por Stephanie Wruck | 19 de agosto de 2021 | Artículo
Percepción:
efecto de percibir, de comprender el significado de algo a través de los sentidos.
El acto de observar lo que nos rodea ocurre todos los días de forma automática e inmediata, independientemente de los espacios en los que estemos insertos; ya sea en un museo, en el interior o caminando por las calles de la ciudad. A partir de estas observaciones, es posible asignar significados a determinadas situaciones y circunstancias.
Partiendo de esta idea, ¿cuáles son las ventajas de cuestionar nuestros propios procesos de mirar las obras artísticas?
El tema del tiempo es la percepción, contextualizado dentro de los mecanismos de la mirada. El ejercicio de observar una obra de arte puede darse de innumerables formas, generando diferentes resultados en la obra misma y también en el observador.
Nuestra capacidad de asignar significado a las obras artísticas puede desarrollarse más profundamente cuando estamos atentos a nuestros propios procesos de observación. ¿Cuál es la diferencia entre asignar significados y una comprensión genuina y orgánica?
Hay imágenes que funcionan como medio para dar sentido a situaciones y escenarios, y otras que ofrecen una comprensión automática de lo que antes no se masticaba para nuestro consumo. En este caso, ¿cuál sería el papel del observador en la producción de significados para las obras de arte?
Nuestras percepciones también interfieren en la producción de nuestros recuerdos, fusionando imágenes de información y creando nuevos lenguajes y significados. Por lo tanto, nuestros campos imaginarios están en constante cambio. ¿Es posible cultivar nuestro propio mecanismo de mirada para volvernos más profundos y significativos?
Durante las próximas semanas, propondremos ejercicios oculares, investigaremos nuestra relación con la forma en que vemos las obras de arte e ilustraremos el tema trayendo obras de artistas que dialogan con estas preguntas.
Imagen: Marco Tirelli
por Stephanie Wruck | 30 de abril de 2021 | Artículo
Eduardo Politzer es un diseñador de sonido y artista brasileño de Río de Janeiro y hoy le hablamos de su obra digital “Labirinto”.
Esta es una invitación a ponerse los auriculares, perderse, reencontrarse y, con suerte, soñar. Politzer creó un nuevo espacio digital lleno de sonidos, recuerdos, sueños, poemas y pensamientos sueltos. A medida que navega por el laberinto, haciendo clic en hipervínculos que lo redirigen a diferentes rincones, dibuja su propio camino. A veces, el laberinto puede ser profundamente conmovedor y personal, otras veces puede ser relajante y divertido.
Tuvimos la oportunidad de navegar el laberinto de Eduardo con él, haciendo preguntas en el camino. Compartió con nosotros cómo fue el proceso de creación de la obra y lo que aprendió de la experiencia.
“Ponte los auriculares.
Piérdete, sueña.
Cuando te das cuenta que estás en un laberinto
es porque has estado allí durante mucho tiempo.
Pero no te apresures,
Quizás aprendas algo en el camino.
Tal vez encuentres algo valioso,
Tal vez aprendas algo valioso sobre ti mismo,
Tal vez,
Tal vez te despiertes con un sentimiento,
Quizás tu cerebro utilice este tiempo para simular diferentes situaciones.
Descartar lo que tiene poca importancia.
Para prepararse para algo en el futuro.
En este laberinto encontrarás personajes y lugares,
Sonido e imagen.
Tiempo y pensamiento.
Metafísica y disparates.
Te diré mis sueños
Y luego me dices el tuyo.
esto es un adorno
Un collar que colocamos alrededor del cuello del tiempo,
A ver si se doma.
Te invitamos a explorar el laberinto por tu cuenta, visita aquí. Hacer clic aquí para visitar el sitio web de Eduardo. Síguelo en IG: @eduardopolitzer
por Stephanie Wruck | 26 de abril de 2021 | Artículo
En el último año, la pandemia de la COVID-19 ha supuesto un indudable protagonismo del trabajo en entornos digitales. Al igual que otros sectores productivos, la creación artística sufrió varias adaptaciones durante este período. En el Colectivo Amarelo hemos propuesto en las últimas dos semanas una investigación histórica de la relación entre el arte e Internet, sugiriendo reflexiones relacionadas con los primeros experimentos con la tecnología y las intervenciones del movimiento NetArt en los años 90, muchas veces predictivas del desempeño de los artistas. en un mundo cada vez más digitalizado. . Los textos anteriores están disponibles en nuestro blog bajo la etiqueta “Internet”. Haga clic aquí para leer nuestra última publicación sobre el movimiento Net.Art.
