L’année dernière, la pandémie de COVID-19 a donné une place incontestable au travail dans les environnements numériques. Comme d’autres secteurs productifs, la création artistique a connu plusieurs adaptations au cours de cette période. Au Coletivo Amarelo, nous avons proposé au cours des deux dernières semaines une enquête historique sur la relation entre l'art et Internet, en suggérant des réflexions liées aux premières expériences technologiques et aux interventions du mouvement NetArt dans les années 90, souvent prédictives de la performance des artistes. dans un monde de plus en plus numérisé. . Les textes précédents sont disponibles sur notre blog sous la balise « Internet ». Cliquez ici pour lire notre dernier article sur le mouvement Net.Art.
Au cours des premiers mois de 2021, nous avons assisté à ce qui semblait être le déclencheur d’une nouvelle ère dans la relation entre l’art et Internet. Les éditions NFT ont envahi les réseaux sociaux et les groupes artistiques peu de temps après que la maison traditionnelle Christie's a mis aux enchères une œuvre d'art entièrement numérique pour 69 millions US$ (ou 382 millions R$).
“Tous les jours : les 5000 premiers jours“, de l'artiste numérique contemporain Beeple, a été adjugé 69 millions de dollars américains lors de la dernière vente aux enchères de Christie's Auction House.
L'œuvre est un collage d'illustrations quotidiennes que l'artiste a réalisées pendant 5 000 jours consécutifs (Image : Beeple/Christies disponible sur BBC.com)
Ce qui s'est passé? D'où vient-il? Est-ce une nouvelle tendance ?
Après près de deux décennies de spéculation instable, les portefeuilles de crypto-monnaie tels que Bitcoin ont particulièrement grimpé en flèche au cours de l’année écoulée. La valeur d’un seul Bitcoin est passée de 0,34 US$ à la mi-2010 à environ 50 000 US$ (soit environ 280 000 R$ – citation Google : Morningstar et Coinbase, requête du 23/04/2021).
Cependant, tous les types de produits n'ont pas eu la même possibilité d'être introduits sur le marché des crypto-monnaies, car le commerce monétaire qui a lieu dans le monde technologique a commencé à exiger une structure plus sûre, puisque l'ensemble de la transaction est effectué dans une monnaie qui n'est pas monétaire. existent dans le monde réel. Le système en ligne Blockchain a été créé à partir de ce besoin. Il s'agit d'une plate-forme qui fonctionne comme un échange de crypto-monnaie et sert à explorer, suivre, surveiller et enregistrer des transactions complexes.
Dans la Blockchain, chaque transaction est codée comme un lien immuable, et donc d'autres objets qui auraient besoin d'une valeur non échangeable dans des transactions plus sécurisées ont désormais été introduits dans le trading de cryptomonnaies, comme les œuvres d'art.
Mais que signifie « objets aux valeurs non interchangeables » ? Imaginez deux situations :
- Vous êtes dans une boutique et votre achat s'élève à $ 100. Vous avez la possibilité de payer avec deux billets de $ 50, 5 billets de $ 20 ou 10 billets de $ 10, etc. Par conséquent, la monnaie commune est mutuellement interchangeable (ou fongible).
- Disons que vous possédez trois maisons situées dans la même rue, une d'une valeur de $ 500 000 et deux autres d'une valeur de $ 250 000 chacune. Bien que leur prix soit proche, si hypothétiquement les deux maisons d'une valeur de $ 250 000 sont regroupées, elles n'auront pas forcément la même valeur stipulée que la maison d'une valeur de $ 500 000, même si les valeurs unitaires cumulées aboutissent à une valeur équivalente. En effet, chaque maison est unique et possède ses propres caractéristiques, c'est-à-dire qu'elle a des valeurs. mutuellement non interchangeables (ou non fongibles).
En ce sens, la Blockchain permet d’échanger des objets à valeur non échangeable contre des cryptomonnaies, en conservant un aspect fondamental : l’unicité. Pour cela, chaque objet sera lié à un lien immuable enregistré dans la Blockchain. Ces liens immuables sont appelés NFT (Non-fungible Token). Les NFT sont également capables de soutenir un autre aspect essentiel pour le marché de l'art : la notion de rareté, chargée de valoriser la pièce en tenant compte du nombre d'unités identiques existantes ou non. De plus, les NFT proposent un nouveau type d’inscription pour les artistes, puisque les liens immuables enregistrés sur la Blockchain peuvent contenir toutes les informations et spécifications techniques de l’œuvre réalisée dans un format « Smart Contract ».
Bref, la nouvelle révolution dans le monde et sur le marché de l'art permet de vendre 100% des œuvres sous forme numérique, formant un nouveau segment : le Crypto Art. Chaque image, vidéo, son, texte ou fichier logiciel, même s'il est unique ou en édition limitée. , il devient un NFT enregistré sur la Blockchain. En conséquence, chaque NFT sera tarifé et vendu en crypto-monnaie.
