Il était temps : Dárida Rodrigues

par Stéphanie Wruck | 21 décembre 2021 | Article

Pour poursuivre notre discussion sur le temps, nous avons discuté avec l'artiste Dárida Rodrigues, originaire de São Paulo. Ses recherches se matérialisent à travers des installations audiovisuelles, des promenades audio, des performances et des sites spécifiques comme une tentative d'enquêter sur l'art relationnel et la conscience humaine elle-même. Dárida a partagé avec nous l'expérience de la création en isolement, le rôle du temps dans la pratique artistique et sa relation personnelle avec le passage du temps.

Je voudrais commencer par parler de l’intentionnalité derrière votre travail sur « l’allongement du temps » pour regarder de plus près notre environnement et ce qui vit également en nous. D’où vient ce besoin d’unir pratique artistique et méthodes méditatives ?

D: Eh bien, j'ai l'impression que le temps, ou plutôt le temps qui passe, est l'une des seules constantes de notre expérience, alors que tout change. Et la possibilité que le temps « s’arrête, s’étire ou s’envole » en fonction de notre perception de chaque expérience particulière m’a toujours beaucoup intéressé. Je pense que ce phénomène de changement de perception et, surtout, la relation qui s'établit entre celui-ci et nos états mentaux et émotionnels, est aussi une des choses qui m'ont toujours connecté aux pratiques méditatives depuis longtemps. 

Je pense donc que cette ouverture d'un espace intérieur où la temporalité se déploie dans d'autres configurations possibles et qui permet simultanément d'habiter plus pleinement le moment présent, que j'ai beaucoup exploré par la méditation, de vider même pour quelques secondes l'esprit traverse aussi mon le travail, je pense, avant l'intentionnalité. C'est vraiment un écart qui m'attire comme enquête et que je m'intéresse à explorer dans cette transposition de territoires entre l'art et la vie, peut-être parce que, du moins pour moi, ces domaines méditatifs, ou spirituels, si l'on veut, sont aussi le domaine où l'art opère. Il est devenu naturel d’intégrer, voire de subvertir, des méthodes méditatives lorsqu’on tente de créer des relations entre la subjectivité, le temps et l’espace.

Sa dernière œuvre « Vice-Versa » explore cette idée de mouvement des affections qui relient l'intérieur et l'extérieur, la réception et l'expression d'informations et d'images… Et l'œuvre a également fini par illustrer le passage du temps à travers l'observation du flux de personnes dans la rue et interactions avec l’œuvre elle-même. Qu’avez-vous retenu de l’expérience de création de l’œuvre « Vice-Versa » ? 

D: Je suis toujours en train de traiter cette récolte… car le travail a mis au jour de nombreuses couches intéressantes à observer. Mais je peux dire que cette impulsion à tenter une inversion de point de vue, en profitant de cette relation entre l'intérieur et l'extérieur qu'offre l'espace de la vitrine et de la rue, grâce à la ressource de la vidéo projetée, permet bien d'autres relations. à établir et à développer. confronter, comme par exemple celui du temps avec l'espace, dans le miroir inversé qui ne reflète pas directement l'observateur, créé à travers la vidéo et qui attire beaucoup notre attention pour la possibilité de vivre 2 ou plusieurs temporalités simultanément , comme ce qui se passait à l'intérieur, ce qui se passait à l'extérieur, dans le moment présent et ce qui se passait dans ce qui était vu en action dans la performance vidéo/miroir projeté, qui apportait encore d'autres vitesses, répétitions et interventions et qui médiatisait ces différentes relations entre les sujets, les plantes, les passants du présent et l'image. Je pense que cela vaut la peine d’explorer davantage cet espace-temps relationnel.

Son autre œuvre [Des]segredo proposait une trajectoire d'un chemin cartographié pour parcourir l'œuvre dans un certain espace. Comment les œuvres in situ manipulent-elles notre perception du temps ?

D: En train de créer [Des]segredo, qui était aussi un projet de maître, le mur audio À Luz, développé pour un voyage spécifique dans le bâtiment des Beaux-Arts de Lisbonne, qui est un bâtiment très ancien, de matérialité historique, où l'on se sent le poids non seulement matériel mais aussi temporel ; il était intéressant d'explorer la proposition d'une dérive intérieure (ou méditative) par déplacement dans l'espace, comme processus d'approche d'un lieu commun d'une relation de un à un, autour de l'idée du Secret, qui a été proposée à la fin. 

A partir de ce paysage sonore apporté par les instructions vocales, vécu et recréé au présent lors de la marche dans l'espace et aussi à travers les temporalités subjectives qui se produisent à l'instant, pour chaque participant, j'ai également pu observer comment se faisait un voyage espace/temps spécifiquement exister dans un espace dans un cadre artistique, peut non seulement influencer (ou manipuler) notre perception du temps mais aussi être influencé par celui-ci. C'est parce que je sens que les œuvres in situ sont intrinsèquement liées à l'espace, en même temps qu'elles ouvrent, à travers cette possibilité de manifestation d'un espace temporel subverti, à des interventions et des transformations de celui-ci et en ce sens , ils sont très intéressants dans cette exploration de l’univers intérieur et relationnel en dialogue avec la temporalité.

L’œuvre [In]surge, créée pendant le confinement, est une autre œuvre d’immersion auditive. L’une de nos questions sur le thème du temps est d’étudier comment le manque ou l’abondance de temps affecte les processus de création. Comment s’est passée la création de cette œuvre pendant une période d’isolement ?

D: C'était, pour le moins, un bon exercice de questionnement, à tel point qu'au début j'intitulais la série [In]Surge « Exercices pour « Toucher le devenir, Embrasser la douleur et Mâcher le réel ».

Moi qui avais décidé de transgresser en quelque sorte, dans le domaine de l'art, certaines méthodes méditatives, en proposant du déplacement, de la distraction, une poétique qui m'impliquait personnellement dans les textes et dans les audios, du coup j'ai senti que la vie demandait, avant tout, digérer, avec une limitation d’espace et de mouvement sans précédent, une réalité dystopique et incertaine, où ces méthodes de méditation « conventionnelles », bien que très utiles physiologiquement, ne me semblaient pas avoir beaucoup de sens à ce moment-là. C'était vraiment une nécessité de les intégrer au processus de création. J'ai donc commencé à écrire ces instructions audio pour travailler avec les possibilités d'une abstraction méditative et sensorielle de cette condition d'enfermement et de la soudaine pseudo-abondance du temps et de l'impossibilité de mouvement, avec toutes les émotions et questions qui surgissaient et surgissaient en interne.

Est-il possible pour les artistes de profiter de la nature ésotérique du processus de création dans un monde extrêmement rapide comme celui dans lequel nous vivons aujourd’hui ?

D: Oui, il est difficile de penser ce qui n’est pas possible en termes d’art. Mais personnellement, je pense qu'il est essentiel de se laisser exister dans la vie et dans l'art de la manière la plus intégrale possible pour chacun, afin de ne pas se laisser totalement engloutir ou capturer par la vie extrêmement capitalisée et médiatisée qui caractérise la vie instituée. Un « humanisme » imparfait, mais accéléré aujourd’hui. Et je pense que cet univers ésotérique, spirituel ou transpersonnel est bien plus large et présent dans notre expérience subjective que ce que nous imaginons ou intellectualisons souvent, d'autant plus que nous opérons presque toujours au sein de la pensée hégémonique occidentale, où nous avons du mal à faire place à ce qui ne l'est pas. peut être configuré par ces paramètres et nous ne sommes donc pas connectés aux possibilités d'intuition et de création de rituels ou de sorts naturels et non « surnaturels », pour explorer notre univers intérieur et inventer d'autres réalités. Le domaine artistique est selon moi un terrain très fertile pour cette exploration. Une grande partie de ce que nous considérons comme faisant partie de la nature ésotérique et qui n’est pas lié à la pensée rationnelle que nous connaissons peut être une pratique courante pour certaines autres communautés et espèces, par exemple. Si nous voyons ou faisons de l’art uniquement du point de vue de notre culture (souvent limitée), nous laisserons toujours de côté les expériences et expériences qui peuvent être fondamentales pour exister et qui sait, pour s’épanouir concrètement et politiquement dans le présent. Je ne vois pas l'espace/temps plus réceptif à cela que l'art.

Hilma de Klint

par Stéphanie Wruck | 13 décembre 2021 | Article

Pour commencer notre discussion autour du thème du TEMPS, nous apportons aujourd'hui le travail de l'artiste Hilma af Klint, qui a créé plus de 150 peintures entre les années 1906 et 1915. Ces peintures étaient appelées « Les peintures du Temple » et se composent principalement de des images de formes abstraites et organiques inspirées de la géométrie de la nature. L'œuvre de Klint présente un monde au-delà de celui que nous connaissons ; qui transcende son époque actuelle et remet en question la façon dont nous observons la réalité.

Klint envisageait un temple qui abriterait les peintures et le décrivait dans l'un de ses nombreux journaux intimes comme un « bâtiment rond, où les visiteurs monteraient un escalier en colimaçon pour un voyage spirituel ». La description de Hilma est extraordinaire, puisqu'elle décrit le musée Solomon R. Guggenheim de New York, qui ne sera construit que des décennies plus tard et qui sera également le musée hôte de son exposition personnelle « Peintures pour le futur » en 2018. Frank Lloyd Wright, l'architecte du Guggenheim, a créé un lieu non traditionnel pour l'art non objectif, et lui et Klint partageaient une affinité pour les formes organiques et le symbolisme spirituel entourant la spirale. La vision architecturale de Wright et les peintures de Klint rompaient avec la tradition, offrant une nouvelle approche de l'expression créative.

Le mysticisme de Klint implique de nombreux intérêts pour l'occultisme, la théosophie, le spiritualisme et les concepts scientifiques. Les peintures du temple témoignent d’esprits supérieurs et l’artiste a passé près d’une décennie à y travailler. Ses peintures abstraites ont changé le cours de l’histoire de l’art et ont posé la question : quel est le rôle du temps dans le processus ésotérique de création artistique ?

Comment les artistes peuvent-ils manipuler le passage du temps à travers leurs pratiques ?

Temps

par Stéphanie Wruck | 10 décembre 2021 | Article

Quel est le rôle de la temporalité dans la démarche artistique ?

Le concept de temps a été au centre de l'expression artistique, depuis les traits rapides des impressionnistes jusqu'à l'observation du temps par Bruce Nauman en relation avec l'espace ; le temps a servi à la fois de catapulte pour l’émergence de nouveaux points de vue et de sujet d’investigations plus approfondies. La façon dont les artistes appréhendent le temps dans le contexte de leur pratique a toujours reflété la dynamique entre l'artiste et les exigences extérieures du monde, que ce soit par la contemplation ou l'intervention.

Alors que nous vivons dans un monde en constante évolution et au rythme extrêmement rapide et que nos expériences sociales sont médiatisées par des exigences frénétiques, comment le manque ou l’abondance de temps affecte-t-il la pratique artistique ?

Quelques points principaux à considérer :

La temporalité dans le processus de production artistique

Premièrement, il est important de réfléchir à la manière dont le temps est entré dans la pratique artistique et à la manière dont les artistes tentent de représenter la nature abstraite et invisible du temps à travers les arts visuels. Deuxièmement, l’acte de contempler une œuvre d’art est également interchangeable, dans la mesure où l’œuvre elle-même évolue au fil du temps, acquérant de nouvelles perceptions et significations. Nagel et Wood (2010) soutiennent que les œuvres d’art « habitent toujours des temporalités plurielles », dans la mesure où une œuvre d’art est réalisée par quelqu’un à un moment donné, mais se réfère à des idées ou à des événements qui ont souvent précédé ce moment, ou pointent vers un imaginaire. avenir. (Serafini et Banques).

Pratique artistique orientée portfolio

Alors que les artistes travaillent dans des conditions de plus en plus limitées dans le temps, devant être autonomes et produire des œuvres pour des formats et des plateformes spécifiques (un portfolio, un site Web ou des médias sociaux), reste-t-il de la place pour les surprises et les lentes expérimentations ?

À mesure que nos environnements numériques deviennent plus complexes, la nécessité de produire des œuvres adaptées à l’époque actuelle semble être la seule manière « correcte » de créer de l’art. Mais si les sujets pertinents changent constamment et qu’il est impossible de suivre leur rythme, reste-t-il du temps pour permettre aux idées de se développer de manière organique ? Comment les artistes peuvent-ils tirer parti de la nature ésotérique – et souvent lente – du processus créatif dans le monde d'aujourd'hui ?

Manque de temps pour regarder l'art

Le manque de temps en matière d’arts visuels a un impact non seulement sur le créateur, mais aussi sur le spectateur. Quant au spectateur, a-t-il encore suffisamment de temps pour des exercices de contemplation ? Quel est le moment idéal pour l’expérience esthétique ?

Restez à l’écoute dans les semaines à venir alors que nous approfondirons ces questions et d’autres plus liées au temps et à l’art.

Sources:

Nagel, Alexander et Wood, Christopher (2010) : Renaissance anachronique, New York : Zone Books.

Serafini, Paula & Banks, Mark (2020) : Vivre des vies précaires, du temps et de la temporalité dans les carrières en arts visuels

Perception

par Stéphanie Wruck | 19 août 2021 | Article

Perception:

effet de percevoir, de comprendre le sens de quelque chose à travers les sens.

L'acte d'observer ce qui nous entoure se produit chaque jour automatiquement et immédiatement, quels que soient les espaces dans lesquels nous sommes insérés ; que ce soit dans un musée, à l'intérieur ou en se promenant dans les rues de la ville. À partir de ces observations, il est possible d’attribuer des significations à certaines situations et circonstances. 

Partant de cette idée, quels sont les avantages de remettre en question nos propres processus de regard sur les œuvres artistiques ? 

Le thème de l'époque est la perception, contextualisée dans les mécanismes du regard. L’exercice d’observation d’une œuvre d’art peut se dérouler d’innombrables manières, générant des résultats différents sur l’œuvre elle-même mais aussi sur l’observateur. 

Notre capacité à attribuer un sens aux œuvres artistiques peut se développer plus profondément lorsque nous sommes attentifs à nos propres processus d’observation. Quelle est la différence entre l’attribution de significations et une compréhension authentique et organique ? 

Il existe des images qui fonctionnent comme un moyen de donner un sens à des situations et à des scénarios, et d’autres qui offrent une compréhension automatique de ce qui n’était pas auparavant mâché pour notre consommation. Dans ce cas, quel serait le rôle de l’observateur dans la production de significations pour les œuvres d’art ? 

Nos perceptions interfèrent également dans la production de nos souvenirs, fusionnant les informations d'imagerie et créant de nouveaux langages et significations. Nos champs imaginaires sont donc en constante évolution. Est-il possible de cultiver notre propre mécanisme de regard pour devenir plus profond et plus significatif ? 

Au cours des prochaines semaines, nous proposerons des exercices du regard, enquêterons sur notre rapport au regard que nous portons sur les œuvres d'art et illustrerons le thème en apportant des œuvres d'artistes qui dialoguent avec ces questions. 

Image : Marco Tirelli