En los primeros meses de 2021 asistimos a lo que parecía ser el detonante de una nueva era en la relación entre arte e internet. Las ediciones de NFT invadieron las redes sociales y los grupos artísticos poco después de que la casa tradicional de Christie's subastara una obra de arte completamente digital por US$ 69 millones (o R$ 382 millones).
“Todos los días: los primeros 5000 días“, del artista digital contemporáneo Beeple, obtuvo US$ 69 millones en la última subasta de Christie's Auction House.
El trabajo es un collage de ilustraciones diarias que el artista realizó durante 5000 días consecutivos (Imagen: Beeple/Christies disponible en BBC.com)
¿Qué sucedió? ¿De donde vino? ¿Es esta una nueva tendencia?
Después de casi dos décadas de especulación inestable, las billeteras de criptomonedas como Bitcoin se han disparado especialmente en el último año. El valor de solo 1 Bitcoin saltó de US$ 0,34 a mediados de 2010 a alrededor de US$ 50 000 (o aproximadamente R$ 280 000 – cita de Google: Morningstar y Coinbase, consulta 23/04/2021).
Sin embargo, no todo tipo de producto tenía la misma posibilidad de introducirse en el mercado de las criptomonedas, debido a que el comercio monetario que se da en el mundo tecnológico empezó a demandar una estructura más segura, ya que toda la transacción se realiza en una moneda que no existen en el mundo real. El sistema en línea Blockchain se creó a partir de esta necesidad. Es una plataforma que funciona como un intercambio de criptomonedas y sirve para explorar, rastrear, monitorear y registrar transacciones complejas.
En Blockchain, cada comercio está codificado como un enlace inmutable y, por lo tanto, ahora se han introducido en el comercio de criptomonedas otros objetos que necesitarían un valor no intercambiable en transacciones más seguras, como las obras de arte.
Pero, ¿qué significa “objetos con valores no intercambiables”? Imagina dos situaciones:
- Estás en una tienda y tu compra fue de $ 100. Tienes la opción de pagar con dos billetes de $ 50, 5 billetes de $ 20 o 10 billetes de $ 10, etc. Por lo tanto, la moneda común es mutuamente intercambiable (o fungible).
- Supongamos que posee tres casas ubicadas en la misma calle, una con un valor de $ 500 000 y otras dos con un valor de $ 250 000 cada una. Aunque su precio es cercano, si hipotéticamente se agrupan las dos casas que valen $ 250.000, no necesariamente tendrán el mismo valor estipulado que la casa que vale $ 500.000, aunque los valores unitarios combinados resulten en un valor equivalente. Esto se debe a que cada casa es única y tiene sus propias características, es decir, tienen valores mutuamente no intercambiables (o no fungibles).
En este sentido, Blockchain permite intercambiar objetos con valor no intercambiable por criptomonedas, manteniendo un aspecto fundamental: la singularidad. Para ello, cada objeto estará vinculado a un vínculo inmutable registrado en la Blockchain. Estos enlaces inmutables se denominan NFT (token no fungible). Los NFT también son capaces de sustentar otro aspecto esencial para el mercado del arte: el concepto de escasez, encargado de valorar la pieza teniendo en cuenta cuántas unidades idénticas existen o no. Además, las NFT ofrecen un nuevo tipo de registro para artistas, ya que los enlaces inmutables registrados en Blockchain pueden contener toda la información y especificaciones técnicas de la obra producida en un formato de “Contrato Inteligente”.
En definitiva, la nueva revolución en el mundo y en el mercado del arte permite que las obras se vendan 100% digitalmente, formando un nuevo segmento: Crypto Art. Cada archivo de imagen, video, sonido, texto o software, así sea único o de edición limitada, se convierte en un NFT registrado en Blockchain. Como resultado, cada NFT tendrá un precio y se venderá en Criptomoneda.
Fotograma del trabajo en video NFT del diseñador gráfico estadounidense Kii Arens basado en una casa real en California.
Los postores pujarán por este NFT, y el ganador también recibirá la propiedad física en 221 Dryden Street.