Extrait du travail vidéo NFT du graphiste américain Kii Arens basé sur une vraie maison en Californie.
Les enchérisseurs enchérissent sur ce NFT, le gagnant recevant également une propriété physique au 221 Dryden Street.
Après ce processus, le NFT dispose d'un contrat traçable avec le droit d'auteur le plus crédible, le plus sûr et le plus innovant. Par exemple, jusqu’à l’émergence du Crypto Art, un artiste ne percevait pas de pourcentage du bénéfice correspondant à la revente de son œuvre. Avec le Smart Contract, une clause peut lier un pourcentage obligatoire de transfert à l'auteur de l'œuvre en cas de revente du NFT. Noah David, spécialiste responsable de la première vente aux enchères NFT organisée chez Christie's, a déclaré que « le potentiel imposé par les NFT pour rompre avec le modèle traditionnel des enchères d'art est immense ».
Pourtant, ce sont toujours des fichiers numériques, alors n’importe qui peut-il les avoir ? En théorie oui, en pratique non, car seuls ceux qui possèdent le NFT possèdent l’œuvre. Le propriétaire légitime sera assuré dans le registre Blockchain.
Il convient de rappeler que le Crypto Art est fortement influencé par les jeux vidéo (d'ailleurs, une niche de design visuel qui a récemment acquis la position bien méritée de production à contenu artistique). En d’autres termes, l’apparence présentée présente des caractéristiques futuristes qui rappellent même les interventions prédictives de NetArt.
"Dieux en haute résolution», de l'artiste canadien Grimes. L'œuvre a un look futuriste inspiré des jeux.
Le NFT a été vendu aux enchères pour $ 77 000 (Image : Grimes/Niftygateway)
Finalement, c’est dans ce contexte de congruence exercée par un environnement technologique aux possibilités infinies associé à une situation globale de protagonisme numérique, que s’installe une nouvelle ère pour l’art et Internet. Crypto Art propose une réintégration de l'avant-garde des années 90. Un reboot. C’est à nous, artistes, de réfléchir à notre propre conservatisme par rapport aux avancées de l’art avec la technologie. Le Crypto Art s’impose non seulement comme une tendance, mais comme un mouvement. Il est naïf de croire à l’illégitimité du mouvement en se basant uniquement sur le fait que cet art « n’existe pas » dans la vraie vie. Après tout, si le numérique existe, c’est parce que nous l’avons créé, en l’inscrivant dans notre réalité. L’art remplit ainsi son rôle de catalyseur de nouvelles lectures de ces réalités.
LES RÉFÉRENCES:
Vente extraordinaire – BBC News Brésil
Le fichier JPG se vend 69 millions – New York Times
Une œuvre d’art NFT vendue avec une maison physique en Californie – Dezeen
par Stéphanie Wruck | 15 avril 2021 | Article
Net.Art est apparu au début des années 1990, lorsqu'un groupe d'artistes a commencé à explorer les possibilités offertes par Internet : de la promotion de leur travail à l'utilisation de logiciels et de navigateurs pour créer de nouvelles œuvres. Ces artistes ont rapidement compris l'importance d'Internet comme outil pour redécouvrir la valeur intrinsèque de l'art, déconnecté des mécanismes du marché de l'art, déplaçant l'attention de l'objet vers le processus.
Les travaux réalisés durant cette période illustrent l'esprit dynamique et collaboratif d'Internet au sein du processus créatif. Internet était un nouveau territoire dans lequel les artistes pouvaient explorer les possibilités de nouveauté qui existaient au-delà des espaces physiques. Cette liberté totale des intermédiaires placés par les institutions artistiques sur le travail de l'artiste et la polyvalence d'Internet comme médium ont transformé le mouvement net.art en révolution. Cela remettait en question la manière dont l’art était créé, échangé, promu et exposé.
LES ARTISTES
Nous avons rassemblé trois artistes notables liés au mouvement net.art, soulignant l'importance de leur travail.
Olia Lialina
Pionnière du mouvement net.art, Lialina est surtout connue pour son œuvre sur navigateur de 1996 « My Boyfriend Came Back From The War ». Elle peut naviguer en cliquant sur différentes parties de l'écran pendant qu'un récit se développe. L'histoire parle d'un couple réuni après la guerre et de leur difficulté à se reconnecter émotionnellement. Elle avoue une liaison avec le voisin tandis qu'une demande en mariage surgit. Cette pièce cinématographique et granuleuse de type GIF a influencé de nombreux artistes ultérieurs qui ont expérimenté les navigateurs et les logiciels. visiter l'oeuvre ici.
Mouchette
Mouchette est l'œuvre créée pour la première fois en 1996 par l'artiste Martine Neddam, basée à Amsterdam. Elle invite le spectateur à naviguer à travers un labyrinthe de sites HTML sur la vie turbulente d'un adolescent aux prises avec le suicide et un traumatisme. La pièce est sombre mais humoristique et amusante, nous laissant deviner ce qui pourrait se passer ensuite. Au moment de la création de l’œuvre, les utilisateurs ont trouvé des instructions pour la trouver via un robot interactif, des quiz et des e-mails. La participation du public était un élément central du travail, créant un espace auquel nous pouvions tous participer. Les utilisateurs pouvaient également soumettre leurs propres œuvres d'art via le site Web de Mouchette. visiter l'oeuvre ici.
Alexeï Choulgine
« Form Art » de Shulgin en 1997 est une autre archive importante de l'ère du net.art. Il a utilisé des boutons et des boîtes HTML pour créer des compositions monochromes qui ont servi d'étude sur la mécanique du HTML lui-même. Cependant, « Form Art » est devenu une œuvre d’art plus lyrique et abstraite, exposant le squelette d’Internet d’une manière jamais vue auparavant. Shulgin a déclaré : « Les mettre en évidence était une déclaration du fait qu'un ordinateur n'est pas une couche « transparente » invisible à prendre pour acquis, mais quelque chose qui définit la façon dont nous sommes obligés de travailler et même de penser. visiter l'oeuvre ici.
Durant cette période, les artistes du net.art ont pu concevoir un nouvel univers émotionnel, existant aux côtés des espaces émotionnels physiques que nous habitons, pour finalement devenir l'infrastructure numérique dans laquelle nous naviguons aujourd'hui. La nature hybride d’Internet, où toutes les formes d’art peuvent cohabiter – images, textes, vidéos, sons, etc. – a eu un impact au cœur du processus de création. Il n'y avait plus de séparation entre l'endroit où vous créez, collaborez, concevez et promouvez ; tout s'est passé sur Internet. L'idée selon laquelle Internet pourrait s'adapter à tous les aspects du processus créatif a influencé à la fois les œuvres elles-mêmes et la réaction du public à leur égard.
“le bureau est“, Alexeï Shulgin, 1997
Joséphine Bosma, critique et théoricienne spécialisée dans l'art dans le contexte d'Internet, a déclaré :
« Pour placer le net.art dans la bonne perspective, l’histoire de l’art doit être partiellement réécrite. Au cours de ce siècle, l’accent a été mis sur le statut marchand des œuvres d’art. Inévitablement, cette tendance a exclu certains arts et artistes qui ne répondaient pas à des critères connexes. Peut-être que net.art nous offre l’opportunité de repenser les critères selon lesquels l’art est valorisé. Bien entendu, net.art n’est pas un objet facilement perceptible. Une grande partie de l’art sur Internet semble très dispersée en raison de l’utilisation de médias multiples et de son caractère éphémère. Pour en faire l’expérience, il faut être un fervent adepte de la net.culture.
La vision de Bosma de l’impact de la qualité de l’espace Internet sur les arts est encore incroyablement précieuse aujourd’hui. Ce qu’elle a appelé net.culture en 1998 résonne avec nous tous – artistes et consommateurs d’art – peut-être plus que jamais. Alors que nous parcourons cette épaisse couverture médiatique à travers les plateformes sociales et le Web dans son ensemble, il est inévitable que nous nous demandions où nous allons ensuite. Peut-être devrions-nous suivre les conseils de Bosma et réécrire l’histoire de l’art.
Comment catégoriser l’art dans le contexte d’Internet ? Est-il encore nécessaire de catégoriser les différentes formes d’art ? Net.art a rendu presque inutile la distinction entre ce qui est de l’art et ce qui ne l’est pas. Bosma conclut donc que les artistes qui ne souhaitent pas décrire leur travail comme de l’art peuvent éviter de limiter les discussions sur la pertinence et la valeur de leur travail au sein d’un « marché de l’art ». Alors que de nombreux artistes du net.art ont préféré rester invisibles, se dissolvant dans leurs œuvres éphémères et temporaires sur internet, Bosma nous a laissé une réflexion importante : après tout, l'art ne profite-t-il que de cette obscurité ?
“Manifeste cyberféministe pour le 21e siècle“, Matrice VNS, 1991
“brandon“, Shu Lea Cheang, 1998
“image mobile“, Kit Galloway, Sherrie Rabinowitz et collaborateurs, 1975
“Été“, Olia Lialina, 2013
Beaucoup de choses ont changé depuis 1998, mais Internet reste un endroit où les murs sont constamment abattus et reconstruits. De nouveaux langages visuels sont écrits chaque jour, ajoutant du carburant à notre expérience numérique partagée vertigineuse, révélant davantage de nous-mêmes à travers des couches éditées et éphémères. Comment l’art peut-il nous aider à comprendre les mécanismes en constante évolution de l’expression créative ?
Après tout, Internet est-il notre meilleur allié lorsqu’il s’agit de créer de l’art ?
Les références:
