por Stephanie Wruck | 18 de octubre de 2022 | Eventos
¿Y si pudiéramos volver a imaginar los paisajes que circulamos a través del arte?
La pieza “Náutica 01” es una colaboración entre Rafaela Salgueiro y Duda Affonso, ambas artistas brasileñas residentes en Portugal.
El dúo propone, a partir de sus investigaciones teóricas y poéticas individuales, una asociación que pretende fusionar la fotografía con la intervención pictórica. Siguiendo una propuesta de invención de realidades, los artistas ven en la intervención fotográfica una forma de crear nuevos mundos posibles. Rafaela cree que la pintura nos permite expandir nuestra imaginación más allá de los límites de lo representado por una fotografía.
El trabajo de Rafaela explora el mecanismo de revelar y ocultar simultáneamente elementos de una imagen, brindando al espectador nuevas posibilidades de interacción mientras construye otras narrativas. Duda Affonso, por su parte, observa el mundo y recolecta retazos de historias que algún día podrían existir, ya sea a través de la fotografía, el collage o el cine, mientras construye su propia imaginación.
Esta pieza es una invitación a volver a imaginar el paisaje náutico, celebrando la revitalización de la Marina de Cascais, Portugal. Al agregar capas de pintura sobre cada elemento de la imagen, el artista revela posibles realidades que tal vez viven solo dentro de nuestro subconsciente.
Fotografía realizada en 35mm en Italia, 2019.
por Stephanie Wruck | 2 de mayo de 2022 | nuevo artista
A través de una mirada acogedora e intimista, Gabriela Vasconcellos captura lo trivial, creando composiciones que pretenden enfrentarnos a sentimientos y sensaciones interiores. Su trabajo sirve como un intento de conectarnos con nuestra esencia utilizando un enfoque intuitivo. Las fotografías se presentan como una energía tranquila, y es a través del dominio de la textura y el tono que Gabriela logra liberarse de lo evidente. Aplica cuidadosamente elementos de la vida cotidiana, añadiendo una capa de delicadeza y ternura combinada con la estética nostálgica de la fotografía analógica. El resultado son fotos increíblemente sensibles que el artista cree que pueden ser una forma de redescubrir partes ocultas de nosotros mismos.
Nacida en Brasil, Gabriela trabaja como periodista y arteterapeuta, además de capturar su entorno con una cámara de 35 mm. Rodar en película significa experimentar el paso del tiempo de otra manera y ella está interesada en capturar los pequeños momentos de la vida cotidiana, sentir el tiempo en su totalidad y permitirse reducir la velocidad. En tiempos de aceleración y productividad digital, es radical adoptar el enfoque opuesto cuando se trata de trabajar. Las fotografías de Gabriela nos ayudan a reflexionar sobre la forma en que nos movemos por la vida, ofreciéndonos la oportunidad de simplemente hacer una pausa.
Gabriela compartió con nosotros algunos consejos importantes sobre la filmación y lo que más la ayudó cuando comenzó a experimentar con la fotografía analógica.
Maneras de tomar mejores fotografías con tu cámara analógica según Gabriella Vasconcelos
1) Revela tus fotos
Este consejo puede parecer extremadamente obvio, pero es muy común que la gente compre una cámara analógica con la esperanza de tomar fotos hermosas, pero nunca para revelar la película. Gabriella dice que es importante desarrollar la película para ver qué tipo de imágenes obtenemos y qué se puede mejorar. Así que no acumule interminables rollos de película sin revelar, ¡revele!
Gabriela dice: “La otra razón por la que es importante desarrollar tu película es porque permitirá que el proceso analógico entre realmente en tu práctica creativa. Muchas personas son reacias a comenzar a filmar películas porque piensan que requiere demasiado esfuerzo, pero eso se debe a que aún no han incorporado el hábito de revelar películas en su rutina de trabajo. Solía tomar fotografías todo el tiempo con una cámara de película, pero nunca me tomé el tiempo de revelar la película, así que ni siquiera sabía qué tipo de trabajo estaba produciendo”.
2) Siempre tenga imágenes adicionales con usted
Nunca se sabe cuándo se va a quedar sin película, así que aquí está su recordatorio para tener siempre un rollo de película extra a mano. Para que nunca pierdas la oportunidad de fotografiar algo especial que hayas encontrado.
3) Sé consciente de tu entorno
Cuando filmas en película, nunca sabes cuál será el resultado. Gabriella piensa que es importante estar más atenta cuando sales a caminar. “Mira hacia arriba, mira hacia abajo, explora todos los ángulos a tu alrededor y experimenta. Nunca sabes lo que va a salir, ¡y eso es algo bueno! Tómese su tiempo con esto también, agrega capas de pensamiento a sus fotos”.
4) Tenga en cuenta que el proceso analógico sigue su propio tiempo
Vale la pena señalar que tomar fotografías con una cámara de película implica que todo el proceso se desarrolla de manera diferente que digitalmente. La fotografía analógica tiene sus propias limitaciones de tiempo y especificidades, y Gabriella cree que es imperativo sumergirse en el proceso y acostumbrarse.
“Lleva tiempo revelar la película, digitalizar las fotos (si eso es algo que te gustaría hacer) y entender ese tiempo no como un problema, sino como un proceso que te permite estar mucho más presente mientras filmas. . Tomar una fotografía de algo con el teléfono y la cámara de cine es una experiencia totalmente diferente. Incluso si estoy fotografiando exactamente el mismo sujeto, es importante sentirse cómodo con el proceso en sí”.
Las fotografías de Gabriela están disponibles para su compra en nuestra tienda.
por Stephanie Wruck | 18 de abril de 2022 | Artículo
Gradient Art es una técnica que utiliza colores de un degradado para crear una obra de arte. Se ha producido un aumento en la popularidad del arte degradado, que es cuando se produce una mezcla gradual de un color con otro, creando diferentes transiciones de color. Dependiendo de los colores utilizados, el arte degradado resultante puede evocar una amplia gama de emociones y sentimientos, transformando los espacios circundantes.
¿Qué es el arte degradado?
El arte degradado es un tipo de arte que utiliza un degradado de colores para crear la ilusión de profundidad y espacio tridimensional. Los colores también se utilizan de otras formas como la pintura, el dibujo, la escultura, la fotografía, etc. Con este tipo de arte, se puede arrojar luz sobre un objeto desde diferentes ángulos, dándole un aspecto realista. Los colores también cambian dependiendo de cómo los mires, proporcionando un atractivo artístico y permitiendo diferentes interpretaciones por parte de los espectadores.
Los artistas utilizan diferentes técnicas para crear estas pinturas, como capas, mezclas y aplicación de degradados con diferentes colores o texturas. Pueden hacerlo con varios pinceles, lápices, crayones o incluso con los dedos.
Pero, ¿qué son los gradientes? ¿Y cómo difieren en color?
Los degradados son transiciones de color que cambian gradualmente de un color a otro. Los ángulos generalmente se crean con una serie de pinturas mezcladas en diversos grados. Los degradados de color son el tipo de degradado más común y se pueden usar para fondos o bordes, pero también se pueden usar para otros fines, como crear una pared decorativa o agregar profundidad a una imagen. Un gradiente de arco iris se usa a menudo para crear profundidad y dimensión en las imágenes.
Hay diferentes tipos de degradados, incluidos los degradados radiales, los degradados lineales y los degradados diagonales.
Mark Rothko y su propio uso del arte degradado
Conocido por sus pinturas grandes, coloridas y envolventes, Mark Rothko estaba interesado en evocar emociones humanas básicas (ira, consternación, éxtasis) a través de la pintura. Su obra fue expansiva en el uso del color, así como en los amplios espacios abiertos que creó, permitiendo al espectador experimentar diferentes sensaciones.
Los gradientes de Rothko no se combinaron con precisión, sino que se construyeron de una manera que invitaba al espectador a preguntarse qué color se colocó primero en el lienzo. Desarrolló por primera vez su técnica de composición en 1947, descrita por el destacado crítico de arte Clement Greenberg como "pintura de campo de color", un término que describiría perfectamente el trabajo de Rothko.
Los gradientes de Rothko no se parecen a ningún otro debido a la forma en que el artista creó sus pinturas. Rothko aplicó una gran cantidad de pintura negra en trazos irregulares sobre el lienzo y luego untó alrededor de los bordes, creando un efecto áspero. Los gradientes únicos de Rothko se encuentran en áreas pequeñas de las pinturas, generalmente en el medio cuando los tonos pasan de uno a otro.
Sus pinturas fueron creadas para ser experimentadas personalmente, donde la atmósfera del espacio traduce las diferentes emociones que transmiten los colores. Una de las series más famosas de Rothko es Seagram's Murals, que se muestra en la Tate Modern de Londres. La serie está compuesta por siete pinturas oscuras y sombrías, utilizando una paleta de negros, rojos y marrones. Rothko entregó las pinturas a la Tate Modern, el museo donde se encuentra la colección más grande de obras de JMW Turner, y debido a su propia admiración por Turner, Rothko esperaba que la serie se exhibiera en la galería junto con las obras de Turner.
El cambio en la atmósfera de los degradados oscuros de Rothko a los cielos artísticos degradados perfectamente combinados de Turner es profundamente conmovedor. Un diálogo entre los dos se crea instantáneamente a medida que los visitantes caminan de una galería a la siguiente.
Desde los rectángulos de colores de Rothko hasta el arte escaneado degradado que se usa en la publicidad, experimentar con el color es fundamental tanto para la creación de obras de arte como para la experiencia del espectador.
¿Cómo te hace sentir cada color?
¿Es posible describir tales sentimientos?
¿Son incómodos? ¿O son relajantes?
¿Qué tipo de emoción evoca un gradiente de color específico?
Para más información sobre la colección Tate: https://www.tate.org.uk/
por Stephanie Wruck | 21 de diciembre de 2021 | Artículo
Para continuar nuestra discusión sobre el tiempo, hablamos con la artista Dárida Rodrigues, originaria de São Paulo. Su investigación se materializa a través de instalaciones audiovisuales, audiocaminatas, performances y site specifics como un intento de investigar el arte relacional y la propia conciencia humana. Dárida compartió con nosotros la experiencia de crear en aislamiento, el papel del tiempo en la práctica artística y su relación personal con el paso del tiempo.
Me gustaría comenzar hablando de la intencionalidad detrás de su trabajo sobre “alargar el tiempo” para mirar más de cerca nuestro entorno y también lo que vive dentro de nosotros. ¿De dónde venía esta necesidad de unir la práctica artística con los métodos meditativos?
D: Bueno, yo siento que el tiempo, o más bien el paso del tiempo, es una de las únicas constantes en nuestra experiencia, mientras todo cambia. Y siempre me ha interesado mucho la posibilidad de que el tiempo “se detenga, se estire o vuele” en función de nuestra percepción de cada experiencia particular. Creo que este fenómeno de cambio en la percepción y, sobre todo, la relación que se establece entre ésta y nuestros estados mentales y emocionales, es también una de las cosas que siempre me han conectado con las prácticas meditativas desde hace mucho tiempo.
Entonces creo que esa apertura de un espacio interior donde la temporalidad se despliega en otras configuraciones posibles y que a la vez permite habitar más plenamente el momento presente, que exploré mucho a través de la meditación, de vaciar aunque sea por unos segundos la mente también se me cruza. el trabajo, creo, antes que la intencionalidad. Realmente es una brecha que me atrae como investigación y que me interesa explorar en esta transposición de territorios entre el arte y la vida, quizás porque, al menos para mí, estos campos meditativos, o lo espiritual, si se quiere, también son el campo donde opera el arte. Se ha convertido naturalmente en parte del proceso integrar o incluso subvertir los métodos meditativos cuando se trata de crear relaciones entre la subjetividad, el tiempo y el espacio.
Su última obra “Vice-Versa” explora esta idea de movimiento de afectos que interconectan el adentro y el afuera, la recepción y expresión de información e imágenes… Y la obra también terminó ilustrando el paso del tiempo a través de la observación de los flujo de gente en la calle e interacciones con la obra misma. ¿Qué aprendiste de la experiencia de crear la obra “Vice-Versa”?