Después de este proceso, NFT tiene un contrato rastreable con los derechos de autor más creíbles, seguros e innovadores. Por ejemplo, hasta la aparición del Crypto Art, un artista no recibía un porcentaje de la ganancia correspondiente a la reventa de su obra. Con el Smart Contract, una cláusula puede vincular un porcentaje obligatorio de transferencia al autor de la obra en caso de que se revenda el NFT. Noah David, especialista responsable de la primera subasta NFT celebrada en Christie's, declaró que “el potencial que imponen las NFT para romper con el modelo tradicional de subastas de arte es inmenso”.
Aún así, siguen siendo archivos digitales, ¿alguien puede tenerlos? En teoría sí, en la práctica no, porque solo quien tiene el NFT es dueño de la obra. El propietario legítimo estará asegurado en el registro de Blockchain.
Vale la pena recordar que Crypto Art está muy influenciado por los videojuegos (por cierto, un nicho de diseño visual que recientemente ganó el merecido puesto de producción con contenido artístico). En otras palabras, el aspecto destacado tiene características futuristas que incluso se remontan a las intervenciones predictivas de NetArt.
“Dioses en alta resolución”, del artista canadiense Grimes. La obra tiene un aspecto futurista inspirado en los juegos.
El NFT fue subastado por $ 77,000 (Imagen: Grimes / Niftygateway)
Finalmente, es en este contexto de congruencia ejercido por un entorno tecnológico de infinitas posibilidades asociado a una situación global de protagonismo digital, que se instala una nueva era para el arte e internet. Crypto Art propone una reinserción de las vanguardias de los 90. Un reboot. Nos corresponde a nosotros, los artistas, reflexionar sobre nuestro propio conservadurismo en relación a los avances del arte con la tecnología. Crypto Art se establece no solo como una tendencia, sino como un movimiento. Es ingenuo creer en la ilegitimidad del movimiento basándose únicamente en que este arte “no existe” en la vida real. Al fin y al cabo, si lo digital existe es porque lo creamos nosotros, haciéndolo parte de nuestra realidad. Con ello, el arte cumple su rol de catalizador de nuevas lecturas de estas realidades.
REFERENCIAS:
Venta Extraordinaria – BBC News Brasil
Archivo JPG se vende por 69 millones – New York Times
Obras de arte de NFT se venden con una casa física en California – Dezeen
por Stephanie Wruck | 15 de abril de 2021 | Artículo
Net.Art surgió a principios de los 90, cuando un grupo de artistas comenzó a explorar las posibilidades que ofrecía internet: desde promocionar su trabajo hasta usar software y navegadores para crear nuevas obras Estos artistas se dieron cuenta rápidamente de la importancia de Internet como herramienta para redescubrir el valor intrínseco del arte, desconectados de los mecanismos del mercado del arte, cambiando el enfoque del objeto al proceso.
Los trabajos realizados durante este período ilustran el espíritu dinámico y colaborativo de internet dentro del proceso creativo. Internet era un nuevo territorio en el que los artistas podían explorar posibilidades de novedad que existían más allá de los espacios físicos. Esta total libertad de intermediarios puesta por las instituciones de arte sobre el trabajo del artista y la versatilidad de internet como medio, transformó el movimiento net.art en una revolución. Desafió la forma en que se hizo, intercambió, promovió y exhibió el arte.
LOS ARTISTAS, LAS ARTISTAS
Hemos reunido a tres destacados artistas vinculados al movimiento net.art, destacando la importancia de su trabajo.
Olia Lialina
Pionera en el movimiento net.art, Lialina es mejor conocida por su obra de arte para navegador de 1996 "My Boyfriend Came Back From The War". Puede navegar haciendo clic en diferentes partes de la pantalla mientras se desarrolla una narrativa. La historia trata sobre una pareja que se reencuentra después de la guerra y su dificultad para reconectarse emocionalmente. Confiesa una aventura con el vecino mientras surge una propuesta de matrimonio. Esta pieza cinematográfica, granulada y similar a un GIF influyó en muchos artistas posteriores que experimentaron con navegadores y software. visitar el trabajo aquí.
mouchette
Mouchette es el trabajo realizado por primera vez en 1996 por la artista residente en Ámsterdam Martine Neddam. Ella invita al espectador a navegar a través de un laberinto de sitios web HTML de la vida turbulenta de un adolescente que lucha contra el suicidio y el trauma. La obra es oscura pero humorística y divertida, y nos mantiene adivinando lo que sucederá a continuación. En el momento en que se creó el trabajo, los usuarios encontraron instrucciones sobre dónde encontrarlo a través de un bot interactivo, cuestionarios y correo electrónico. La participación pública fue una parte central del trabajo, creando un espacio del que todos pudiéramos ser parte. Los usuarios también podían enviar sus propias obras de net art a través del sitio web de Mouchette. visitar el trabajo aquí.
Alexéi Shulgin
“Form Art” de Shulgin de 1997 es otro archivo importante de la era del net.art. Usó botones y cuadros HTML para crear composiciones monocromáticas que sirvieron como estudio de la mecánica del propio HTML. Sin embargo, “Form Art” se convirtió en una obra de arte más lírica y abstracta, exponiendo el esqueleto de Internet de una manera nunca antes vista. Shulgin dijo: "Enfocarlos fue una declaración del hecho de que una computadora no es una capa 'transparente' invisible que se debe dar por sentada, sino algo que define la forma en que nos vemos obligados a trabajar e incluso a pensar". visitar el trabajo aquí.
Durante ese tiempo, los artistas de net.art pudieron diseñar un nuevo universo emocional, que existía junto con los espacios emocionales físicos que habitamos, y eventualmente se convirtió en la infraestructura digital por la que navegamos hoy. La naturaleza híbrida de Internet, donde todas las formas de arte tienen un lugar para vivir una al lado de la otra (imágenes, texto, video, sonido, etc.), impactó el núcleo del proceso de creación. Ya no había una separación entre dónde creas, colaboras, diseñas y promocionas; Todo sucedió en Internet. La idea de que Internet podía adaptarse a todos los aspectos del proceso creativo influyó tanto en las obras en sí como en la respuesta del público a ellas.
“el escritorio es“, Alexéi Shulgin, 1997
Josephine Bosma, crítica y teórica especializada en arte en el contexto de internet dijo:
“Para poner el net.art en la perspectiva correcta, la historia del arte debe reescribirse parcialmente. Se puso mucho énfasis en el estatus de mercancía de las obras de arte durante este siglo. Inevitablemente, esta tendencia ha excluido a ciertas artes y artistas que no cumplen con los criterios relacionados. Quizás el net.art nos ofrece la oportunidad de repensar los criterios por los que se valora el arte. Por supuesto, net.art no es un objeto fácilmente perceptible. Gran parte del arte en Internet aparece muy disperso debido al uso de múltiples medios y la transitoriedad. Para experimentarlo, uno debe ser un ávido seguidor de net.culture”.
La visión de Bosma sobre el impacto de la calidad del espacio de Internet en las artes sigue siendo increíblemente valiosa hoy en día. Lo que llamó net.culture en 1998 resuena con todos nosotros, artistas y consumidores de arte, quizás más que nunca. A medida que avanzamos a través de esta gruesa capa de medios a través de las plataformas sociales y la web en su conjunto, es inevitable que nos preguntemos a dónde vamos a ir ahora. Quizás deberíamos seguir el consejo de Bosma y reescribir la historia del arte.
¿Cómo categorizamos el arte en el contexto de internet? ¿Sigue siendo necesario categorizar las diferentes formas de arte? Net.art ha hecho que sea casi irrelevante distinguir qué es arte y qué no lo es. Por lo tanto, Bosma concluyó que los artistas que no deseen describir su trabajo como arte pueden evitar limitar las discusiones sobre la relevancia y el valor de su trabajo dentro de un “mercado del arte”. Como muchos artistas de net.art prefirieron permanecer invisibles, disolviéndose en sus obras efímeras y temporales en internet, Bosma nos dejó una importante reflexión: al fin y al cabo, ¿el arte sólo se beneficia de esta oscuridad?
“Manifiesto ciberfeminista para el siglo XXI“, Matriz VNS, 1991
“marca“, Shu Lea Cheang, 1998
“imagen móvil“, Kit Galloway, Sherrie Rabinowitz y colaboradores, 1975
“verano“, Olia Lialina, 2013
Mucho ha cambiado desde 1998, pero Internet sigue siendo un lugar donde constantemente se derriban muros y se vuelven a construir. Todos los días se escriben nuevos lenguajes visuales, agregando combustible a nuestra vertiginosa experiencia digital compartida, revelando más sobre nosotros mismos a través de capas editadas e impermanentes. ¿Cómo puede ayudarnos el arte a comprender los mecanismos siempre cambiantes de la expresión creativa?
Después de todo, ¿es Internet nuestro mayor aliado a la hora de hacer arte?
Referencias:
