par Stéphanie Wruck | 7 août 2023 | Article
Barbie et l'inspiration dans l'œuvre de Wayne Thiebaud
L'un des films les plus attendus de ces dernières années, l'action en direct de la poupée la plus célèbre du monde, Barbie, a été créée il y a moins d'un mois et est un succès auprès du public et au box-office. Depuis son annonce, le film a suscité des attentes différentes. Après tout, qu’attendre d’un film de poupées ?
Réalisé par l'une des femmes les plus prometteuses du secteur, Greta Gerwig, le film a dépassé les attentes du public et a déjà dépassé la barre du milliard de dollars au box-office, devenant ainsi le plus gros film réalisé par une femme.
Qu'il s'agisse du rôle de la poupée dans la société,Se moquant du patriarcat ou parlant de ce que signifie être une femme, le film est bien plus que l'action réelle d'une poupée. Et pour preuve, les inspirations utilisées par le réalisateur et scénariste pour créer Barbielândia, le monde idéal où les Barbies vivent et commandent tous les secteurs de la société. L’une de ces inspirations est l’artiste Wayne Thiebaud !
Qui est Wayne Thiébaud ?
Wayne Thiebaud est un artiste américain de renom, originaire de Mesa en Arizona et l'un des principaux noms du Pop Art ! L'artiste est connu pour ses peintures d'objets du quotidien et de scènes urbaines, explorant souvent des thèmes liés à la nourriture, notamment les desserts.
Thiebaud est mondialement connu pour son
ton coup de pinceaules couleurs frappantes et vibrantes, qui confèrent à ses œuvres une qualité tridimensionnelle et presque sculpturale. Votre approcheCet acte unique allie réalisme avec une touche d'humour et d'exagération, créant des images avec un œil attentif sur des objets ordinaires.
L'une de ses séries les plus emblématiques et les plus connues est la peinture de gâteaux, de tartes et de glaces, dans laquelle elle explore les textures et les formes de manière détaillée et engageante. Cette série est l’une des inspirations que Greta Gerwig a utilisées pour développer le décor Barbieland.
Wayne Thiébaud et Barbie
Barbieland, le monde magique où vivent les Barbies, est un véritable fantasme. Tout en rose, le scénario a été entièrement créé et développé en studio, sans l'aide de technologies comme la CGI par exemple. Pour cela, Greta et le chef décorateur du
Le film, Sarah Greenwood, a utilisé un pigment rose qui a entraîné une pénurie mondiale de peinture fluorescente de marque Rosco. Mais qu’est-ce que cela a à voir avec Wayne Thiebaud ?
Selon Greenwood,le pygméeUne couleur spécifique a été utilisée pour créer environ 12 nuances différentes de rose, qui ont été utilisées tout au long du décor du film. C'est le résultat direct de l'admiration du réalisateur Gerwig pour le travail de Thiebaud. Encore
selon le décorateur, cela vient du travail de Thiebaud, qui n'utilise jamais le noir et blanc dans ses peintures. Dans ce cas, leurs ombres étaient réalisées avec des nuances de bleus et de violets.
La palette de couleurs de Barbie a suivi ce modèle, n'utilisant aucun ton noir, blanc ou chromé pour créer le monde fantastique des poupées, juste différentes nuances de rose.
les différentes formesd'art
Le septième art, plus connu sous le nom de Cinéma, a toujours utilisé des parallèles avec les différentes formes d'art existantes. Que ce soit dans la représentation d'un plan inspiré d'un tableau, dans l'éclairage ou dans les couleurs. Les arts se chevauchent pour créer un nouveau concept, un nouvel art.
Même si Barbie est un blockbuster mondial et que le premier contact peut sembler futile pour beaucoup, le travail développé par la direction artistique du film transcende le superficiel, en se concentrant sur les détails qui enrichissent la production.
En plus d'avoir un scénario qui dépasse les attentes, on peut remarquer l'attention portée aux détails dans l'élaboration des principaux scénarios, les vêtements et même les cheveux du personnage principal, StereoTYP Barbie, interprété par Margot Robbie. En effet, la perruque utilisée par l'actrice était quotidiennement tonifiée avec un tonique développé spécialement pour le film. L'intention était de neutraliser le jaune de la blonde et d'éviter un grand contraste entre les costumes et les cheveux du personnage.
Enfin, l'attention portée aux détails dans la direction artistique ne fait qu'enrichir le travail de Greta Gerwig et renforce le fait que l'art peut se présenter de différentes manières et réagir, inspirant de nouvelles œuvres et perspectives sur les plateformes et formats les plus différents. Barbie n'est qu'un autre exemple de la façon dont l'art se perpétue et inspire de nouveaux artistes.
par Stéphanie Wruck | 29 juin 2023 | Événements
Notre deuxième exposition « EXPÉRIMENTATION COLLECTIVE : CONFLUÊNCIA » ouvre le 8 juillet à 18h dans notre espace.
L'exposition rassemble le travail de trois artistes de différentes parties du monde dans une rencontre unique à Lisbonne. Osias Andre du Mozambique, Gianlluca Carneiro du Brésil et Michael SaintClaire des États-Unis. Ce sont des continents et des contextes différents qui portent une poétique accentuée par leurs similitudes. Organisée par Cristiana Tejo, l'exposition comprend une toile de fond de couleurs vibrantes et de représentations figuratives de chaque perspective géographique et personnelle. Osias Andre et Gianlluca Carneiro partagent notre espace d'exposition principal, tandis que Michael SaintClaire occupe la « Minor Galeria de Lisboa » avec des peintures réalisées spécialement pour l'exposition. Les artistes dialoguent entre eux, présentant des peintures étroitement liées à leurs expériences et à leurs univers artistiques personnels.
Venez trinquer avec nous, samedi 8 juillet, de 18h à 21h à Marvila.
osias andré
Gianlluca Carneiro
Michel Sainte-Claire
par Stéphanie Wruck | 15 juin 2023 | Article
Je dirais que mes premières rencontres avec les zines se sont produites uniquement grâce à ma profonde admiration et mon enthousiasme pour le punk rock. Même si je n'ai pas vécu assez longtemps pour avoir joué à une copie du zine Maximum Rocknroll ou vu en direct l'étonnante esthétique punk « copier-coller » du premier numéro de Search & Destroy , j'ai toujours été sous le charme fascinant de l'impression indépendante. publications. Il y a quelque chose de spécial à dire sur l'énergie impulsive des créateurs de zine à produire quelque chose motivé par la passion, la colère ou la rébellion, sans trop se soucier de gagner de l'argent, mais en voulant avant tout faire sortir ce qui vient de l'intérieur.
A la naissance du Collectif Jaune, il y avait beaucoup à exprimer. Les artistes n'avaient pas seulement des œuvres à montrer, mais des choses à dire. Je savais que nous allions devoir trouver un moyen de raconter ces histoires, et que l’espace numérique n’allait pas suffire. C'était peut-être une tentative d'adapter l'art aux directives du monde du bricolage, et j'étais vraiment impatient de voir ce qui en ressortirait.
Le papier est une révolution en soi. À mesure que nous nous déplaçons entre les coins d’Internet, ces cyberespaces sont en constante construction. Tout arrive vite. Cela arrive maintenant. Le papier, en revanche, a plus de temps. C'est une digestion plus lente. Une invitation à l'intimité. Cela nous oblige à rester plus longtemps.
Notre « catalogue-classeur-brochure-histoires-zine-édition » est né pour être à collectionner, réutilisable et touchable. Chaque exposition organisée dans notre galerie aura son propre chapitre. Vous êtes invités à collectionner chaque chapitre en les ajoutant à votre copie du catalogue. C'est une danse modulaire, une célébration du travail impeccable des graphistes, un effort collectif d'un groupe d'artistes. C'est un compromis rebelle mais très romantique, imprégné du caractère nostalgique et séduisant des matériaux imprimés.
Notre catalogue est disponible sur notre site Internet à l'achat. Lors de nos expositions, nous diffuserons les prochains chapitres. Assurez-vous d'avoir votre copie du catalogue afin de pouvoir récupérer chaque chapitre.
Vivant! À la prochaine!
par Stéphanie Wruck | 10 mai 2023 | Événements
Nous avons le plaisir de vous inviter à l'inauguration de notre espace physique à Lisbonne, le 20 mai, de 18h à 21h, Rua Capitão Leitão 74
ESPOIR : JÉRUSA SIMONE
Initialement virtuelle, la plateforme ouvre son espace physique dans le quartier de Marvila, le 20 mai, avec l'exposition Oxalá, la première exposition personnelle à Lisbonne de l'artiste portugaise Jerusa Simone. Organisée par Cristiana Tejo, l'exposition comprend des peintures récentes qui mettent en valeur des signes récurrents dans ses œuvres, comme le feu, l'œil, les corps dissidents, dans une ambiance onirique qui évoque les souvenirs personnels de l'artiste.
Les expositions de l'espace Coletivo Amarelo sont comme des chapitres d'une histoire qui se déroule petit à petit, invitant les visiteurs à revenir pour la suivre. Parallèlement, des occupations auront lieu à la Menor Galeria de Lisboa, une salle de projet qui reçoit des artistes appartenant au collectif et des artistes invités. La plus petite galerie fait ses débuts avec Veridiana Leite, une artiste brésilienne basée à Lisbonne, qui explore dans ses peintures des paysages visités et imaginés dans des compositions picturales qui entremêlent abstractionnisme et figurativisme et êtres humains et non humains. Ses toiles s'étendent souvent à des installations et des objets.
Nous ouvrons maintenant un nouveau chapitre pour le Collectif Jaune. Les œuvres d’art sont un élément essentiel de la société et nous espérons combler le fossé entre l’art et le public en proposant de véritables expériences créatives. Venez trinquer et célébrer avec nous l'atmosphère artistique vibrante de Marvila !
par Stéphanie Wruck | 20 mars 2023 | Événements
Le 22 aura lieu la Biennale Internationale de l'Alentejo. L'édition de l'événement, qui aura lieu du 22 au 26 mars 2023, à Estremoz, réunira plus de 140 artistes nationaux et internationaux, venant de 15 pays, pour garantir la diversité des modèles et des techniques d'expression artistique. .contemporain. Parmi tant d'artistes, Gabriela Albuquerque, partenaire fondatrice du Coletivo Amarelo, a fait sélectionner une de ses œuvres pour l'exposition.
Paysage inutile VI, 2021, Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque
Gabriela Albuquerque est une artiste brésilienne qui cherche à représenter artistiquement son expérience dans différents contextes. Sa formation initiale est en littérature à l'Université de São Paulo, mais il entre rapidement dans le domaine des arts visuels lorsqu'il obtient son diplôme en critique et commissariat à la PUC-SP. Par la suite, elle a travaillé brièvement comme commissaire d’exposition et critique d’art dans la ville de São Paulo.
L'artiste s'installe à Washington DC, la capitale des États-Unis, et commence sa formation pratique d'artiste visuelle à l'école Art League d'Alexandria, en Virginie. Tout cela sans abandonner son champ de critique et de commissariat, en participant activement à des groupes, réunions et ateliers promus par la Smithsonian Institution et la National Gallery of Art.
Après avoir vécu trois ans en Virginie, Gabriela Albuquerque s'installe à Seattle, dans l'État de Washington. Dans la nouvelle ville, elle rejoint la Gage Academy of Art où elle poursuit sa formation artistique.
Actuellement, Gabriela vit à Cascais, au Portugal. La Brésilienne a terminé sa formation en peinture au centre d'études Ar.CO et fait actuellement partie du groupe d'étude et de suivi critique NowHere, sous la direction de la commissaire Cristiana Tejo.
La Biennale Internationale de l'Alentejo
La première édition de BIALE est organisée par ARTMOZ avec le soutien de la municipalité d'Estremoz, direction régionale de la culture de l'Alentejo et a pour partenaires la Biennale internationale des arts de Cerveira et la Société nationale des beaux-arts. Parmi les œuvres d'artistes internationaux et nationaux, on trouve des œuvres comprenant des peintures, des dessins, des aquarelles, des sculptures, des céramiques et des photographies.
L'événement débute le 22 mars avec l'inauguration prévue à 18h30. Le dimanche 26 mars aura lieu la séance de clôture de la Biennale Internacional do Alentejo.
Nous vous invitons à assister à cet événement et à profiter de l'occasion pour voir les œuvres d'artistes de 15 pays. Dont la Brésilienne Gabriela Albuquerque, notre partenaire fondatrice.
par Stéphanie Wruck | 6 février 2023 | Article
Il est impossible de nier que l’art et la politique sont étroitement liés. Que ce soit par la volonté de l'artiste d'exprimer sa position ou son absence, d'une manière ou d'une autre, l'art véhicule un message politique. L’une des volontés inhérentes à l’être humain qui motive cette manifestation est l’aspiration à la liberté. Dans le contexte historique brésilien, cela ne serait pas différent. Après tout, la pratique artistique au Brésil est, en soi, un acte politique. Dans cet esprit, dans l’article d’aujourd’hui, nous allons aborder l’intersection entre l’art et la politique dans le travail des artistes brésiliens et leur impact sur le pays.
L'art est politique !
L’art est et a toujours été une expression politique ! Il est même possible d’analyser ce lien à différents moments historiques. Que ce soit à la Renaissance, lorsque les tableaux étaient commandés et exécutés en fonction de la position politique de l'acheteur. Que ce soit dans une période dictatoriale où l’art est censuré. L'art est politique et l'expression artistique a une force, intentionnelle ou non.
Lors de la création d’une œuvre d’art, l’artiste peut choisir de s’exprimer contre le système, contre l’oppression et contre les normes dépassées de la société, par exemple. Il existe une infinité de placements qu'un artiste peut employer dans son travail. Tout comme il existe également des artistes qui ne cherchent pas à exprimer une position politique, l’absence d’expression est une position en soi.
Contrairement à ce que beaucoup pensent, le lien entre l’art et la politique n’a pas besoin d’être de nature pamphlétaire. C’est-à-dire soutenir une idée de manière radicale et massive. Le simple fait que certains artistes s'expriment et démontrent leur réalité dans leurs œuvres est un acte politique.
Lorsque nous parlons d’art et de politique, il est également courant que la société comprenne cela comme une imposition d’un endoctrinement au spectateur. Cependant, la réalité prouve qu’il s’agit d’une pensée superficielle et sans grand fondement. Après tout, l’art est subjectif et interagit avec chaque individu de manière différente. Il existe plusieurs stimuli et impacts que l'expression artistique provoque sur l'observateur et leur interprétation dépend de son bagage culturel, politique et social.
Art et politique dans le contexte brésilien
Au Brésil, pays riche en culture et en diversité, l’art est un outil politique puissant. Pour illustrer cela, nous dessinons une chronologie avec différents artistes et leurs impacts sur la société brésilienne.
Almeida Júnior – Tabac à hacher Caipira
L'artiste a vécu au XIXe siècle, plus précisément entre 1850 et 1899. Almeida Júnior est généralement associée à un mot qui peut être considéré comme péjoratif : « caipira ». Cette relation vient de sa représentation du peuple brésilien dans sa pluralité, en se concentrant sur les gens « ordinaires » et en évitant la représentation des illustres et des aristocratiques, comme c'était l'habitude.
Oswald de Andrade – Manifeste anthropophagique
Les années 1920 constituent une étape historique pour l’art brésilien. Il y a 101 ans avait lieu la Semaine de l’Art Moderne, qui marquait le début du mouvement moderniste dans le pays. Quelques années plus tard, en 1928, Oswald de Andrade publie son Manifeste Antropofágico. Inspiré par les idées de l'artiste et activiste politique Filippo Tommaso Marinetti, créateur du futurisme dans l'art, Andrade a fondé un mouvement historique.
L'artiste a publié son manifeste dans la revue Antropofagia, à São Paulo, dans le but de « avaler » les techniques et les influences d'autres pays. Oswald de Andrade encourage ainsi la création d’une nouvelle esthétique artistique brésilienne.
Le mouvement tire son nom de la promotion du « cannibalisme » de la culture étrangère. Après tout, la culture étrangère a grandement influencé l’art brésilien. L'objectif de l'artiste était de promouvoir une identité brésilienne nouvelle, multiculturelle et originale, ainsi que son peuple.
Tarsila do Amaral – Abaporu
L'une des peintures les plus célèbres de la célèbre artiste brésilienne, Abaporu dialogue directement avec le travail de son mari, Oswald de Andrade, dans Manifesto Antropofágico.
Le tableau représente un homme assis aux membres disproportionnés, avec des mains et des pieds élargis et une tête minuscule par rapport au reste du corps. De plus, le soleil au centre du tableau et la représentation d'un cactus renforcent l'idée que l'on peut comprendre à partir du tableau.
L'œuvre est considérée comme une critique du travail physique, épuisant et peu critique, représentant la réalité d'une grande partie de la population de l'époque. Le tableau a été peint en 1928 et marque la phase anthropophagique de l'artiste, qui dura jusqu'en 1930.
Art et politique pendant la dictature militaire au Brésil
Durant les années 1964 et 1985, le Brésil a connu la dictature militaire, une période sombre et répressive. Il y a eu près de 30 ans d’oppression militaire et les artistes, bien sûr, faisaient partie des grandes classes touchées, persécutées et censurées par la dictature.
L’art comme la politique ne sont pas restés silencieux, bien au contraire. Même à l’époque de la censure, de nombreux artistes ont utilisé leur travail en faveur de la liberté d’expression, de plus en plus réduite au silence.
Nous séparons quelques-uns des artistes qui se sont démarqués dans la lutte contre un système oppressif et dictatorial :
Cildo Meireles – Changement rouge
Cildo Meireles est un artiste brésilien connu pour son travail pionnier dans la création d'installations artistiques dans le pays. Pendant la dictature, l'artiste a démontré une position politique forte, que l'on peut analyser dans son installation « Desvio para o Vermelho » (1967 – 1984). L'installation est marquée par ces deux dates puisqu'elle marque l'année de sa conception (1967) et l'année de son premier assemblage (1984).
L'œuvre est divisée en trois salles peintes en rouge et articulées entre elles. Dans le premier environnement, Imprégnation, nous sommes insérés dans une salle blanche remplie de meubles et d'œuvres dans les tons rouges. Ceci contraste avec la pénombre d'Entorno, le deuxième environnement, où il est possible d'observer une bouteille renversée, avec un liquide rouge s'écoulant dans un environnement totalement sombre. Dans le dernier environnement, Desvio, le bruit de l'eau courante guide le spectateur dans une pièce complètement sombre. L'obscurité n'est brisée que par un évier funky, où coule de l'eau rouge, créant du son.
Hélio Oiticica – Tropicália
Tropicália est un terme créé par l'artiste Hélio Oiticica et représenté dans une installation exposée dans l'exposition Nova Objetividade Brasileira, tenue au Musée d'Art Moderne de Rio de Janeiro en 1967. L'œuvre est un environnement composé de Penetráveis, PN2 (1966) – Pureza É un mythe, et PN3 (1966-1967) – Imagerie. C’est cette œuvre qui a inspiré la création esthétique du mouvement tropicaliste entre les années 1960 et 1970.
L'œuvre est riche d'éléments typiques de la culture populaire brésilienne, comme le sable, la terre, les plantes tropicales, les tissus, entre autres. Tous ces éléments réunis ont bouleversé l’ordre esthétique du modernisme européen.
Anna Maria Maiolino – « Que reste-t-il »
À travers un travail politique et provocateur, l'artiste italo-brésilienne Anna Maria Maiolino a exploré différents matériaux et moyens d'expression. Durant les périodes dictatoriales, les questions omniprésentes étaient : « Comment parler ? Comment communiquer en temps de dictature ?
Ces doutes s'expriment dans le travail de l'artiste, comme dans la photographie « O que Sobra » (1974), qui montre une femme avec la langue exposée entre des ciseaux. A travers son art, l'artiste questionne !
Adriana Varejão
L'artiste a une vision et des œuvres uniques. Son travail part d'une question : « Et si les murs avaient des viscères, des muscles et du sang ? ». Adriana Varejão compte parmi les noms les plus importants de l'art contemporain brésilien et possède un pavillon dédié à son travail à Inhotim, le plus grand musée en plein air du monde, situé à Brumadinho, Minas Gerais.
Cependant, son travail ne se limite pas à l’idée de murs simulant les entrailles humaines. Dans ses œuvres exposées à Inhotim, l'artiste critique les blessures laissées par l'histoire brésilienne.
Régina Parra
L'artiste exprime son art à travers la peinture, la photographie et la vidéo, au fort caractère politique lié aux problématiques actuelles du féminisme et de la survie dans un univers encore misogyne et sexiste. Regina Parra aborde des thèmes tels que l'oppression, l'insubordination et la résistance féminine dans ses œuvres.
Art et politique dans le scénario actuel du Brésil
La politique brésilienne a été pour le moins perturbatrice. Cela faisait quatre ans sous un gouvernement ouvertement opposé à l’expression artistique. Le ministère de la Culture a été supprimé dès le début du mandat de l'ancien président, le secteur audiovisuel a été abandonné et l'art a été découragé.
L’année 2023 a commencé avec le changement de ce gouvernement, mais la transition ne s’est pas faite sans heurts. L'actuel président du Brésil, Luís Inácio Lula da Silva, a pris ses fonctions le 1er janvier et, une semaine plus tard, les partisans de l'ancien président ont envahi les bâtiments des trois pouvoirs à Brasilia. Les attaques terroristes menées par un groupe articulé ont laissé un scénario dévastateur.
Les biens publics du pays ont été détruits ou endommagés, notamment des œuvres d'art d'une valeur inestimable. Parmi les pertes se trouve le tableau As Mulatas, de Di Cavalcanti. Il s'agit d'un panneau horizontal mettant en valeur quatre figures féminines travaillant superposées sur un grand paysage. Ce sont des femmes à la peau brune, métisses et mulâtres.
Dans ce tableau, l'artiste utilise la même logique qu'Almeida Júnior, qui est de mettre en avant des figures marginalisées et socialement opprimées, mais qui sont au cœur du fonctionnement de notre tissu social. Estimée à 8 millions de R$, l'œuvre en question se trouvait dans la grande salle du palais du Planalto et présentait sept déchirures sur sa toile.
Outre l'œuvre acclamée de Di Cavalcante, plusieurs œuvres d'art ont été touchées et détruites lors des attentats terroristes du 8 janvier 2023.
La destruction de ce patrimoine par les extrémistes prouve que l'art est politique ! Cela prouve que l’art est bel et bien nécessaire. Après tout, la réalité brésilienne exprimée dans l’intention de faire face génère un malaise même chez les plus profanes. L’art est politique et le sera toujours, quel que soit le nombre de forces opposées qui surgissent.
par Stéphanie Wruck | 6 janvier 2023 | nouvel artiste
Le Coletivo Amarelo est fier d'ajouter un autre artiste étonnant à notre répertoire. Shikha Baheti Lohia est une artiste indienne avec une vision et un talent artistique uniques.
Rencontrez Shikha Baheti, une artiste qui exprime ses expériences à travers l'art botanique et l'encre noire
Les œuvres de Shikha Baheti sont un résumé visuel de ses réflexions et principes sur les facettes de la nature qui ne sont pas seulement esthétiques, mais existentielles. Après tout, le temps et l’expérience, la sagesse et l’âge, la mort et la survie font partie intégrante du processus de vie.
Artiste émergente d'Hyderabad, capitale de l'État de Telangana, Shikha a créé des dessins botaniques abstraits assimilant les aspects physiologiques de la survie, de l'âge et de la sagesse, en utilisant les fleurs comme thème de son travail. L'artiste déconstruit la fleur pour exposer ses aspects primordiaux de reproduction, de faim et de survie.
Établissant des parallèles avec la majorité après être devenue mère, Shikha regarde au-delà de la beauté et de la fragilité auxquelles les fleurs sont souvent associées et les considère comme un phare matriarcal de sagesse, de détermination et de résilience. Son utilisation de l’encre noire s’inspire non seulement de sa formation, mais aussi du fait que le noir et le blanc sont des couleurs universelles et, à son avis, les couleurs les plus pures, les plus humbles et les plus vraies.
Actuellement, l'artiste présente deux expositions, une à l'Art Mela et une autre à la Holy Art Gallery, à Londres, une galerie dédiée aux artistes émergents.
C'est un honneur d'accueillir Shikha Baheti au sein du Collectif Jaune.
La représentation des fleurs dans l'art féminin
Shikha Baheti n'est pas la première femme à utiliser la représentation des fleurs dans son art. Nous avons sélectionné quatre artistes féminines qui, tout au long de leur carrière, ont représenté les fleurs dans leur vision artistique.
Georgia O'Keeffe
L'artiste américaine est connue pour ses peintures poétiques de différentes espèces de fleurs et est considérée comme l'une des principales figures féminines de l'histoire de l'art.
Son utilisation de la couleur et les formes organiques des fleurs apportent un air féminin et délicat qui vient aussi du grand intérêt du peintre pour la musique. Les fleurs apparaissent dans ses tableaux depuis 1918, mais ce n'est qu'en 1924 qu'elle peint sa première fleur agrandie. Entre 1918 et 1932, l'artiste réalise plus de 200 tableaux de toutes sortes de fleurs : roses, pétunias, coquelicots, camélias, tournesols, etc.
Canna rouge, Georgia O'Keeffe
Marianne Nord
Marianne était une biologiste anglaise, également connue pour ses peintures de fleurs, de plantes et de paysages naturels. Son travail a capturé avec une précision remarquable et incroyablement précise les détails les plus profonds de la botanique.
En 1870, il voyage au Brésil, où il passe 8 mois à réaliser plus de 100 peintures à partir de l'observation de l'écosystème et de la faune qu'il y trouve. Cette passion pour les paysages et la peinture conduit l'artiste à se retirer dans une cabane en forêt, où elle peint à l'huile les paysages qu'elle trouve.
Fleur de Pâques ou fleur de Pâques, Morro Velho, Brésil, Marianne Nord
Anna Atkins
Botaniste et photographe, Atkins a été la première artiste à publier un livre photo avec des images, ainsi que l'une des premières femmes photographes. Anna a réalisé des cyanotypes, qui sont des images imprimées en bleu, dans le cas de l'artiste, de fleurs et de plantes. Ses montures étaient révolutionnaires pour l'époque. Dans ceux-ci, l'artiste a placé des plantes sur du papier photographique, produisant ainsi de délicats photogrammes. Ce qui est étonnant à propos de ce processus, c'est qu'il a été réalisé en 1850 !
Cystoseira fibrosa Cystoseira, l'algue britannique d'Anna Atkins
Hilma de Klint
La Suédoise Hilma af Klint est considérée comme une pionnière de l’art abstrait. Au milieu des années 1890, l'artiste réalise quelques études botaniques et les transfère en dessins détaillés à l'aquarelle et au graphite sur papier.
Entre les années 1906 et 1915, Hilma a créé plus de 150 tableaux.
Sur l'observation des fleurs et des arbres, Hilma af Klint
Shikha Baheti suit son chemin pour rejoindre ces grands artistes en tant que femme qui utilise les fleurs pour représenter toute la complexité de son existence. Le Coletivo Amarelo est très fier de faire partie de cette histoire. Achetez dès maintenant les œuvres exclusives de Shikha.
par Stéphanie Wruck | 22 novembre 2022 | nouvel artiste
Comment s'initier à l'art ? Cette question quelque peu subjective est abordée par l'un des artistes les plus récents à rejoindre le Coletivo Amarelo, Gianlluca Carneiro. L'artiste et enseignant brésilien est directement impliqué dans des projets de citoyenneté et d'éthique et, en classe, il a trouvé des moyens d'initier ses élèves à la politique à travers l'éducation par l'art.
Rencontrez Gianlluca Carneiro et sa vision de l'éducation artistique
Dans son portfolio, Gianlluca partage un peu son histoire. Né à Minas Gerais, au Brésil, l'artiste plasticien est également professeur d'histoire au réseau municipal de Cariacica, à Espírito Santo. De plus, Gianlluca est titulaire d'une licence en droit et a étudié l'art et l'éducation au CEFART de Belo Horizonte.
Dès son plus jeune âge, plus précisément dès l'âge de 6 ans, Gianlluca s'est manifesté comme artiste à travers la peinture. Depuis lors, sa carrière s'étend sur plus de 20 ans, présentant son art dans différentes expositions à Minas Gerais, São Paulo et Espírito Santo. Sans oublier les publications dans des revues et expositions de renommée nationale et internationale, comme son œuvre « Humor Azul, Coração Azul » qui a été finaliste à la Doncaster Art Fair.
Gianlluca Carneiro appelle son univers artistique Cabeça Vazia, une pièce de théâtre sur le dicton populaire « une tête vide est l'atelier du diable ». Selon ses propres mots : « L'important est que cette tête vide soit pleine et occupée à produire des œuvres avec des couleurs, des traits et des compositions colorées et chaotiques, toujours soutenues par une critique des structures politiques et sociales et du mode de vie contemporain ».
L’artiste contemporain s’inscrit dans les discussions les plus récentes présentes à travers le monde. L’un d’eux est l’importance de repenser le système actuel d’éducation artistique.
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Documenta est l'une des plus grandes expositions d'art contemporain au monde et a lieu tous les cinq ans dans la ville de Kassel, en Allemagne. L'exposition a été créée en 1955 par Arnold Bode, dans l'Allemagne d'après-guerre. Une partie de sa motivation venait de la nécessité de revenir à l'art interdit par le nazisme et de réintroduire le pays aux dernières tendances internationales. Depuis, l'exposition Documenta 15 est devenue une institution majeure dans le monde de l'art.
En 2022 a eu lieu la 15e édition de l'exposition, organisée par le collectif ruangrupa de Jakarta, en Indonésie. Le collectif a basé Documenta sur les valeurs et les idées d'un terme très courant en Indonésie, lumbung, qui signifie quelque chose comme « grenier à riz communautaire ». L'idée d'utiliser ce terme comme modèle artistique et économique repose sur des principes tels que la collectivité, la construction conjointe des ressources et leur répartition équitable.
Dans cette édition, plusieurs points résonnent et l'un d'eux dialogue directement avec l'art et le positionnement actif de Gianlluca Carneiro, qui est de repenser les structures de l'éducation artistique contemporaine. Dans l'exposition, cela se traduit par l'idée de collectif et se demande pourquoi nous ne pouvons pas apprendre les uns des autres, brisant les paradigmes, comme la figure d'autorité de l'enseignant ?
Cette idée de transformer l'éducation s'exprime dans la Documenta 15 à travers l'art de *foundationClass, un collectif formé en 2016 à la Weißensee Kunsthochschule Berlin (KHB). Le collectif est apparu comme une plate-forme éducative pour l'art et une boîte à outils créée pour faciliter la vie des immigrants touchés par le racisme en Allemagne.
Pour approfondir ce concept d'éducation artistique collective et mieux connaître l'artiste, le Coletivo Amarelo a réalisé un entretien avec Gianlluca Carneiro. Lisez un extrait de notre conversation, que nous avons ouverte par un discours de l'artiste qui fédère toute cette réflexion derrière l'éducation artistique et ce potentiel inexploité.
Gianlluca : Je vois chez mes élèves beaucoup de potentiel artistique qui n’est pas vraiment exploité au sein de l’école et moi, en tant qu’enseignant et artiste, j’essaie de leur apporter cela à tout moment. Apporter quoi ? Apporter des idées pour éveiller quelque chose en eux, démystifier cette idée selon laquelle l'art n'est qu'au musée, alors qu'en fait on fait de l'art tout le temps. Et utilisez-le pour débattre de politique
Collectif Jaune : Y a-t-il des obstacles au sein de l’école pour introduire ces nouveaux modèles ? Quelle est la résistance ?
Gianlluca : Le plus fou dans tout ça, c'est que je fais partie d'un projet appelé Ensina Brasil, destiné aux zones de vulnérabilité sociale, et par hasard je me suis retrouvé dans une école où se trouvent des militaires. Pendant un moment, j'ai pensé que ce serait un frein, mais j'arrive à approfondir le sujet de la politique, sans discours superficiels et aussi sans partisanerie. Mais faire cela en utilisant l’art rend même le processus plus facile au sein de l’école, aussi incroyable que cela puisse paraître.
Collectif Jaune : La figure de l'enseignant est un lieu de confort, de sécurité, où « il n'y a pas de questions stupides », un espace moins intimidant… Vous, en tant qu'enseignant, quels conseils donneriez-vous à ceux qui veulent se lancer dans l'art, en savoir plus sur l'art, mais vous ne savez pas par où commencer ou peut-être vous sentez-vous timide ?