D: Todavía estoy procesando este cultivo... porque el trabajo ha descubierto muchas capas que han sido interesantes de observar. Pero puedo decir que este impulso de intentar una inversión del punto de vista, aprovechando esta relación entre el interior y el exterior que proporciona el espacio del escaparate y la calle, a través del recurso del video proyectado, permite muchas otras relaciones. confrontarse, como por ejemplo el del tiempo con el espacio, en el espejo invertido que no refleja directamente al observador, creado a través del video y que llama mucho nuestra atención por la posibilidad de experimentar 2 o más temporalidades simultáneamente , como lo que sucedía adentro, lo que sucedía afuera, en el momento presente y lo que sucedía en lo que se veía en acción en la videoperfomance/espejo proyectado, que aún traía otras velocidades, repeticiones e intervenciones y que mediatizaban estas diferentes relaciones entre sujetos, plantas, transeúntes del presente y la imagen. Siento que vale la pena explorar más este espacio-tiempo relacional.
Su otra obra [Des]segredo proponía una trayectoria de un camino mapeado para recorrer la obra en un espacio determinado. ¿Cómo manipulan las obras específicas del sitio nuestra percepción del tiempo?
D: En el proceso de creación de [Des]segredo, que también fue un proyecto de maestría, el audio-wall À Luz, desarrollado para un recorrido específico en el edificio de Bellas Artes de Lisboa, que es un edificio muy antiguo, de materialidad histórica, donde uno se siente el peso no solo material sino también temporal; fue interesante explorar la proposición de una deriva interior (o meditativa) a través del desplazamiento en el espacio, como proceso de aproximación a un lugar común de relación uno a uno, en torno a la idea del Secreto, que se proponía al final.
A partir de este paisaje sonoro traído por las instrucciones de la voz, experimentado y recreado en el presente al caminar por el espacio y también a través de las temporalidades subjetivas que suceden en el momento, para cada participante pude también observar cómo se hacía un viaje espacio/temporal específicamente existir en un espacio en un ámbito artístico, no solo puede influir (o manipular) nuestra percepción del tiempo sino también ser influenciado por ella. Esto porque siento que las obras site-specific están intrínsecamente ligadas al espacio, al mismo tiempo que se abren, a través de esta posibilidad de manifestación de un espacio temporal subvertido, a intervenciones y transformaciones del mismo y en ese sentido , son muy interesantes en esta exploración del universo interior y relacional en diálogo con la temporalidad.
La obra [In]surge, que fue creada durante la cuarentena, es otra obra de inmersión auditiva. Una de nuestras preguntas dentro del tema del tiempo es investigar cómo la falta o abundancia de tiempo afecta los procesos de creación. ¿Cómo fue crear este trabajo durante un período de aislamiento?
D: Fue, como mínimo, un buen ejercicio de cuestionamiento, tanto que al principio llamé a la serie [In]Surge “Ejercicios para “tocar el devenir, abrazar el dolor y masticar lo real”.
Yo, que había decidido una especie de transgresión en el campo del arte, algunos métodos meditativos, al proponer el desplazamiento, la distracción, una poética que me involucraba personalmente en los textos y en los audios, de repente sentí que la vida me pedía, ante todo, digerir, con una limitación de espacio y movimiento sin precedentes, una realidad distópica e incierta, donde estos métodos de meditación “convencionales”, a pesar de ser muy útiles fisiológicamente, no me parecían tener mucho sentido en ese momento. Era realmente una necesidad integrarlos con el proceso de creación. Así que comencé a escribir estas audioinstrucciones para trabajar con las posibilidades de una abstracción meditativa y sensorial de esta condición de encierro y la repentina pseudoabundancia de tiempo e imposibilidad de movimiento, con todas las emociones y preguntas que surgían e insurgían internamente.
¿Es posible que los artistas aprovechen la naturaleza esotérica del proceso de creación en un mundo extremadamente acelerado como el que vivimos hoy?
D: Sí, es difícil pensar lo que no es posible en términos del arte. Pero personalmente, siento que es fundamental dejarnos existir en la vida y en el arte de la manera más integral posible para cada uno, para no ser totalmente tragados o capturados por la vida extremadamente capitalizada y mediatizada, que caracteriza a lo instituido. , viciado, “humanismo”, pero acelerado hoy. Y creo que ese universo esotérico, espiritual o transpersonal es mucho más amplio y está presente en nuestra experiencia subjetiva de lo que muchas veces imaginamos o intelectualizamos, sobre todo porque operamos casi siempre dentro del pensamiento occidental hegemónico, donde nos cuesta dar cabida a lo que no es. puede ser configurado por estos parámetros y así no conectamos con las posibilidades de intuir y crear rituales o hechizos que sean naturales y no “sobrenaturales”, para explorar nuestro universo interior e inventar otras realidades. El campo artístico es un terreno muy fértil para esta exploración, en mi opinión. Mucho de lo que vemos como parte de una naturaleza esotérica y que no está relacionado con el pensamiento racional que conocemos, puede ser una práctica común para algunas otras comunidades y especies, por ejemplo. Si vemos o hacemos arte solo desde el punto de vista de nuestra (muchas veces limitada) cultura, siempre dejaremos de lado experiencias y vivencias que pueden ser fundamentales para existir y quién sabe, para florecer de hecho y políticamente en el presente. No veo espacio/tiempo más receptivo a esto que el arte.
por Stephanie Wruck | 13 de diciembre de 2021 | Artículo
Para comenzar nuestra discusión sobre el tema del TIEMPO, hoy traemos el trabajo de la artista Hilma af Klint, quien creó más de 150 pinturas entre los años 1906 y 1915. Estas pinturas fueron llamadas “Las Pinturas del Templo” y consisten principalmente en imágenes de formas abstractas y orgánicas inspiradas en la geometría de la naturaleza. La obra de Klint presenta un mundo más allá del que conocemos; que trasciende su tiempo actual y desafía la forma en que observamos la realidad.
Klint imaginó un templo que albergaría las pinturas y lo describió en uno de sus muchos diarios como un "edificio redondo, donde los visitantes ascenderían por una escalera de caracol en un viaje espiritual". La descripción de Hilma es extraordinaria, ya que describe el Museo Solomon R. Guggenheim en la ciudad de Nueva York, que solo se construiría décadas después y también sería el museo anfitrión de su exposición individual "Pinturas para el futuro" en 2018. Frank Lloyd Wright, el arquitecto del Guggenheim, creó un lugar no tradicional para el arte no objetivo, y tanto él como Klint compartían una afinidad por las formas orgánicas y el simbolismo espiritual que rodea a la espiral. Tanto la visión arquitectónica de Wright como las pinturas de Klint rompieron con la tradición y ofrecieron un nuevo enfoque a la expresión creativa.
El misticismo de Klint involucra muchos intereses en ocultismo, teosofía, espiritualismo y conceptos científicos. Las pinturas del templo sirvieron como testimonio de espíritus superiores y el artista pasó casi una década trabajando en ellas. Sus pinturas abstractas cambiaron el curso de la historia del arte y plantearon la pregunta: ¿cuál es el papel del tiempo en el proceso esotérico de hacer arte?
¿Cómo pueden los artistas manipular el paso del tiempo a través de sus prácticas?
por Stephanie Wruck | 10 de diciembre de 2021 | Artículo
¿Cuál es el papel de la temporalidad en el proceso artístico?
El concepto de tiempo ha estado en el centro de la expresión artística, desde los trazos rápidos de los impresionistas hasta la observación del tiempo en relación con el espacio de Bruce Nauman; el tiempo sirvió como catapulta para el surgimiento de nuevos puntos de vista y como tema para investigaciones más profundas. La forma en que los artistas entienden el tiempo en el contexto de su práctica siempre ha reflejado la dinámica entre el artista y las demandas externas del mundo, ya sea a través de la contemplación o la intervención.
Dado que vivimos en un mundo en constante cambio, extremadamente acelerado y nuestras experiencias sociales están mediadas por demandas frenéticas, ¿cómo afecta la falta o la abundancia de tiempo a la práctica artística?
Algunos puntos principales a considerar:
La temporalidad en el proceso de producción de arte
Primero, es importante pensar en las formas en que el tiempo ha entrado en la práctica artística y cómo los artistas intentan retratar la naturaleza abstracta e invisible del tiempo a través de las artes visuales. En segundo lugar, el acto de contemplar una obra de arte también es intercambiable, ya que la obra misma cambia con el tiempo, adquiriendo nuevas percepciones y significados. Nagel y Wood (2010) argumentaron que las obras de arte siempre “habitan temporalidades plurales”, ya que una obra de arte es realizada por alguien en un momento dado, pero se refiere a ideas o eventos que a menudo precedieron a ese momento, o apuntan a un imaginario. futuro. (Serafini y Bancos).
Práctica artística orientada al portafolio
Mientras los artistas trabajan en condiciones cada vez más limitadas en el tiempo, teniendo que ser autosuficientes y producir obras para formatos y plataformas específicas (un portafolio, un sitio web o redes sociales), ¿queda espacio para sorpresas y experimentación lenta?
A medida que nuestros entornos digitales se vuelven más complejos, la necesidad de producir obras que sean relevantes para los tiempos actuales parece ser la única forma “correcta” de hacer arte. Pero si los temas relevantes cambian constantemente y es imposible mantenerse al día, ¿queda tiempo para permitir que las ideas se desarrollen orgánicamente? ¿Cómo pueden los artistas aprovechar la naturaleza esotérica, ya menudo lenta, del proceso creativo en el mundo actual?
Falta de tiempo para mirar arte.
La falta de tiempo cuando se trata de artes visuales tiene un impacto no solo en el creador, sino también en el espectador. En cuanto al espectador, ¿todavía tenemos tiempo suficiente para ejercicios de contemplación? ¿Cuál es el momento ideal para la experiencia estética?
Estén atentos en las próximas semanas mientras profundizamos en estas preguntas y otras más relacionadas con el tiempo y el arte.
Fuentes:
Nagel, Alexander & Wood, Christopher (2010): Anachronic Renaissance, Nueva York: Zone Books.
Serafini, Paula & Banks, Mark (2020): Vivir vidas precarias, tiempo y temporalidad en las carreras de artes visuales
por Stephanie Wruck | 10 de noviembre de 2021 | nuevo artista
DESPLAZAMIENTO
Osias André, de Mozambique, emigró a Portugal hace 4 años donde ganó 3 becas de la escuela de arte independiente Ar.Co, una institución dedicada a la experimentación y la formación artística. Osias comenzó a pintar a la edad de 8 años y comenzó su carrera artística a través de la ilustración gráfica, produciendo una colección de libros. Para él, la pintura exige una digestión más lenta e indirecta. En las obras pictóricas aquí expuestas se advierte una búsqueda de identidad, ligada a sus orígenes africanos, a través de una práctica de estudio tradicional europea. El resultado son pinturas impactantes, en las que colores, formas y contenidos actúan en equilibrio, apropiándose de la práctica pictórica occidental para sacar a la luz elementos surgidos de la resistencia cultural africana a siglos de hegemonía eurocentrista. Osias vive y trabaja en Lisboa.
- El desplazamiento de las clásicas composiciones pictóricas eurocéntricas hacia nuevos entornos;
- Manipulación de colores y formas;
- Fortalecer su propia identidad, distanciándose del hogar;
- Equilibrio entre las sensibilidades de la diáspora africana y la preocupación europea por la teoría y la razón.
por Stephanie Wruck | 10 de noviembre de 2021 | nuevo artista
IMPERMANENCIA
Eduardo Dias es biólogo de São Paulo, Brasil, y actualmente trabaja en la Universidad Presbiteriana Mackenzie como Técnico de Laboratorio en el Centro de Investigación en Biociencias. Su trabajo lo lleva a biomas brasileños como el Pantanal, el Cerrado, la Mata Atlántica, entre muchos otros destinos, y la fotografía juega un papel importante en sus viajes. Lo utiliza como herramienta para dar rienda suelta a su imaginación, pero también como medio para crear un repertorio didáctico en el que su conocimiento de la biología se une al arte. Su objetivo es mostrar la belleza de la naturaleza a través de imágenes sensibles, exaltando sus estructuras orgánicas y singularidades. Para Eduardo, esta unión de fuerzas entre el arte y la biología es una forma de alertarnos sobre el entorno que habitamos y todo lo que vive a nuestro alrededor.
- Captar paisajes y especies como advertencia sobre la amenaza inminente para la naturaleza;
- Desmitificar las ideas sobre el mundo natural alabando las bellezas de su realidad;
- Reducir la distancia entre las personas y su entorno.
por Stephanie Wruck | 10 de noviembre de 2021 | nuevo artista
IMPERMANENCIA
Gabriela Albuquerque es una artista brasileña que vive y trabaja en Cascais. Su investigación actual se centra en paisajes y desarrollos recurrentes más allá de la tradición histórica académica de este género. La repetición casi compulsiva de imágenes busca exaltar la paradoja entre la permanencia y la impermanencia de nuestro entorno, de lo que nos es familiar, pero también efímero. La opción por la pintura al óleo, que sigue una tradición centenaria, cuestiona la continuidad de ciertas prácticas que resisten a pesar de las constantes innovaciones. Más que registros de momentos y lugares, son también un intento, quizás frustrado, de hacer permanente lo efímero. Las obras aquí mostradas refuerzan la idea de que somos transitorios, no los espacios que ocupamos.
- Los paisajes nos miran, no al revés;
- Paisajes naturales que sirven como recordatorios de la impermanencia humana.
por Stephanie Wruck | 10 de noviembre de 2021 | nuevo artista
DOCUMENTACIÓN
Martim Meirelles es un fotógrafo estadounidense que vive y trabaja en Nueva York. De ascendencia portuguesa, Martim viaja entre Estados Unidos, Portugal y Mozambique. Su investigación fotográfica documenta vidas humanas que viven al margen de la prosperidad económica y comparten un trasfondo común de lengua portuguesa. Su obra se centra en la belleza, el dolor y la alegría, destacando la capacidad del artista para abordar cada tema con una profunda sensibilidad visual. Las fotografías que aquí se presentan son el resultado de una estancia de un año en el orfanato Madre Maria Clara en Mozambique en 2017 y también de una residencia artística en Nazaré en 2014.
- Documentación de vidas y tradiciones;
- Exposición de la condición humana.
por Stephanie Wruck | 10 de noviembre de 2021 | nuevo artista
TERRITORIO
Juliana Matsumura es brasileña y actualmente vive en Lisboa. Se graduó en Diseño en la Escola Ar.Co y cursó la Licenciatura en Textiles y Moda en la USP. El artista es miembro de Risco Coletivo, un colectivo de prácticas de diseño contemporáneo. El dibujo es su principal medio de expresión y para llevarlo a cabo se apropia de diversas herramientas como el grabado, la fotografía y la pintura. La serie que aquí se presenta forma parte de su obra “Memorias del agua”, que aborda el contacto más cercano con su ascendencia japonesa y su trayectoria como inmigrante brasileño en tierras lusitanas. La cualidad desconocida de los territorios extranjeros se expone a través de tonos difusos como manchas oscuras. Las formas recuerdan recuerdos borrosos que se fusionan con las expectativas que vienen con el proceso de migración. Juliana es capaz de arquitecturar nuevos territorios donde el peso de la ancestralidad y la novedad surgida de nuevas experiencias estén presentes simultáneamente.
- Ríos que conducen a territorios compartidos portando recuerdos de un ancestro perdido;
- El flujo de agua es el responsable de alterar su entorno.
por Stephanie Wruck | 10 de noviembre de 2021 | nuevo artista
Desplazamiento
Natália Loyola es licenciada en Comunicación Social y Periodismo y está cursando una maestría en Antropología – Culturas Visuales en la Universidade Nova de Lisboa. Su investigación se centra en el ejercicio de observación de los lugares por donde circula, especialmente dentro de los paisajes urbanos. Sus fotografías funcionan como una construcción de imágenes de marcadores territoriales de su propio proceso migratorio, todo visto en sus interacciones con la ciudad misma y sus habitantes. La percepción sensible de Natália parte de dualidades como: movimiento vs. quietud; nómada contra sedentario; real contra imágenes y evoca una sensación de familiaridad con los temas de cada imagen. Las obras presentadas reflejan el estudio del artista sobre el desplazamiento como ejercicio de crítica corporal. Natália vive en Almada y trabaja en todo el mundo.
- El caminar como práctica corporal crítica;
- El ejercicio de hacer un lugar desde la cotidianidad;
- Mapeo de campos imaginarios a través de la apropiación de espacios físicos.
