par Stéphanie Wruck | 22 novembre 2022 | nouvel artiste
Comment s'initier à l'art ? Cette question quelque peu subjective est abordée par l'un des artistes les plus récents à rejoindre le Coletivo Amarelo, Gianlluca Carneiro. L'artiste et enseignant brésilien est directement impliqué dans des projets de citoyenneté et d'éthique et, en classe, il a trouvé des moyens d'initier ses élèves à la politique à travers l'éducation par l'art.
Rencontrez Gianlluca Carneiro et sa vision de l'éducation artistique
Dans son portfolio, Gianlluca partage un peu son histoire. Né à Minas Gerais, au Brésil, l'artiste plasticien est également professeur d'histoire au réseau municipal de Cariacica, à Espírito Santo. De plus, Gianlluca est titulaire d'une licence en droit et a étudié l'art et l'éducation au CEFART de Belo Horizonte.
Dès son plus jeune âge, plus précisément dès l'âge de 6 ans, Gianlluca s'est manifesté comme artiste à travers la peinture. Depuis lors, sa carrière s'étend sur plus de 20 ans, présentant son art dans différentes expositions à Minas Gerais, São Paulo et Espírito Santo. Sans oublier les publications dans des revues et expositions de renommée nationale et internationale, comme son œuvre « Humor Azul, Coração Azul » qui a été finaliste à la Doncaster Art Fair.
Gianlluca Carneiro appelle son univers artistique Cabeça Vazia, une pièce de théâtre sur le dicton populaire « une tête vide est l'atelier du diable ». Selon ses propres mots : « L'important est que cette tête vide soit pleine et occupée à produire des œuvres avec des couleurs, des traits et des compositions colorées et chaotiques, toujours soutenues par une critique des structures politiques et sociales et du mode de vie contemporain ».
L’artiste contemporain s’inscrit dans les discussions les plus récentes présentes à travers le monde. L’un d’eux est l’importance de repenser le système actuel d’éducation artistique.
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Documenta est l'une des plus grandes expositions d'art contemporain au monde et a lieu tous les cinq ans dans la ville de Kassel, en Allemagne. L'exposition a été créée en 1955 par Arnold Bode, dans l'Allemagne d'après-guerre. Une partie de sa motivation venait de la nécessité de revenir à l'art interdit par le nazisme et de réintroduire le pays aux dernières tendances internationales. Depuis, l'exposition Documenta 15 est devenue une institution majeure dans le monde de l'art.
En 2022 a eu lieu la 15e édition de l'exposition, organisée par le collectif ruangrupa de Jakarta, en Indonésie. Le collectif a basé Documenta sur les valeurs et les idées d'un terme très courant en Indonésie, lumbung, qui signifie quelque chose comme « grenier à riz communautaire ». L'idée d'utiliser ce terme comme modèle artistique et économique repose sur des principes tels que la collectivité, la construction conjointe des ressources et leur répartition équitable.
Dans cette édition, plusieurs points résonnent et l'un d'eux dialogue directement avec l'art et le positionnement actif de Gianlluca Carneiro, qui est de repenser les structures de l'éducation artistique contemporaine. Dans l'exposition, cela se traduit par l'idée de collectif et se demande pourquoi nous ne pouvons pas apprendre les uns des autres, brisant les paradigmes, comme la figure d'autorité de l'enseignant ?
Cette idée de transformer l'éducation s'exprime dans la Documenta 15 à travers l'art de *foundationClass, un collectif formé en 2016 à la Weißensee Kunsthochschule Berlin (KHB). Le collectif est apparu comme une plate-forme éducative pour l'art et une boîte à outils créée pour faciliter la vie des immigrants touchés par le racisme en Allemagne.
Pour approfondir ce concept d'éducation artistique collective et mieux connaître l'artiste, le Coletivo Amarelo a réalisé un entretien avec Gianlluca Carneiro. Lisez un extrait de notre conversation, que nous avons ouverte par un discours de l'artiste qui fédère toute cette réflexion derrière l'éducation artistique et ce potentiel inexploité.
Gianlluca : Je vois chez mes élèves beaucoup de potentiel artistique qui n’est pas vraiment exploité au sein de l’école et moi, en tant qu’enseignant et artiste, j’essaie de leur apporter cela à tout moment. Apporter quoi ? Apporter des idées pour éveiller quelque chose en eux, démystifier cette idée selon laquelle l'art n'est qu'au musée, alors qu'en fait on fait de l'art tout le temps. Et utilisez-le pour débattre de politique
Collectif Jaune : Y a-t-il des obstacles au sein de l’école pour introduire ces nouveaux modèles ? Quelle est la résistance ?
Gianlluca : Le plus fou dans tout ça, c'est que je fais partie d'un projet appelé Ensina Brasil, destiné aux zones de vulnérabilité sociale, et par hasard je me suis retrouvé dans une école où se trouvent des militaires. Pendant un moment, j'ai pensé que ce serait un frein, mais j'arrive à approfondir le sujet de la politique, sans discours superficiels et aussi sans partisanerie. Mais faire cela en utilisant l’art rend même le processus plus facile au sein de l’école, aussi incroyable que cela puisse paraître.
Collectif Jaune : La figure de l'enseignant est un lieu de confort, de sécurité, où « il n'y a pas de questions stupides », un espace moins intimidant… Vous, en tant qu'enseignant, quels conseils donneriez-vous à ceux qui veulent se lancer dans l'art, en savoir plus sur l'art, mais vous ne savez pas par où commencer ou peut-être vous sentez-vous timide ?
Gianlluca : Le détachement de l'art vient parfois de langages très complexes, difficiles pour nous à présenter les gens… Je vais vous donner un exemple de quelque chose qui m'est arrivé cette semaine. J'ai organisé un concours d'art à l'école, j'ai souligné qu'il y aurait un prix, mais que ce n'était pas pour encourager cette compétitivité agressive, mais pour stimuler la création.
Un de mes élèves en éducation spécialisée, il a un œil de verre, une basse vision et il a remporté le concours de dessin. C'était un stand à l'extérieur, son sourire était quelque chose d'incroyable. Une autre étudiante, avec une très faible estime d'elle-même, a remporté le concours de peinture et elle n'a jamais pu voir ce qu'elle faisait. Il disait toujours que tout ce qu'il faisait était de la merde*… Cela m'a montré une fois de plus que l'art est ce que nous faisons de la manière la plus authentique possible.
Le chemin pour commencer est certes compliqué, mais aujourd'hui nous avons tellement de nouvelles formes, des collectifs comme le Coletivo Amarelo, des propositions alternatives, des lieux qui nous reçoivent plus ouvertement et qui nous encouragent à faire des choses. C'est pour ceux qui commencent à faire de l'art, à consommer, à en vivre. Aussi banal que cela puisse paraître, le secret est de s'y jeter à fond.
Collectif Jaune : Ce que vous avez dit sur l’accès actuel à tant d’outils et d’informations fait parfois peur aussi. Parce que peut-être que ça rend un peu la personne sans savoir par où commencer ou sans comprendre où elle s'inscrit dans tout ça... Et on finit par oublier que la création artistique est un processus qui prend du temps, qu'il faut du temps, un temps vraiment lent. digestion. Le processus de l'artiste consistant à se reclus là-bas, à « attendre que quelque chose » se produise, est parfois extrêmement solitaire et très déroutant.
Gianlluca : C'est un processus qui prend beaucoup de temps. Et nous ne le faisons pas pour une galerie, nous le faisons parce que cela doit être fait. Je suis un peu folle… J'ai mon carnet de croquis, mes gribouillages… et les idées viennent, les couleurs, les formes, et à partir d'elles j'expérimente. La plupart du temps, cela n’arrive pas là où je le souhaite. Il y a des couches qui s'accumulent et, je n'ai pas peur, je ne planifie pas trop, je suis plutôt une personne d'action.
Des œuvres exclusives de Gianlluca sont disponibles dans notre boutique, découvrez-les !
par Stéphanie Wruck | 10 novembre 2022 | nouvel artiste
Coletivo Amarelo est en constante croissance et nous sommes fiers de présenter un autre artiste qui fera partie du collectif, Jerusa Simone. L'artiste portugaise, qui vit aujourd'hui à Zurich, a un regard unique recueilli tout au long de sa vie et exprimé à travers son art. En essayant de recréer des souvenirs et des émotions, le travail de Jerusa dialogue avec le surréalisme.
Rencontrez Jerusa Simone, une artiste qui recrée des moments et des expériences à travers le surréalisme
L'art de Jerusa Simone est principalement basé sur ses expériences personnelles quotidiennes, ses émotions et ses souvenirs récurrents. Au cours de son processus, l'artiste travaille souvent à partir de dessins naïfs issus de fonds abstraits dépourvus d'idée préexistante. De cette manière, Jerusa considère la peinture comme un acte basé sur des mouvements spontanés et des choix intuitifs.
Cette origine de l'art dans le subconscient et cette tentative de recréer des souvenirs est directement liée au surréalisme, exprimé à travers ses créations. Ses objets prennent des formes basées sur la subtilité et les lignes informelles, formant des figures humaines, reproduisant des signes visuels familiers, accompagnés d'une certaine étrangeté.
Afin de stimuler visuellement et intellectuellement le spectateur, tout le travail de l'artiste consiste à reconstruire le lien entre symboles, significations, couleurs et textures, quel que soit le support utilisé.
Jerusa Simone est originaire de la ville de Porto, au Portugal, mais vit aujourd'hui à Zurich, en Suisse. L'artiste est diplômé en arts plastiques de l'École Artistique de Porto et de l'Accademia di Belli Arti di Roma.
Ces dernières années, Jerusa explore différents supports de la peinture à travers l’art vidéo. Grâce à cela, elle a eu l'opportunité d'exposer à l'international dans différents contextes et lieux, tels que le Portugal, l'Italie, l'Arabie Saoudite, l'Angleterre, la Grèce, l'Espagne, les États-Unis et, récemment, dans son pays d'accueil, la Suisse.
La femme et le surréalisme
Cette année, la Biennale de Venise a tenu sa 59e édition et, pour la première fois en 127 ans, a exposé majoritairement des artistes féminines. Dans cette édition, la Biennale a abordé les mystères du subconscient humain et de son surréalisme du point de vue d'artistes féminines.
Organisée par l'Italienne Cecilia Alemani, l'exposition explorait des thèmes qui gravitent autour de l'imagination de différentes réalités, de l'univers des rêves et de nouvelles perceptions sur ce que signifie être humain. De plus, il liait l'influence de la technologie dans la création de nouveaux êtres et le sauvetage de notre imagination d'enfant.
Le travail de Jerusa, quant à lui, est entièrement lié au thème de l'exposition. Cette relation est principalement marquée par la tentative de l'artiste de revisiter les souvenirs à travers la peinture. En réalisant cet exercice de mémoire, l’artiste crée des scénarios étranges, pourtant quelque peu familiers au spectateur.
Accompagnant cette tendance des femmes dans le surréalisme, Jerusa Simone crée quelque chose de surréaliste au milieu des temps déroutants et intenses que nous vivons.
Pour l'accueillir au Coletivo Amarelo et unir sa vision unique à la nôtre, nous avons réalisé une interview avec l'artiste. Lisez un extrait de notre conversation et apprenez-en un peu plus sur Jerusa Simone, une femme qui utilise ses expériences et le surréalisme pour exprimer son art.
Collectif Jaune : À propos du tableau « Souvenirs d'un futur match », la plaisanterie que vous faites avec les mots est intéressante : la « mémoire » étant quelque chose qui fait référence à un passé, à quelque chose qui n'est pas encore arrivé, qui est dans le futur. Il y a une certaine tentative de manipulation du temps, du trafic… parlons un peu plus de cette œuvre, quel a été le processus de création derrière ?
Jérusalem Simone : Au fond, ce tableau a été réalisé à un moment de transition très précis, j'étais en Italie, sur le point de déménager en Suisse. Ce sentiment est très étrange, mais il était déjà connu. Un domaine que je savais déjà plus ou moins auquel j'allais affronter. Traiter la scène du nouveau et de l'ancien, cette dualité. Le tableau est divisé en deux parties : la partie supérieure avec des éléments liés à la colonne italienne. Ce corps presque obèse, qui s'inspire des travaux de Lucien Freud. J'ai regardé ce corps, et j'ai voulu apporter cette idée de beauté et de laideur, et redonner de l'espace aux femmes, sans hypersexualiser le corps féminin, mais en amenant d'autres corps. Je voulais me voir représenté. J'ai toujours eu beaucoup de problèmes avec moi-même, alors en regardant les peintures de Freud, je me suis dit : "Wow, c'est grotesque, mais tellement beau". Ces corps marginalisés, presque conflictuels, obligent le public à regarder. Et le corps a toujours un contour rouge, et c'est toujours dans les coins, mais toujours là. La position reflète cela, cette phase de changement, de peur. C'est un endroit familier, mais c'est effrayant.
ICI: Il a une qualité onirique, nous nous réveillons et le rêve est très clair, et à mesure que le temps passe, les détails du rêve s'estompent. Et votre travail a cette caractéristique de la mémoire qui est un peu floue. Qu'est-ce que ça fait de faire un tableau qui reflète votre moment présent, puis des années plus tard, de revisiter ce même tableau et de revenir sur ces souvenirs, un peu flous, avec cette qualité onirique ? Quelque chose a changé?
Jérusalem Simone : En le regardant maintenant, je ressens toutes mes motivations, je me souviens de tous les éléments que j'ai ajoutés, que j'ai éliminés… et maintenant, à cet instant, je suis à la place que je voulais être lorsque j'ai réalisé ce tableau. Cela fait maintenant deux ans que je suis en Suisse, mais entre-temps, j'ai surmonté ma peur qui était très présente dans ce travail. Cet élément de mettre la main dans le feu est quelque chose que j'utilise beaucoup, c'est presque un autoportrait, je me mets en danger, mais je n'y peux rien. Une scène d’auto-sabotage et de transition, où l’on laisse quelque chose derrière soi.
ICI: Cette peinture illustre un de vos événements de transition personnelle, au cours duquel vous vous êtes déplacé d'un endroit à un autre et avez placé les éléments qui étaient présents dans ce processus. Mais même s'il s'agissait d'une partie spécifique de votre vie, je peux la regarder et m'y voir d'une manière ou d'une autre, peut-être dans une transition que j'ai traversée, mais je le fais à travers le rêve de quelqu'un d'autre. Presque comme si j'avais visité le rêve de quelqu'un d'autre. Pensez-vous que cela fait partie du surréalisme féminin ?
Jérusalem Simone : Il m'a fallu découvrir cette petite niche (le surréalisme féminin), qui est ce jeu auquel je joue avec divers éléments, cet échange de sens des éléments que j'utilise, et au fur et à mesure que le temps passe et que j'accumule de nouvelles expériences, les choses s'effacent et transformer. Mon travail fait donc de ce jeu une sorte de puzzle…
Des œuvres exclusives de Jerusa sont disponibles dans notre boutique, n'hésitez pas à y jeter un œil !
par Stéphanie Wruck | 18 octobre 2022 | Événements
Et si nous pouvions réimaginer les paysages que nous faisons circuler à travers l’art ?
La pièce « Nautica 01 » est une collaboration entre Rafaela Salgueiro et Duda Affonso, deux artistes brésiliens résidant au Portugal.
Le duo propose, à partir de leurs investigations théoriques et poétiques individuelles, un partenariat qui vise à fusionner la photographie et l'intervention picturale. Suivant une proposition d'invention des réalités, les artistes voient l'intervention photographique comme un moyen de créer de nouveaux mondes possibles. Rafaela croit que la peinture nous permet d'élargir notre imagination au-delà des limites de ce qui est représenté par une photographie.
Le travail de Rafaela explore le mécanisme permettant de révéler et de cacher simultanément des éléments d'une image, offrant au spectateur de nouvelles possibilités d'interaction tout en construisant d'autres récits. Duda Affonso, à son tour, observe le monde et collectionne les vestiges d'histoires qui pourraient un jour exister, que ce soit à travers la photographie, le collage ou le cinéma, tout en construisant son propre imaginaire.
Cette pièce est une invitation à réimaginer le paysage nautique, célébrant la revitalisation de la marina de Cascais, au Portugal. En ajoutant des couches de peinture sur chaque élément de l'image, l'artiste révèle des réalités possibles qui ne vivent peut-être que dans notre subconscient.
Photographie réalisée en 35mm en Italie, 2019.
par Stéphanie Wruck | 2 mai 2022 | nouvel artiste
À travers une perspective accueillante et intime, Gabriela Vasconcellos capture le trivial, créant des compositions qui visent à nous faire affronter des sentiments et des sensations intérieures. Son travail tente de nous connecter à notre essence en utilisant une approche intuitive. Les photographies se présentent comme une énergie calme, et c'est en maîtrisant la texture et le ton que Gabriela parvient à se libérer de l'évidence. Elle applique soigneusement des éléments de la vie quotidienne, ajoutant une couche de délicatesse et de tendresse combinée à l'esthétique nostalgique de la photographie analogique. Le résultat est des photos incroyablement sensibles qui, selon l’artiste, peuvent être un moyen de redécouvrir des parties cachées de nous-mêmes.
Née au Brésil, Gabriela travaille comme journaliste et art-thérapeute, en plus de capturer son environnement avec un appareil photo 35 mm. Tourner sur pellicule, c'est vivre le temps qui passe différemment et elle s'intéresse à capturer les petits moments de la vie quotidienne, à ressentir le temps dans sa globalité et à s'autoriser à ralentir. À l’heure de l’accélération et de la productivité du numérique, il est radical d’adopter l’approche inverse en matière de travail. Les photographies de Gabriela nous aident à réfléchir sur la façon dont nous avançons dans la vie, nous offrant l'occasion de simplement faire une pause.
Gabriela a partagé avec nous quelques conseils importants sur le tournage de films et ce qui l'a le plus aidée lorsqu'elle a commencé son processus d'expérimentation avec la photographie analogique.
Façons de prendre de meilleures photos avec votre appareil photo analogique selon Gabriella Vasconcelos
1) Développez vos photos
Cette astuce peut paraître extrêmement évidente, mais il est très courant que des gens achètent un appareil photo analogique, dans l'espoir de prendre de belles photos, mais jamais de développer la pellicule. Gabriella dit qu'il est important de développer le film pour voir quel genre d'images nous obtenons et ce qui peut être amélioré. Alors n’accumulez pas de rouleaux interminables de films non développés, allez développer !
Gabriela déclare : « L'autre raison pour laquelle il est important de développer votre film est qu'il permettra au processus analogique de réellement entrer dans votre pratique créative. Beaucoup de gens hésitent à commencer à tourner des films parce qu'ils pensent que cela demande trop d'efforts, mais c'est parce qu'ils n'ont pas encore intégré l'habitude de développer des films dans leur routine de travail. J'avais l'habitude de prendre des photos tout le temps avec un appareil photo argentique, mais je n'ai jamais pris le temps de développer le film, donc je ne savais même pas quel genre de travail je produisais.
2) Ayez toujours des images supplémentaires avec vous
Vous ne savez jamais quand vous allez manquer de film, alors voici votre rappel de toujours avoir un rouleau de film supplémentaire à portée de main. Ainsi, vous ne manquerez jamais cette occasion de photographier quelque chose de spécial que vous avez trouvé.
3) Soyez conscient de votre environnement
Lors d’un tournage sur pellicule, on ne sait jamais quel sera le résultat. Gabriella pense qu'il est important d'être plus attentif lorsque l'on se promène. « Levez les yeux, regardez en bas, explorez tous les angles autour de vous et expérimentez. On ne sait jamais ce qui va sortir – et c'est une bonne chose ! Prenez votre temps avec cela aussi, cela ajoute des couches de réflexion à vos photos.
4) Gardez à l'esprit que le processus analogique suit son propre temps
Il convient de noter que prendre des photos avec un appareil photo argentique implique que l'ensemble du processus se déroule différemment qu'avec le numérique. La photographie analogique a ses propres contraintes de temps et spécificités et Gabriella estime qu'il est impératif de s'immerger dans le processus et de s'y habituer.
"Il faut du temps pour développer le film, pour numériser les photos (si c'est quelque chose que vous aimeriez faire) et comprendre ce temps non pas comme un problème, mais comme un processus qui vous permet d'être beaucoup plus présent pendant le tournage. . C'est une expérience totalement différente de prendre une photo de quelque chose à l'aide de votre téléphone et de votre appareil photo argentique. Même si je photographie exactement le même sujet, il est important de se sentir à l'aise avec le processus lui-même.
Les photographies de Gabriela sont disponibles à l'achat dans notre boutique.
par Stéphanie Wruck | 18 avril 2022 | Article
Le Gradient Art est une technique qui utilise les couleurs d'un dégradé pour créer une œuvre d'art. Une popularité croissante de l'art du dégradé s'est produite, c'est-à-dire lorsqu'un mélange progressif d'une couleur dans une autre se produit, créant différentes transitions de couleurs. Selon les couleurs utilisées, l'art dégradé obtenu peut évoquer un large éventail d'émotions et de sentiments, transformant ainsi vos espaces environnants.
Qu’est-ce que l’art dégradé ?
L'art dégradé est un type d'art qui utilise un dégradé de couleurs pour créer l'illusion de profondeur et d'espace tridimensionnel. Les couleurs sont également utilisées à d’autres fins comme la peinture, le dessin, la sculpture, la photographie, etc. Avec ce type d’art, la lumière peut être projetée sur un objet sous différents angles, lui donnant un aspect réaliste. Les couleurs changent également en fonction de la façon dont vous les voyez, offrant un attrait artistique et permettant différentes interprétations par les spectateurs.
Les artistes utilisent différentes techniques pour créer ces peintures, telles que la superposition, le mélange et l'application de dégradés avec différentes couleurs ou textures. Ils peuvent le faire en utilisant divers pinceaux, crayons, crayons de couleur ou même leurs doigts.
Mais que sont les dégradés ? Et en quoi diffèrent-ils en couleur ?
Les dégradés sont des transitions de couleurs qui changent progressivement d'une couleur à l'autre. Les angles sont généralement créés avec une série de peintures mélangées à des degrés divers. Les dégradés de couleurs sont le type de dégradé le plus courant et peuvent être utilisés pour les arrière-plans ou les bordures, mais ils peuvent également être utilisés à d'autres fins, comme créer un mur d'accent ou ajouter de la profondeur à une image. Un dégradé arc-en-ciel est souvent utilisé pour créer de la profondeur et de la dimension dans les images.
Il existe différents types de dégradés, notamment les dégradés radiaux, les dégradés linéaires et les dégradés diagonaux.
Mark Rothko et sa propre utilisation de l'art du dégradé
Connu pour ses grandes peintures colorées et captivantes, Mark Rothko souhaitait évoquer les émotions humaines fondamentales – la colère, la consternation, l’extase – à travers la peinture. Son travail était vaste dans l'utilisation de la couleur, ainsi que dans les grands espaces créés, permettant au spectateur d'éprouver différentes sensations.
Les dégradés de Rothko n'étaient pas précisément mélangés, mais plutôt construits de manière à inviter le spectateur à se demander quelle couleur était placée en premier sur la toile. Il a développé pour la première fois sa technique de composition en 1947, décrite par le célèbre critique d'art Clement Greenberg comme une « peinture sur champs de couleurs », un terme qui décrirait parfaitement le travail de Rothko.
Les dégradés de Rothko ne ressemblent à aucun autre en raison de la manière dont l'artiste a créé ses peintures. Rothko a appliqué une grande quantité de peinture noire en traits irréguliers sur la toile, puis l'a étalé sur les bords, créant un effet gratté. Les dégradés uniques de Rothko se retrouvent dans de petites zones des peintures, généralement au milieu lorsque les tons passent de l'un à l'autre.
Ses peintures ont été créées pour être vécues personnellement, où l'atmosphère de l'espace traduit les différentes émotions transmises par les couleurs. L'une des séries les plus célèbres de Rothko est celle de Seagram, présentée à la Tate Modern de Londres. La série comprend sept peintures sombres et sombres, utilisant une palette de noirs, de rouges et de bruns. Rothko a donné les peintures à la Tate Modern, le musée où se trouve la plus grande collection d'œuvres de JMW Turner, et en raison de sa propre admiration pour Turner, Rothko s'attendait à ce que la série soit exposée dans la galerie aux côtés des œuvres de Turner.
Le changement d'atmosphère des dégradés sombres de Rothko aux ciels artistiques dégradés parfaitement mélangés de Turner est profondément émouvant. Un dialogue entre les deux se crée instantanément au fur et à mesure que les visiteurs passent d’une galerie à l’autre.
Des rectangles colorés de Rothko aux illustrations numérisées en dégradé utilisées dans la publicité, l'expérimentation de la couleur est fondamentale à la fois pour la création d'œuvres d'art et pour l'expérience du spectateur.
Que ressentez-vous avec chaque couleur ?
Est-il possible de décrire de tels sentiments ?
Sont-ils inconfortables ? Ou sont-ils apaisants ?
Quel genre d’émotion un dégradé de couleurs spécifique évoque-t-il ?
Pour plus d'informations sur la collection Tate : https://www.tate.org.uk/
par Stéphanie Wruck | 21 décembre 2021 | Article
Pour poursuivre notre discussion sur le temps, nous avons discuté avec l'artiste Dárida Rodrigues, originaire de São Paulo. Ses recherches se matérialisent à travers des installations audiovisuelles, des promenades audio, des performances et des sites spécifiques comme une tentative d'enquêter sur l'art relationnel et la conscience humaine elle-même. Dárida a partagé avec nous l'expérience de la création en isolement, le rôle du temps dans la pratique artistique et sa relation personnelle avec le passage du temps.
Je voudrais commencer par parler de l’intentionnalité derrière votre travail sur « l’allongement du temps » pour regarder de plus près notre environnement et ce qui vit également en nous. D’où vient ce besoin d’unir pratique artistique et méthodes méditatives ?
D: Eh bien, j'ai l'impression que le temps, ou plutôt le temps qui passe, est l'une des seules constantes de notre expérience, alors que tout change. Et la possibilité que le temps « s’arrête, s’étire ou s’envole » en fonction de notre perception de chaque expérience particulière m’a toujours beaucoup intéressé. Je pense que ce phénomène de changement de perception et, surtout, la relation qui s'établit entre celui-ci et nos états mentaux et émotionnels, est aussi une des choses qui m'ont toujours connecté aux pratiques méditatives depuis longtemps.
Je pense donc que cette ouverture d'un espace intérieur où la temporalité se déploie dans d'autres configurations possibles et qui permet simultanément d'habiter plus pleinement le moment présent, que j'ai beaucoup exploré par la méditation, de vider même pour quelques secondes l'esprit traverse aussi mon le travail, je pense, avant l'intentionnalité. C'est vraiment un écart qui m'attire comme enquête et que je m'intéresse à explorer dans cette transposition de territoires entre l'art et la vie, peut-être parce que, du moins pour moi, ces domaines méditatifs, ou spirituels, si l'on veut, sont aussi le domaine où l'art opère. Il est devenu naturel d’intégrer, voire de subvertir, des méthodes méditatives lorsqu’on tente de créer des relations entre la subjectivité, le temps et l’espace.
Sa dernière œuvre « Vice-Versa » explore cette idée de mouvement des affections qui relient l'intérieur et l'extérieur, la réception et l'expression d'informations et d'images… Et l'œuvre a également fini par illustrer le passage du temps à travers l'observation du flux de personnes dans la rue et interactions avec l’œuvre elle-même. Qu’avez-vous retenu de l’expérience de création de l’œuvre « Vice-Versa » ?
D: Je suis toujours en train de traiter cette récolte… car le travail a mis au jour de nombreuses couches intéressantes à observer. Mais je peux dire que cette impulsion à tenter une inversion de point de vue, en profitant de cette relation entre l'intérieur et l'extérieur qu'offre l'espace de la vitrine et de la rue, grâce à la ressource de la vidéo projetée, permet bien d'autres relations. à établir et à développer. confronter, comme par exemple celui du temps avec l'espace, dans le miroir inversé qui ne reflète pas directement l'observateur, créé à travers la vidéo et qui attire beaucoup notre attention pour la possibilité de vivre 2 ou plusieurs temporalités simultanément , comme ce qui se passait à l'intérieur, ce qui se passait à l'extérieur, dans le moment présent et ce qui se passait dans ce qui était vu en action dans la performance vidéo/miroir projeté, qui apportait encore d'autres vitesses, répétitions et interventions et qui médiatisait ces différentes relations entre les sujets, les plantes, les passants du présent et l'image. Je pense que cela vaut la peine d’explorer davantage cet espace-temps relationnel.
Son autre œuvre [Des]segredo proposait une trajectoire d'un chemin cartographié pour parcourir l'œuvre dans un certain espace. Comment les œuvres in situ manipulent-elles notre perception du temps ?
D: En train de créer [Des]segredo, qui était aussi un projet de maître, le mur audio À Luz, développé pour un voyage spécifique dans le bâtiment des Beaux-Arts de Lisbonne, qui est un bâtiment très ancien, de matérialité historique, où l'on se sent le poids non seulement matériel mais aussi temporel ; il était intéressant d'explorer la proposition d'une dérive intérieure (ou méditative) par déplacement dans l'espace, comme processus d'approche d'un lieu commun d'une relation de un à un, autour de l'idée du Secret, qui a été proposée à la fin.
A partir de ce paysage sonore apporté par les instructions vocales, vécu et recréé au présent lors de la marche dans l'espace et aussi à travers les temporalités subjectives qui se produisent à l'instant, pour chaque participant, j'ai également pu observer comment se faisait un voyage espace/temps spécifiquement exister dans un espace dans un cadre artistique, peut non seulement influencer (ou manipuler) notre perception du temps mais aussi être influencé par celui-ci. C'est parce que je sens que les œuvres in situ sont intrinsèquement liées à l'espace, en même temps qu'elles ouvrent, à travers cette possibilité de manifestation d'un espace temporel subverti, à des interventions et des transformations de celui-ci et en ce sens , ils sont très intéressants dans cette exploration de l’univers intérieur et relationnel en dialogue avec la temporalité.
L’œuvre [In]surge, créée pendant le confinement, est une autre œuvre d’immersion auditive. L’une de nos questions sur le thème du temps est d’étudier comment le manque ou l’abondance de temps affecte les processus de création. Comment s’est passée la création de cette œuvre pendant une période d’isolement ?
D: C'était, pour le moins, un bon exercice de questionnement, à tel point qu'au début j'intitulais la série [In]Surge « Exercices pour « Toucher le devenir, Embrasser la douleur et Mâcher le réel ».
Moi qui avais décidé de transgresser en quelque sorte, dans le domaine de l'art, certaines méthodes méditatives, en proposant du déplacement, de la distraction, une poétique qui m'impliquait personnellement dans les textes et dans les audios, du coup j'ai senti que la vie demandait, avant tout, digérer, avec une limitation d’espace et de mouvement sans précédent, une réalité dystopique et incertaine, où ces méthodes de méditation « conventionnelles », bien que très utiles physiologiquement, ne me semblaient pas avoir beaucoup de sens à ce moment-là. C'était vraiment une nécessité de les intégrer au processus de création. J'ai donc commencé à écrire ces instructions audio pour travailler avec les possibilités d'une abstraction méditative et sensorielle de cette condition d'enfermement et de la soudaine pseudo-abondance du temps et de l'impossibilité de mouvement, avec toutes les émotions et questions qui surgissaient et surgissaient en interne.
Est-il possible pour les artistes de profiter de la nature ésotérique du processus de création dans un monde extrêmement rapide comme celui dans lequel nous vivons aujourd’hui ?
D: Oui, il est difficile de penser ce qui n’est pas possible en termes d’art. Mais personnellement, je pense qu'il est essentiel de se laisser exister dans la vie et dans l'art de la manière la plus intégrale possible pour chacun, afin de ne pas se laisser totalement engloutir ou capturer par la vie extrêmement capitalisée et médiatisée qui caractérise la vie instituée. Un « humanisme » imparfait, mais accéléré aujourd’hui. Et je pense que cet univers ésotérique, spirituel ou transpersonnel est bien plus large et présent dans notre expérience subjective que ce que nous imaginons ou intellectualisons souvent, d'autant plus que nous opérons presque toujours au sein de la pensée hégémonique occidentale, où nous avons du mal à faire place à ce qui ne l'est pas. peut être configuré par ces paramètres et nous ne sommes donc pas connectés aux possibilités d'intuition et de création de rituels ou de sorts naturels et non « surnaturels », pour explorer notre univers intérieur et inventer d'autres réalités. Le domaine artistique est selon moi un terrain très fertile pour cette exploration. Une grande partie de ce que nous considérons comme faisant partie de la nature ésotérique et qui n’est pas lié à la pensée rationnelle que nous connaissons peut être une pratique courante pour certaines autres communautés et espèces, par exemple. Si nous voyons ou faisons de l’art uniquement du point de vue de notre culture (souvent limitée), nous laisserons toujours de côté les expériences et expériences qui peuvent être fondamentales pour exister et qui sait, pour s’épanouir concrètement et politiquement dans le présent. Je ne vois pas l'espace/temps plus réceptif à cela que l'art.
par Stéphanie Wruck | 13 décembre 2021 | Article
Pour commencer notre discussion autour du thème du TEMPS, nous apportons aujourd'hui le travail de l'artiste Hilma af Klint, qui a créé plus de 150 peintures entre les années 1906 et 1915. Ces peintures étaient appelées « Les peintures du Temple » et se composent principalement de des images de formes abstraites et organiques inspirées de la géométrie de la nature. L'œuvre de Klint présente un monde au-delà de celui que nous connaissons ; qui transcende son époque actuelle et remet en question la façon dont nous observons la réalité.
Klint envisageait un temple qui abriterait les peintures et le décrivait dans l'un de ses nombreux journaux intimes comme un « bâtiment rond, où les visiteurs monteraient un escalier en colimaçon pour un voyage spirituel ». La description de Hilma est extraordinaire, puisqu'elle décrit le musée Solomon R. Guggenheim de New York, qui ne sera construit que des décennies plus tard et qui sera également le musée hôte de son exposition personnelle « Peintures pour le futur » en 2018. Frank Lloyd Wright, l'architecte du Guggenheim, a créé un lieu non traditionnel pour l'art non objectif, et lui et Klint partageaient une affinité pour les formes organiques et le symbolisme spirituel entourant la spirale. La vision architecturale de Wright et les peintures de Klint rompaient avec la tradition, offrant une nouvelle approche de l'expression créative.
Le mysticisme de Klint implique de nombreux intérêts pour l'occultisme, la théosophie, le spiritualisme et les concepts scientifiques. Les peintures du temple témoignent d’esprits supérieurs et l’artiste a passé près d’une décennie à y travailler. Ses peintures abstraites ont changé le cours de l’histoire de l’art et ont posé la question : quel est le rôle du temps dans le processus ésotérique de création artistique ?
Comment les artistes peuvent-ils manipuler le passage du temps à travers leurs pratiques ?
par Stéphanie Wruck | 10 décembre 2021 | Article
Quel est le rôle de la temporalité dans la démarche artistique ?
Le concept de temps a été au centre de l'expression artistique, depuis les traits rapides des impressionnistes jusqu'à l'observation du temps par Bruce Nauman en relation avec l'espace ; le temps a servi à la fois de catapulte pour l’émergence de nouveaux points de vue et de sujet d’investigations plus approfondies. La façon dont les artistes appréhendent le temps dans le contexte de leur pratique a toujours reflété la dynamique entre l'artiste et les exigences extérieures du monde, que ce soit par la contemplation ou l'intervention.
Alors que nous vivons dans un monde en constante évolution et au rythme extrêmement rapide et que nos expériences sociales sont médiatisées par des exigences frénétiques, comment le manque ou l’abondance de temps affecte-t-il la pratique artistique ?
Quelques points principaux à considérer :
La temporalité dans le processus de production artistique
Premièrement, il est important de réfléchir à la manière dont le temps est entré dans la pratique artistique et à la manière dont les artistes tentent de représenter la nature abstraite et invisible du temps à travers les arts visuels. Deuxièmement, l’acte de contempler une œuvre d’art est également interchangeable, dans la mesure où l’œuvre elle-même évolue au fil du temps, acquérant de nouvelles perceptions et significations. Nagel et Wood (2010) soutiennent que les œuvres d’art « habitent toujours des temporalités plurielles », dans la mesure où une œuvre d’art est réalisée par quelqu’un à un moment donné, mais se réfère à des idées ou à des événements qui ont souvent précédé ce moment, ou pointent vers un imaginaire. avenir. (Serafini et Banques).
Pratique artistique orientée portfolio
Alors que les artistes travaillent dans des conditions de plus en plus limitées dans le temps, devant être autonomes et produire des œuvres pour des formats et des plateformes spécifiques (un portfolio, un site Web ou des médias sociaux), reste-t-il de la place pour les surprises et les lentes expérimentations ?
À mesure que nos environnements numériques deviennent plus complexes, la nécessité de produire des œuvres adaptées à l’époque actuelle semble être la seule manière « correcte » de créer de l’art. Mais si les sujets pertinents changent constamment et qu’il est impossible de suivre leur rythme, reste-t-il du temps pour permettre aux idées de se développer de manière organique ? Comment les artistes peuvent-ils tirer parti de la nature ésotérique – et souvent lente – du processus créatif dans le monde d'aujourd'hui ?
Manque de temps pour regarder l'art
Le manque de temps en matière d’arts visuels a un impact non seulement sur le créateur, mais aussi sur le spectateur. Quant au spectateur, a-t-il encore suffisamment de temps pour des exercices de contemplation ? Quel est le moment idéal pour l’expérience esthétique ?
Restez à l’écoute dans les semaines à venir alors que nous approfondirons ces questions et d’autres plus liées au temps et à l’art.
Sources:
Nagel, Alexander et Wood, Christopher (2010) : Renaissance anachronique, New York : Zone Books.
Serafini, Paula & Banks, Mark (2020) : Vivre des vies précaires, du temps et de la temporalité dans les carrières en arts visuels
par Stéphanie Wruck | 10 novembre 2021 | nouvel artiste
DÉPLACEMENT
Osias André, originaire du Mozambique, a immigré au Portugal il y a 4 ans où il a remporté 3 bourses de l'école d'art indépendante Ar.Co, une institution dédiée à l'expérimentation et à la formation artistique. Osias a commencé à peindre à l'âge de 8 ans et a commencé sa carrière artistique par l'illustration graphique, produisant une collection de livres. Pour lui, peindre exige une digestion plus lente et plus indirecte. Dans les œuvres picturales exposées ici, on peut remarquer une recherche d'identité, liée à leurs origines africaines, à travers une pratique traditionnelle d'atelier européenne. Le résultat est des peintures saisissantes, dans lesquelles les couleurs, les formes et les contenus agissent en équilibre, s'appropriant la pratique picturale occidentale pour mettre en lumière des éléments issus de la résistance culturelle africaine aux siècles d'hégémonie eurocentriste. Osias vit et travaille à Lisbonne.
- Le déplacement des compositions picturales classiques eurocentriques vers de nouveaux environnements ;
- Manipulation des couleurs et des formes ;
- Renforcer leur propre identité, s'éloigner de chez soi ;
- Équilibre entre les sensibilités de la diaspora africaine et les préoccupations européennes pour la théorie et la raison.
par Stéphanie Wruck | 10 novembre 2021 | nouvel artiste
IMPERMANENCE
Eduardo Dias est un biologiste de São Paulo, au Brésil, et travaille actuellement à l'Université presbytérienne Mackenzie en tant que technicien de laboratoire au Centre de recherche en biosciences. Son travail l'emmène dans des biomes brésiliens tels que le Pantanal, le Cerrado, la forêt atlantique, entre autres destinations, et la photographie joue un rôle important lors de ses voyages. Il l'utilise comme un outil pour donner libre cours à son imagination, mais aussi comme un moyen de créer un répertoire didactique dans lequel ses connaissances en biologie s'unissent à l'art. Son objectif est de montrer la beauté de la nature à travers des images sensibles, exaltant ses structures organiques et ses singularités. Pour Eduardo, cette union des forces entre l'art et la biologie est une manière de nous alerter sur l'environnement dans lequel nous habitons et sur tout ce qui vit autour de nous.
- Capturer des paysages et des espèces pour avertir de la menace imminente pour la nature ;
- Démystifier les idées sur le monde naturel en vantant les beautés de sa réalité ;
- Réduisez la distance entre les personnes et leur environnement.
par Stéphanie Wruck | 10 novembre 2021 | nouvel artiste
IMPERMANENCE
Gabriela Albuquerque est une artiste brésilienne qui vit et travaille à Cascais. Ses recherches actuelles portent sur les paysages et les développements récurrents au-delà de la tradition historique académique de ce genre. La répétition presque compulsive des images cherche à exalter le paradoxe entre permanence et impermanence de notre environnement, de ce qui nous est familier, mais aussi éphémère. Le choix des peintures à l’huile, qui s’inscrivent dans une tradition séculaire, interroge la continuité de certaines pratiques qui résistent malgré des innovations constantes. Plus que des enregistrements de moments et de lieux, ils sont aussi une tentative – peut-être frustrée – de rendre permanent ce qui est éphémère. Les œuvres présentées ici renforcent l'idée que nous sommes transitoires, et non les espaces que nous occupons.
- Ce sont les paysages qui nous regardent, et non l'inverse ;
- Des paysages naturels qui rappellent l’impermanence humaine.
par Stéphanie Wruck | 10 novembre 2021 | nouvel artiste
DOCUMENTATION
Martim Meirelles est un photographe américain qui vit et travaille à New York. D'origine portugaise, Martim voyage entre les USA, le Portugal et le Mozambique. Ses recherches photographiques documentent des vies humaines qui vivent en marge de la prospérité économique et partagent une langue portugaise commune. Son travail se concentre sur la beauté, la douleur et la joie, mettant en valeur la capacité de l'artiste à aborder chaque sujet avec une profonde sensibilité visuelle. Les photographies présentées ici sont le résultat d'un séjour d'un an à l'orphelinat Madre Maria Clara au Mozambique en 2017 et également d'une résidence artistique à Nazaré en 2014.
- Documentation des vies et des traditions ;
- Exposition de la condition humaine.