Gianlluca : Le détachement de l'art vient parfois de langages très complexes, difficiles pour nous à présenter les gens… Je vais vous donner un exemple de quelque chose qui m'est arrivé cette semaine. J'ai organisé un concours d'art à l'école, j'ai souligné qu'il y aurait un prix, mais que ce n'était pas pour encourager cette compétitivité agressive, mais pour stimuler la création.
Un de mes élèves en éducation spécialisée, il a un œil de verre, une basse vision et il a remporté le concours de dessin. C'était un stand à l'extérieur, son sourire était quelque chose d'incroyable. Une autre étudiante, avec une très faible estime d'elle-même, a remporté le concours de peinture et elle n'a jamais pu voir ce qu'elle faisait. Il disait toujours que tout ce qu'il faisait était de la merde*… Cela m'a montré une fois de plus que l'art est ce que nous faisons de la manière la plus authentique possible.
Le chemin pour commencer est certes compliqué, mais aujourd'hui nous avons tellement de nouvelles formes, des collectifs comme le Coletivo Amarelo, des propositions alternatives, des lieux qui nous reçoivent plus ouvertement et qui nous encouragent à faire des choses. C'est pour ceux qui commencent à faire de l'art, à consommer, à en vivre. Aussi banal que cela puisse paraître, le secret est de s'y jeter à fond.
Collectif Jaune : Ce que vous avez dit sur l’accès actuel à tant d’outils et d’informations fait parfois peur aussi. Parce que peut-être que ça rend un peu la personne sans savoir par où commencer ou sans comprendre où elle s'inscrit dans tout ça... Et on finit par oublier que la création artistique est un processus qui prend du temps, qu'il faut du temps, un temps vraiment lent. digestion. Le processus de l'artiste consistant à se reclus là-bas, à « attendre que quelque chose » se produise, est parfois extrêmement solitaire et très déroutant.
Gianlluca : C'est un processus qui prend beaucoup de temps. Et nous ne le faisons pas pour une galerie, nous le faisons parce que cela doit être fait. Je suis un peu folle… J'ai mon carnet de croquis, mes gribouillages… et les idées viennent, les couleurs, les formes, et à partir d'elles j'expérimente. La plupart du temps, cela n’arrive pas là où je le souhaite. Il y a des couches qui s'accumulent et, je n'ai pas peur, je ne planifie pas trop, je suis plutôt une personne d'action.
Des œuvres exclusives de Gianlluca sont disponibles dans notre boutique, découvrez-les !
par Stéphanie Wruck | 10 novembre 2022 | nouvel artiste
Coletivo Amarelo est en constante croissance et nous sommes fiers de présenter un autre artiste qui fera partie du collectif, Jerusa Simone. L'artiste portugaise, qui vit aujourd'hui à Zurich, a un regard unique recueilli tout au long de sa vie et exprimé à travers son art. En essayant de recréer des souvenirs et des émotions, le travail de Jerusa dialogue avec le surréalisme.
Rencontrez Jerusa Simone, une artiste qui recrée des moments et des expériences à travers le surréalisme
L'art de Jerusa Simone est principalement basé sur ses expériences personnelles quotidiennes, ses émotions et ses souvenirs récurrents. Au cours de son processus, l'artiste travaille souvent à partir de dessins naïfs issus de fonds abstraits dépourvus d'idée préexistante. De cette manière, Jerusa considère la peinture comme un acte basé sur des mouvements spontanés et des choix intuitifs.
Cette origine de l'art dans le subconscient et cette tentative de recréer des souvenirs est directement liée au surréalisme, exprimé à travers ses créations. Ses objets prennent des formes basées sur la subtilité et les lignes informelles, formant des figures humaines, reproduisant des signes visuels familiers, accompagnés d'une certaine étrangeté.
Afin de stimuler visuellement et intellectuellement le spectateur, tout le travail de l'artiste consiste à reconstruire le lien entre symboles, significations, couleurs et textures, quel que soit le support utilisé.
Jerusa Simone est originaire de la ville de Porto, au Portugal, mais vit aujourd'hui à Zurich, en Suisse. L'artiste est diplômé en arts plastiques de l'École Artistique de Porto et de l'Accademia di Belli Arti di Roma.
Ces dernières années, Jerusa explore différents supports de la peinture à travers l’art vidéo. Grâce à cela, elle a eu l'opportunité d'exposer à l'international dans différents contextes et lieux, tels que le Portugal, l'Italie, l'Arabie Saoudite, l'Angleterre, la Grèce, l'Espagne, les États-Unis et, récemment, dans son pays d'accueil, la Suisse.
La femme et le surréalisme
Cette année, la Biennale de Venise a tenu sa 59e édition et, pour la première fois en 127 ans, a exposé majoritairement des artistes féminines. Dans cette édition, la Biennale a abordé les mystères du subconscient humain et de son surréalisme du point de vue d'artistes féminines.
Organisée par l'Italienne Cecilia Alemani, l'exposition explorait des thèmes qui gravitent autour de l'imagination de différentes réalités, de l'univers des rêves et de nouvelles perceptions sur ce que signifie être humain. De plus, il liait l'influence de la technologie dans la création de nouveaux êtres et le sauvetage de notre imagination d'enfant.
Le travail de Jerusa, quant à lui, est entièrement lié au thème de l'exposition. Cette relation est principalement marquée par la tentative de l'artiste de revisiter les souvenirs à travers la peinture. En réalisant cet exercice de mémoire, l’artiste crée des scénarios étranges, pourtant quelque peu familiers au spectateur.
Accompagnant cette tendance des femmes dans le surréalisme, Jerusa Simone crée quelque chose de surréaliste au milieu des temps déroutants et intenses que nous vivons.
Pour l'accueillir au Coletivo Amarelo et unir sa vision unique à la nôtre, nous avons réalisé une interview avec l'artiste. Lisez un extrait de notre conversation et apprenez-en un peu plus sur Jerusa Simone, une femme qui utilise ses expériences et le surréalisme pour exprimer son art.
Collectif Jaune : À propos du tableau « Souvenirs d'un futur match », la plaisanterie que vous faites avec les mots est intéressante : la « mémoire » étant quelque chose qui fait référence à un passé, à quelque chose qui n'est pas encore arrivé, qui est dans le futur. Il y a une certaine tentative de manipulation du temps, du trafic… parlons un peu plus de cette œuvre, quel a été le processus de création derrière ?
Jérusalem Simone : Au fond, ce tableau a été réalisé à un moment de transition très précis, j'étais en Italie, sur le point de déménager en Suisse. Ce sentiment est très étrange, mais il était déjà connu. Un domaine que je savais déjà plus ou moins auquel j'allais affronter. Traiter la scène du nouveau et de l'ancien, cette dualité. Le tableau est divisé en deux parties : la partie supérieure avec des éléments liés à la colonne italienne. Ce corps presque obèse, qui s'inspire des travaux de Lucien Freud. J'ai regardé ce corps, et j'ai voulu apporter cette idée de beauté et de laideur, et redonner de l'espace aux femmes, sans hypersexualiser le corps féminin, mais en amenant d'autres corps. Je voulais me voir représenté. J'ai toujours eu beaucoup de problèmes avec moi-même, alors en regardant les peintures de Freud, je me suis dit : "Wow, c'est grotesque, mais tellement beau". Ces corps marginalisés, presque conflictuels, obligent le public à regarder. Et le corps a toujours un contour rouge, et c'est toujours dans les coins, mais toujours là. La position reflète cela, cette phase de changement, de peur. C'est un endroit familier, mais c'est effrayant.
ICI: Il a une qualité onirique, nous nous réveillons et le rêve est très clair, et à mesure que le temps passe, les détails du rêve s'estompent. Et votre travail a cette caractéristique de la mémoire qui est un peu floue. Qu'est-ce que ça fait de faire un tableau qui reflète votre moment présent, puis des années plus tard, de revisiter ce même tableau et de revenir sur ces souvenirs, un peu flous, avec cette qualité onirique ? Quelque chose a changé?
Jérusalem Simone : En le regardant maintenant, je ressens toutes mes motivations, je me souviens de tous les éléments que j'ai ajoutés, que j'ai éliminés… et maintenant, à cet instant, je suis à la place que je voulais être lorsque j'ai réalisé ce tableau. Cela fait maintenant deux ans que je suis en Suisse, mais entre-temps, j'ai surmonté ma peur qui était très présente dans ce travail. Cet élément de mettre la main dans le feu est quelque chose que j'utilise beaucoup, c'est presque un autoportrait, je me mets en danger, mais je n'y peux rien. Une scène d’auto-sabotage et de transition, où l’on laisse quelque chose derrière soi.
ICI: Cette peinture illustre un de vos événements de transition personnelle, au cours duquel vous vous êtes déplacé d'un endroit à un autre et avez placé les éléments qui étaient présents dans ce processus. Mais même s'il s'agissait d'une partie spécifique de votre vie, je peux la regarder et m'y voir d'une manière ou d'une autre, peut-être dans une transition que j'ai traversée, mais je le fais à travers le rêve de quelqu'un d'autre. Presque comme si j'avais visité le rêve de quelqu'un d'autre. Pensez-vous que cela fait partie du surréalisme féminin ?
Jérusalem Simone : Il m'a fallu découvrir cette petite niche (le surréalisme féminin), qui est ce jeu auquel je joue avec divers éléments, cet échange de sens des éléments que j'utilise, et au fur et à mesure que le temps passe et que j'accumule de nouvelles expériences, les choses s'effacent et transformer. Mon travail fait donc de ce jeu une sorte de puzzle…
Des œuvres exclusives de Jerusa sont disponibles dans notre boutique, n'hésitez pas à y jeter un œil !
par Stéphanie Wruck | 18 octobre 2022 | Événements
Et si nous pouvions réimaginer les paysages que nous faisons circuler à travers l’art ?
La pièce « Nautica 01 » est une collaboration entre Rafaela Salgueiro et Duda Affonso, deux artistes brésiliens résidant au Portugal.
Le duo propose, à partir de leurs investigations théoriques et poétiques individuelles, un partenariat qui vise à fusionner la photographie et l'intervention picturale. Suivant une proposition d'invention des réalités, les artistes voient l'intervention photographique comme un moyen de créer de nouveaux mondes possibles. Rafaela croit que la peinture nous permet d'élargir notre imagination au-delà des limites de ce qui est représenté par une photographie.
Le travail de Rafaela explore le mécanisme permettant de révéler et de cacher simultanément des éléments d'une image, offrant au spectateur de nouvelles possibilités d'interaction tout en construisant d'autres récits. Duda Affonso, à son tour, observe le monde et collectionne les vestiges d'histoires qui pourraient un jour exister, que ce soit à travers la photographie, le collage ou le cinéma, tout en construisant son propre imaginaire.
Cette pièce est une invitation à réimaginer le paysage nautique, célébrant la revitalisation de la marina de Cascais, au Portugal. En ajoutant des couches de peinture sur chaque élément de l'image, l'artiste révèle des réalités possibles qui ne vivent peut-être que dans notre subconscient.
Photographie réalisée en 35mm en Italie, 2019.
par Stéphanie Wruck | 2 mai 2022 | nouvel artiste
À travers une perspective accueillante et intime, Gabriela Vasconcellos capture le trivial, créant des compositions qui visent à nous faire affronter des sentiments et des sensations intérieures. Son travail tente de nous connecter à notre essence en utilisant une approche intuitive. Les photographies se présentent comme une énergie calme, et c'est en maîtrisant la texture et le ton que Gabriela parvient à se libérer de l'évidence. Elle applique soigneusement des éléments de la vie quotidienne, ajoutant une couche de délicatesse et de tendresse combinée à l'esthétique nostalgique de la photographie analogique. Le résultat est des photos incroyablement sensibles qui, selon l’artiste, peuvent être un moyen de redécouvrir des parties cachées de nous-mêmes.
Née au Brésil, Gabriela travaille comme journaliste et art-thérapeute, en plus de capturer son environnement avec un appareil photo 35 mm. Tourner sur pellicule, c'est vivre le temps qui passe différemment et elle s'intéresse à capturer les petits moments de la vie quotidienne, à ressentir le temps dans sa globalité et à s'autoriser à ralentir. À l’heure de l’accélération et de la productivité du numérique, il est radical d’adopter l’approche inverse en matière de travail. Les photographies de Gabriela nous aident à réfléchir sur la façon dont nous avançons dans la vie, nous offrant l'occasion de simplement faire une pause.
Gabriela a partagé avec nous quelques conseils importants sur le tournage de films et ce qui l'a le plus aidée lorsqu'elle a commencé son processus d'expérimentation avec la photographie analogique.
Façons de prendre de meilleures photos avec votre appareil photo analogique selon Gabriella Vasconcelos
1) Développez vos photos
Cette astuce peut paraître extrêmement évidente, mais il est très courant que des gens achètent un appareil photo analogique, dans l'espoir de prendre de belles photos, mais jamais de développer la pellicule. Gabriella dit qu'il est important de développer le film pour voir quel genre d'images nous obtenons et ce qui peut être amélioré. Alors n’accumulez pas de rouleaux interminables de films non développés, allez développer !
Gabriela déclare : « L'autre raison pour laquelle il est important de développer votre film est qu'il permettra au processus analogique de réellement entrer dans votre pratique créative. Beaucoup de gens hésitent à commencer à tourner des films parce qu'ils pensent que cela demande trop d'efforts, mais c'est parce qu'ils n'ont pas encore intégré l'habitude de développer des films dans leur routine de travail. J'avais l'habitude de prendre des photos tout le temps avec un appareil photo argentique, mais je n'ai jamais pris le temps de développer le film, donc je ne savais même pas quel genre de travail je produisais.
2) Ayez toujours des images supplémentaires avec vous
Vous ne savez jamais quand vous allez manquer de film, alors voici votre rappel de toujours avoir un rouleau de film supplémentaire à portée de main. Ainsi, vous ne manquerez jamais cette occasion de photographier quelque chose de spécial que vous avez trouvé.
3) Soyez conscient de votre environnement
Lors d’un tournage sur pellicule, on ne sait jamais quel sera le résultat. Gabriella pense qu'il est important d'être plus attentif lorsque l'on se promène. « Levez les yeux, regardez en bas, explorez tous les angles autour de vous et expérimentez. On ne sait jamais ce qui va sortir – et c'est une bonne chose ! Prenez votre temps avec cela aussi, cela ajoute des couches de réflexion à vos photos.
4) Gardez à l'esprit que le processus analogique suit son propre temps
Il convient de noter que prendre des photos avec un appareil photo argentique implique que l'ensemble du processus se déroule différemment qu'avec le numérique. La photographie analogique a ses propres contraintes de temps et spécificités et Gabriella estime qu'il est impératif de s'immerger dans le processus et de s'y habituer.
"Il faut du temps pour développer le film, pour numériser les photos (si c'est quelque chose que vous aimeriez faire) et comprendre ce temps non pas comme un problème, mais comme un processus qui vous permet d'être beaucoup plus présent pendant le tournage. . C'est une expérience totalement différente de prendre une photo de quelque chose à l'aide de votre téléphone et de votre appareil photo argentique. Même si je photographie exactement le même sujet, il est important de se sentir à l'aise avec le processus lui-même.
Les photographies de Gabriela sont disponibles à l'achat dans notre boutique.
par Stéphanie Wruck | 18 avril 2022 | Article
Le Gradient Art est une technique qui utilise les couleurs d'un dégradé pour créer une œuvre d'art. Une popularité croissante de l'art du dégradé s'est produite, c'est-à-dire lorsqu'un mélange progressif d'une couleur dans une autre se produit, créant différentes transitions de couleurs. Selon les couleurs utilisées, l'art dégradé obtenu peut évoquer un large éventail d'émotions et de sentiments, transformant ainsi vos espaces environnants.
Qu’est-ce que l’art dégradé ?
L'art dégradé est un type d'art qui utilise un dégradé de couleurs pour créer l'illusion de profondeur et d'espace tridimensionnel. Les couleurs sont également utilisées à d’autres fins comme la peinture, le dessin, la sculpture, la photographie, etc. Avec ce type d’art, la lumière peut être projetée sur un objet sous différents angles, lui donnant un aspect réaliste. Les couleurs changent également en fonction de la façon dont vous les voyez, offrant un attrait artistique et permettant différentes interprétations par les spectateurs.
Les artistes utilisent différentes techniques pour créer ces peintures, telles que la superposition, le mélange et l'application de dégradés avec différentes couleurs ou textures. Ils peuvent le faire en utilisant divers pinceaux, crayons, crayons de couleur ou même leurs doigts.
Mais que sont les dégradés ? Et en quoi diffèrent-ils en couleur ?
Les dégradés sont des transitions de couleurs qui changent progressivement d'une couleur à l'autre. Les angles sont généralement créés avec une série de peintures mélangées à des degrés divers. Les dégradés de couleurs sont le type de dégradé le plus courant et peuvent être utilisés pour les arrière-plans ou les bordures, mais ils peuvent également être utilisés à d'autres fins, comme créer un mur d'accent ou ajouter de la profondeur à une image. Un dégradé arc-en-ciel est souvent utilisé pour créer de la profondeur et de la dimension dans les images.
Il existe différents types de dégradés, notamment les dégradés radiaux, les dégradés linéaires et les dégradés diagonaux.
Mark Rothko et sa propre utilisation de l'art du dégradé
Connu pour ses grandes peintures colorées et captivantes, Mark Rothko souhaitait évoquer les émotions humaines fondamentales – la colère, la consternation, l’extase – à travers la peinture. Son travail était vaste dans l'utilisation de la couleur, ainsi que dans les grands espaces créés, permettant au spectateur d'éprouver différentes sensations.
Les dégradés de Rothko n'étaient pas précisément mélangés, mais plutôt construits de manière à inviter le spectateur à se demander quelle couleur était placée en premier sur la toile. Il a développé pour la première fois sa technique de composition en 1947, décrite par le célèbre critique d'art Clement Greenberg comme une « peinture sur champs de couleurs », un terme qui décrirait parfaitement le travail de Rothko.
Les dégradés de Rothko ne ressemblent à aucun autre en raison de la manière dont l'artiste a créé ses peintures. Rothko a appliqué une grande quantité de peinture noire en traits irréguliers sur la toile, puis l'a étalé sur les bords, créant un effet gratté. Les dégradés uniques de Rothko se retrouvent dans de petites zones des peintures, généralement au milieu lorsque les tons passent de l'un à l'autre.
Ses peintures ont été créées pour être vécues personnellement, où l'atmosphère de l'espace traduit les différentes émotions transmises par les couleurs. L'une des séries les plus célèbres de Rothko est celle de Seagram, présentée à la Tate Modern de Londres. La série comprend sept peintures sombres et sombres, utilisant une palette de noirs, de rouges et de bruns. Rothko a donné les peintures à la Tate Modern, le musée où se trouve la plus grande collection d'œuvres de JMW Turner, et en raison de sa propre admiration pour Turner, Rothko s'attendait à ce que la série soit exposée dans la galerie aux côtés des œuvres de Turner.
Le changement d'atmosphère des dégradés sombres de Rothko aux ciels artistiques dégradés parfaitement mélangés de Turner est profondément émouvant. Un dialogue entre les deux se crée instantanément au fur et à mesure que les visiteurs passent d’une galerie à l’autre.
Des rectangles colorés de Rothko aux illustrations numérisées en dégradé utilisées dans la publicité, l'expérimentation de la couleur est fondamentale à la fois pour la création d'œuvres d'art et pour l'expérience du spectateur.
Que ressentez-vous avec chaque couleur ?
Est-il possible de décrire de tels sentiments ?
Sont-ils inconfortables ? Ou sont-ils apaisants ?
Quel genre d’émotion un dégradé de couleurs spécifique évoque-t-il ?
Pour plus d'informations sur la collection Tate : https://www.tate.org.uk/
