por Stephanie Wruck | 10 de mayo de 2023 | Eventos
Tenemos el placer de invitarle a la inauguración de nuestro espacio físico en Lisboa, el día 20 de mayo, de 18h a 21h en Rua Capitão Leitão 74
ESPERANZA: JERUSA SIMONE
Inicialmente en el ámbito virtual, la plataforma abre su espacio físico en el barrio de Marvila, el 20 de mayo, con la exposición Oxalá, la primera exposición individual en Lisboa de la artista portuguesa Jerusa Simone. Curada por Cristiana Tejo, la muestra comprende pinturas recientes que enfatizan signos recurrentes en sus obras, como el fuego, el ojo, cuerpos disidentes, en un ambiente onírico que evoca recuerdos personales de la artista.
Las exposiciones del espacio del Colectivo Amarelo son como capítulos de una historia que se va desentrañando poco a poco invitando al visitante a volver a seguirla. Simultáneamente, se realizarán ocupaciones en la Menor Galeria de Lisboa, una sala de Proyectos que recibe artistas pertenecientes al colectivo y artistas invitados. La galería más pequeña debuta con Veridiana Leite, artista brasileña afincada en Lisboa, que explora paisajes visitados e imaginados en sus pinturas en composiciones pictóricas que entrelazan abstraccionismo y figurativismo y seres humanos y no humanos. Sus lienzos a menudo se expanden a instalaciones y objetos.
Ahora estamos comenzando un nuevo capítulo para el Colectivo Amarillo. Las obras de arte son una parte vital de la sociedad y esperamos cerrar la brecha entre el arte y el público ofreciendo experiencias creativas genuinas. ¡Ven a brindar y celebrar con nosotros la vibrante atmósfera artística de Marvila!
por Stephanie Wruck | 20 de marzo de 2023 | Eventos
El día 22 tendrá lugar la Bienal Internacional del Alentejo. La edición del evento, que tendrá lugar del 22 al 26 de marzo de 2023, en Estremoz, contará con la presencia de más de 140 artistas nacionales e internacionales, provenientes de 15 países, para garantizar la diversidad de modelos y técnicas de expresión artística .contemporáneo Entre tantos artistas, Gabriela Albuquerque, socia fundadora del Colectivo Amarelo, tuvo una de sus obras seleccionada para la exposición.
Paisaje inútil VI, 2021, Gabriela Albuquerque
gabriela alburquerque
Gabriela Albuquerque es una artista brasileña que busca representar artísticamente su experiencia en diferentes contextos. Su formación inicial es en Letras en la Universidad de São Paulo, pero pronto incursionó en el campo de las artes visuales cuando se graduó en Crítica y Curaduría en la PUC-SP. Posteriormente, trabajó brevemente como curadora y crítica de arte en la ciudad de São Paulo.
La artista se mudó a Washington DC, la capital de los Estados Unidos, y comenzó su formación práctica como artista visual en la escuela Art League de Alexandria, Virginia. Todo ello sin abandonar su campo de crítica y curaduría, participando activamente en grupos, encuentros y talleres promovidos por la Institución Smithsonian y la Galería Nacional de Arte.
Después de tres años viviendo en Virginia, Gabriela Albuquerque se mudó a Seattle, en el estado de Washington. En la nueva ciudad ingresó a la Gage Academy of Art donde continuó su formación artística.
Actualmente, Gabriela vive en Cascais, Portugal. La brasileña terminó su formación en Pintura en el centro de estudios Ar.CO y actualmente forma parte del grupo de estudio y seguimiento crítico NowHere, bajo la dirección de la curadora Cristiana Tejo.
La Bienal Internacional del Alentejo
La primera edición de BIALE está organizada por ARTMOZ con el apoyo de la Municipalidad de Estremoz, Dirección Regional de Cultura de Alentejo y tiene como socios la Bienal Internacional de Artes de Cerveira y la Sociedad Nacional de Bellas Artes. Entre las obras de artistas internacionales y nacionales, hay obras que incluyen pinturas, dibujos, acuarelas, esculturas, cerámicas y fotografías.
El evento comienza el 22 de marzo con la inauguración prevista para las 18:30 horas. El domingo 26 de marzo tendrá lugar la sesión de clausura de la Bienal Internacional do Alentejo.
Te invitamos a asistir a este evento y aprovechar la oportunidad de ver obras de artistas de 15 países. Incluida la brasileña Gabriela Albuquerque, nuestra socia fundadora.
por Stephanie Wruck | 6 de febrero de 2023 | Artículo
Es imposible negar que el arte y la política están entrelazados. Ya sea por la voluntad del artista de expresar su posición o por su ausencia, de una forma u otra, el arte transmite un mensaje político. Una de las voluntades inherentes al ser humano que motiva esta manifestación es la aspiración a la libertad. En el contexto histórico brasileño esto no sería diferente. Después de todo, la práctica de hacer arte en Brasil es, en sí misma, un acto político. Con eso en mente, en el artículo de hoy vamos a abordar la intersección entre el arte y la política en el trabajo de los artistas brasileños y su impacto en el país.
¡El arte es política!
¡El arte es y ha sido siempre una expresión política! Incluso es posible analizar esta conexión en diferentes momentos históricos. Ya sea en el Renacimiento, cuando las pinturas se encargaban y ejecutaban según la posición política del comprador. Sea en un momento dictatorial en el que se censura el arte. El arte es política y la expresión artística tiene una fuerza, sea intencional o no.
Al crear una obra de arte, el artista puede optar por hablar en contra del sistema, en contra de la opresión y en contra de las normas obsoletas de la sociedad, por ejemplo. Hay una infinidad de ubicaciones que un artista puede emplear en su obra. Así como también hay artistas que no buscan expresar una posición política, sin embargo, la ausencia de expresión es una posición en sí misma.
Al contrario de lo que mucha gente piensa, la conexión entre arte y política no tiene por qué tener un carácter panfletario. Es decir, apoyar una idea de forma radical y masiva. El simple hecho de que ciertos artistas se expresen y demuestren su realidad en sus obras es un acto político.
Cuando hablamos de arte y política, también es común que la sociedad entienda esto como una imposición de adoctrinamiento al espectador. Sin embargo, la realidad demuestra que se trata de un pensamiento superficial y sin mucho fundamento. Después de todo, el arte es subjetivo e interactúa con cada individuo de manera diferente. Son varios los estímulos e impactos que la expresión artística provoca en el observador y su interpretación depende de su bagaje cultural, político y social.
Arte y política en el contexto brasileño
En Brasil, un país rico en cultura y diversidad, el arte es una fuerte herramienta política. Para ilustrar esto, dibujamos una línea de tiempo con diferentes artistas y sus impactos en la sociedad brasileña.
Almeida Júnior – Caipira picando tabaco
El artista vivió en el siglo XIX, más precisamente entre 1850 y 1899. A Almeida Júnior se le suele asociar con una palabra que puede verse como peyorativa: “caipira”. Esta relación proviene de su representación del pueblo brasileño en su pluralidad, centrándose en la gente “común” y evitando la representación de los ilustres y aristocráticos, como era habitual.
Oswald de Andrade - Manifiesto Antropofágico
La década de 1920 es un hito histórico para el arte brasileño. Hace 101 años se llevó a cabo la Semana de Arte Moderno, dando inicio al movimiento modernista en el país. Unos años más tarde, en 1928, Oswald de Andrade publicó su Manifiesto Antropofágico. Inspirándose en las ideas del artista y activista político Filippo Tommaso Marinetti, creador del futurismo en el arte, Andrade fundó un movimiento histórico.
El artista publicó su manifiesto en la revista Antropofagia, de São Paulo, con el objetivo de “tragar” técnicas e influencias de otros países. De esta manera, Oswald de Andrade impulsó la creación de una nueva estética artística brasileña.
El movimiento tomó su nombre de promover el “canibalismo” de la cultura extranjera. Después de todo, la cultura extranjera influyó mucho en el arte brasileño. El objetivo del artista era promover una identidad brasileña nueva, multicultural y original, así como a su gente.
Tarsila do Amaral – Abaporu
Una de las pinturas más famosas de la aclamada artista brasileña, Abaporu dialoga directamente con la obra de su esposo, Oswald de Andrade, en el Manifiesto Antropofágico.
La pintura presenta a un hombre sentado con extremidades desproporcionadas, con manos y pies agrandados y una cabeza diminuta en comparación con el resto del cuerpo. Además, el sol en el centro del cuadro y la representación de un cactus refuerzan la idea que podemos entender del cuadro.
La obra es vista como una crítica al trabajo físico, agotador y con poco pensamiento crítico, representando la realidad de gran parte de la población de la época. El cuadro fue pintado en 1928 y marca la etapa antropofágica del artista, que se prolongó hasta 1930.
Arte y política durante la Dictadura Militar en Brasil
Durante los años 1964 y 1985, Brasil pasó por la Dictadura Militar, un período oscuro y represivo. Fueron casi 30 años de opresión militar y los artistas, por supuesto, fueron una de las grandes clases afectadas, perseguidas y censuradas por la dictadura.
El arte como política no se ha callado, al contrario. Incluso viviendo en una época de censura, muchos artistas utilizaron su trabajo a favor de la libertad de expresión, que fue cada vez más silenciada.
Separamos a algunos de los artistas que se destacaron en la lucha contra un sistema opresor y dictatorial:
Cildo Meireles - Cambio rojo
Cildo Meireles es un artista brasileño conocido por su trabajo pionero en la creación de instalaciones de arte en el país. Durante la dictadura, el artista demostró una fuerte posición política, que podemos analizar en su instalación “Desvio para o Vermelho” (1967 – 1984). La instalación está marcada por estas dos fechas ya que marca el año de su concepción (1967) y el año de su primer montaje (1984).
La obra se divide en tres salas pintadas de rojo y articuladas entre sí. En el primer ambiente, Impregnación, nos insertamos en una sala blanca repleta de muebles y obras en tonos rojos. Esto se contrasta en la penumbra de Entorno, el segundo ambiente, donde es posible observar una botella volcada, con un líquido rojo fluyendo en un ambiente totalmente oscuro. En el último ambiente, Desvio, el sonido del agua corriendo guía al espectador a una habitación completamente oscura. La oscuridad solo se ve interrumpida por un fregadero funky, donde fluye agua roja, creando sonido.
Hélio Oiticica – Tropicália
Tropicália es un término creado por el artista Hélio Oiticica y representado en una instalación expuesta en la muestra Nova Objetividade Brasileira, realizada en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro en 1967. La obra es un ambiente compuesto por Penetráveis, PN2 (1966) – Pureza É a Myth, y PN3 (1966-1967) – Imaginería. Esta fue la obra que inspiró la creación estética del movimiento tropicalista entre las décadas de 1960 y 1970.
La obra es rica en elementos propios de la cultura popular brasileña, como arena, tierra, plantas tropicales, tejidos, entre otros. Todos estos elementos juntos subvirtieron el orden estético del modernismo europeo.
Anna Maria Maiolino – “Lo que queda”
A través de un trabajo político y provocador, la artista ítalo-brasileña Anna Maria Maiolino exploró diferentes materiales y medios de expresión. Durante los períodos dictatoriales, las preguntas siempre presentes eran: “¿Cómo hablar? ¿Cómo comunicar en tiempos de dictadura?”.
Estas dudas se expresan en la obra del artista, como la fotografía “O que Sobra” (1974), que muestra a una mujer con la lengua expuesta entre unas tijeras. ¡A través de su arte, la artista cuestiona!
Adriana Varejao
El artista tiene una visión y un trabajo únicos. Su obra parte de una pregunta: “¿Y si las paredes tuvieran vísceras, músculos y sangre?”. Adriana Varejão se encuentra entre los nombres más importantes del arte contemporáneo brasileño y tiene un pabellón dedicado a su obra en Inhotim, el museo al aire libre más grande del mundo, ubicado en Brumadinho, Minas Gerais.
Sin embargo, su obra no se limita a la idea de muros que simulan entrañas humanas. En sus obras expuestas en Inhotim, la artista critica las heridas dejadas por la historia brasileña.
regina parra
La artista expresa su arte a través de la pintura, la fotografía y el video, con un fuerte carácter político vinculado a temas de actualidad sobre el feminismo y la supervivencia en un universo aún misógino y sexista. Regina Parra aborda en sus obras temas como la opresión, la insubordinación y la resistencia femenina.
Arte y política en el escenario actual de Brasil
La política brasileña ha sido disruptiva, por decir lo menos. Fueron cuatro años de un gobierno que estuvo abiertamente en contra de la expresión artística. El Ministerio de Cultura se extinguió justo al inicio del mandato del expresidente, se desechó el sector audiovisual y se desestimuló el arte.
El año 2023 comenzó con el cambio de este gobierno, pero la transición no ha sido fácil. El actual presidente de Brasil, Luís Inácio Lula da Silva, asumió el cargo el 1 de enero y, apenas una semana después, simpatizantes del expresidente invadieron los edificios de los tres poderes en Brasilia. Los atentados terroristas perpetrados por un grupo articulado dejaron un escenario desolador.
La propiedad pública del país fue destruida o dañada, incluidas obras de arte de valor incalculable. Entre las pérdidas se encuentra el cuadro As Mulatas, de Di Cavalcanti. Se trata de un panel horizontal con gran énfasis en cuatro figuras femeninas trabajando superpuestas a un gran paisaje. Son mujeres de piel morena, mestizas y mulatas.
En esta pintura, la artista utiliza la misma lógica de Almeida Júnior, que es dar protagonismo a figuras marginadas y socialmente oprimidas, pero que son el núcleo del funcionamiento de nuestro tejido social. Estimada en R$ 8 millones, la obra en cuestión estaba en el Gran Salón del Palacio del Planalto y tenía siete rasgaduras en su lienzo.
Además de la aclamada obra de Di Cavalcante, varias obras de arte fueron golpeadas y destruidas en los ataques terroristas del 8 de enero de 2023.
¡La destrucción de este patrimonio por parte de los extremistas demuestra que el arte es político! Demuestra que el arte es realmente necesario. Después de todo, la realidad brasileña expresada con la intención de hacer frente genera malestar incluso en los más laicos. El arte es político y siempre lo será, sin importar cuántas fuerzas opuestas surjan.
por Stephanie Wruck | 6 de enero de 2023 | nuevo artista
Coletivo Amarelo se enorgullece de traer a otro artista increíble a nuestro repertorio. Shikha Baheti Lohia es una artista india con una visión y un arte únicos.
Conoce a Shikha Baheti, una artista que expresa sus experiencias a través del arte botánico y la tinta negra
Las obras de Shikha Baheti son un resumen visual de sus reflexiones y principios sobre facetas de la naturaleza que no son solo estéticas, sino existenciales. Después de todo, el tiempo y la experiencia, la sabiduría y la vejez, la muerte y la supervivencia son partes intrínsecas del proceso de vivir.
Una artista emergente de Hyderabad, capital del estado de Telangana, Shikha creó diseños botánicos abstractos que asimilaban los aspectos fisiológicos de la supervivencia, la edad y la sabiduría, utilizando las flores como tema de su trabajo. El artista deconstruye la flor para exponer sus aspectos primordiales de reproducción, hambre y supervivencia.
Trazando paralelismos con la mayoría de edad después de convertirse en madre, Shikha mira más allá de la belleza y la fragilidad con las que a menudo se asocian las flores y las ve como un faro matriarcal de sabiduría, determinación y resiliencia. Su uso de la tinta negra se inspira no solo en su formación académica, sino también en el hecho de que el blanco y el negro lo abarcan todo y, en su opinión, los colores más puros, humildes y verdaderos.
Actualmente, el artista se exhibe con dos exposiciones, una en el Art Mela y otra en The Holy Art Gallery, en Londres, una galería dedicada a artistas emergentes.
Es un honor dar la bienvenida a Shikha Baheti al Colectivo Amarillo.
La representación de las flores en el arte femenino
Shikha Baheti no es la primera mujer en utilizar la representación de flores en su arte. Seleccionamos a cuatro artistas mujeres que, a lo largo de su carrera, representaron las flores en su visión artística.
Georgia O´Keeffe
La artista estadounidense es conocida por sus pinturas poéticas de diferentes especies de flores y es considerada una de las principales figuras femeninas de la historia del arte.
Su uso del color y las formas orgánicas de las flores aportan un aire femenino y delicado que también proviene del gran interés de la pintora por la música. Las flores han aparecido en sus pinturas desde 1918, pero no fue hasta 1924 cuando pintó su primera flor ampliada. Entre 1918 y 1932, el artista realizó más de 200 cuadros de todo tipo de flores: rosas, petunias, amapolas, camelias, girasoles, etc.
Canna roja, Georgia O'Keeffe
marianne norte
Marianne fue una bióloga inglesa, también conocida por sus pinturas de flores, plantas y paisajes naturales. Su trabajo ha capturado de manera notable e increíblemente precisa los detalles más profundos de la botánica.
En 1870 viajó a Brasil, donde pasó 8 meses produciendo más de 100 pinturas a partir de la observación del ecosistema y la fauna que allí encontró. Esta pasión por los paisajes y la pintura llevó a la artista a recluirse en una cabaña en el bosque, donde pintó al óleo los paisajes que encontraba.
Flor de Pascua o Flor de Pascua, Morro Velho, Brasil, Marianne North
Ana Atkins
Botánica y fotógrafa, Atkins fue la primera artista en publicar un fotolibro con imágenes, además de ser una de las primeras fotógrafas. Anna produjo cianotipos, que son imágenes impresas en azul, en el caso de la artista, de flores y plantas. Sus monturas fueron revolucionarias para la época. En ellos, el artista colocó plantas sobre papel fotográfico, produciendo delicados fotogramas. ¡Lo sorprendente de este proceso es que se realizó en 1850!
Cystoseira fibrosa Cystoseira, alga británica de Anna Atkins
Hilma de Klint
La sueca Hilma af Klint es considerada una pionera del arte abstracto. A mediados de la década de 1890, el artista realizó algunos estudios botánicos y los trasladó a dibujos detallados en acuarela y grafito sobre papel.
Entre los años 1906 y 1915, Hilma creó más de 150 pinturas.
Sobre la contemplación de flores y árboles, Hilma af Klint
Shikha Baheti recorre su camino para unirse a estos grandes artistas como una mujer que utiliza las flores para representar toda la complejidad de su existencia. El Colectivo Amarelo está muy orgulloso de ser parte de esta historia. Compra las obras exclusivas de Shikha ahora.
por Stephanie Wruck | 22 de noviembre de 2022 | nuevo artista
¿Cómo aprender sobre arte? Este tema un tanto subjetivo lo aborda uno de los artistas más nuevos en incorporarse al Colectivo Amarelo, Gianlluca Carneiro. El artista y docente brasileño está directamente involucrado con proyectos de ciudadanía y ética, y dentro del aula ha encontrado formas de introducir a sus alumnos a la política a través de la educación a través del arte.
Conoce a Gianlluca Carneiro y su visión sobre la educación artística
En su portafolio, Gianlluca comparte un poco de su historia. Nacido en Minas Gerais, Brasil, el artista visual también es profesor de historia en la red municipal de Cariacica, en Espírito Santo. Además, Gianlluca tiene una Licenciatura en Derecho y estudió arte y educación en CEFART en Belo Horizonte.
Desde muy temprana edad, más precisamente a partir de los 6 años, Gianlluca se demostró como artista a través de la pintura. Desde entonces, su carrera abarca más de 20 años, llevando su arte a diferentes exposiciones en Minas Gerais, São Paulo y Espírito Santo. Sin mencionar las publicaciones en revistas y exposiciones de renombre nacional e internacional, como su obra “Humor Azul, Coração Azul”, que fue finalista en la Feria de Arte de Doncaster.
Gianlluca Carneiro llama a su universo artístico Cabeça Vazia, un juego del dicho popular “la cabeza vacía es taller del diablo”. En sus propias palabras: “Lo importante es que esta cabeza vacía está llena y ocupada produciendo obras con colores, trazos y composiciones coloridas y caóticas siempre sustentadas en la crítica a las estructuras políticas y sociales y al modo de vida contemporáneo”.
El artista contemporáneo se alinea con las más recientes discusiones presentes alrededor del mundo. Uno de ellos es la importancia de repensar el actual sistema de educación artística.
documentos 15
Documenta es una de las mayores exposiciones de arte contemporáneo del mundo y tiene lugar cada cinco años en la ciudad de Kassel, Alemania. La exposición fue creada en 1955 por Arnold Bode, en la Alemania de posguerra. Parte de su motivación vino de la necesidad de volver al arte prohibido por el nazismo y de reintroducir al país en las últimas tendencias internacionales. Desde entonces, la exposición Documenta 15 se ha convertido en una gran institución en el mundo del arte.
En 2022 tuvo lugar la 15ª edición de la exposición, curada por el colectivo ruangrupa de Yakarta, Indonesia. El colectivo basa Documenta en los valores e ideas de un término muy común en Indonesia, lumbung, que significa algo así como “granero comunitario de arroz”. La idea de utilizar este término como modelo artístico y económico se basa en principios como la colectividad, la construcción conjunta de los recursos y su justa distribución.
En esta edición resuenan varios puntos y uno de ellos dialoga directamente con el arte y el posicionamiento activo de Gianlluca Carneiro, que es repensar las estructuras de la educación artística contemporánea. En la exposición, esto se traduce desde la idea de lo colectivo y cuestiona ¿por qué no podemos aprender unos de otros, rompiendo paradigmas, como la figura de autoridad del docente?
Esta idea de transformar la educación se expresa en Documenta 15 a través del arte de *foundationClass, un colectivo formado en 2016 en la Weißensee Kunsthochschule Berlin (KHB). El colectivo surgió como una plataforma educativa para el arte y un conjunto de herramientas creado para facilitar la vida de los inmigrantes afectados por el racismo en Alemania.
Para profundizar en este concepto de educación artística colectiva y conocer mejor al artista, el Colectivo Amarelo realizó una entrevista a Gianlluca Carneiro. Lea un extracto de nuestra conversación, que abrimos con un discurso del artista que unifica todo este pensamiento detrás de la educación artística y este potencial sin explotar.
Gianlluca: Veo mucho potencial artístico entre mis alumnos que no está tan explorado dentro de la escuela y yo, como docente y artista, trato de acercarles eso en todo momento. ¿Traer qué? Aportar ideas para despertar algo en ellos, desmitificar esa idea de que el arte solo está en el museo, cuando en realidad hacemos arte todo el tiempo. Y utilízalo para debatir política.
Colectivo Amarillo: ¿Hay obstáculos dentro de la escuela para traer estos nuevos modelos? ¿Qué es la resistencia?
Gianlluca: Lo más loco de todo esto es que yo soy parte de un proyecto llamado Ensina Brasil, dirigido a zonas de vulnerabilidad social, y por casualidad terminé en una escuela donde hay militares. Por un momento pensé que esto sería un estorbo, pero logro traer el tema de la política de una manera más profunda, sin discursos superficiales y también sin partidismos. Pero hacer esto usando el arte incluso hace que el proceso sea más fácil dentro de la escuela, por increíble que parezca.
Colectivo Amarillo: La figura del docente es un lugar de comodidad, de seguridad, donde “no hay preguntas tontas”, un espacio menos intimidante… Tú, como docente, ¿qué consejo le darías a quien quiere empezar a hacer arte, conoce más arte, pero no sabes por dónde empezar o tal vez te da vergüenza?
Gianlluca: El desapego por el arte a veces viene de lenguajes muy complejos, nos cuesta presentar a la gente… Te pongo un ejemplo de algo que me pasó esta semana. Tuve un concurso de arte en la escuela, recalqué que habría un premio, pero que no era para fomentar esa competitividad agresiva, sino para estimular la creación.
Un estudiante mío de educación especial, tiene un ojo de vidrio, baja visión y ganó la competencia de dibujo. Era un stand afuera, su sonrisa era algo increíble. Otra estudiante, con muy baja autoestima, ganó el concurso de pintura y nunca pudo ver lo que estaba haciendo. Siempre diciendo que todo lo que hacía era una mierda*… Esto me demostró una vez más que el arte es lo que hacemos de la manera más genuina posible.
El camino para empezar sí que es complicado, pero hoy tenemos tantas formas nuevas, colectivos como el Coletivo Amarelo, propuestas alternativas, lugares que nos acogen más abiertamente y que nos animan a hacer cosas. Esto es para los que están empezando a hacer arte, a consumir, a vivir de ello. Por banal que sea, el secreto está en lanzarse de lleno.
Colectivo Amarillo: Eso que dijiste, de tener hoy acceso a tantas herramientas e información, a veces también asusta. Porque tal vez hace que la persona esté un poco sin saber por dónde empezar o sin entender dónde encaja en todo esto... Y acabamos olvidándonos de que el hacer artístico es un proceso que lleva tiempo, que lleva tiempo, un proceso muy lento. digestión. El proceso del artista de estar recluido allí, “esperando que suceda algo”, es extremadamente solitario a veces y súper confuso.
Gianlluca: Es un proceso que lleva mucho tiempo. Y no lo hacemos por una galería, lo hacemos porque hay que hacerlo. Estoy un poco loca… tengo mi cuaderno de bocetos, mis garabatos… y vienen las ideas, los colores, las formas, ya partir de ahí experimento. La mayoría de las veces no llega a donde quiero. Hay capas que se acumulan y, no tengo miedo, no planifico demasiado, soy más una persona de acción.
Obras exclusivas de Gianlluca están disponibles en nuestra tienda, ¡échales un vistazo!
por Stephanie Wruck | 10 de noviembre de 2022 | nuevo artista
El Coletivo Amarelo está en constante crecimiento y estamos orgullosos de presentar a otra artista que formará parte del colectivo, Jerusa Simone. La artista portuguesa, que ahora vive en Zúrich, tiene una mirada única reunida a lo largo de su vida y expresada a través de su arte. Al tratar de recrear recuerdos y emociones, la obra de Jerusa dialoga con el surrealismo.
Conoce a Jerusa Simone, una artista que recrea momentos y vivencias a través del surrealismo
El arte de Jerusa Simone se basa principalmente en sus experiencias personales diarias, emociones y recuerdos recurrentes. Durante su proceso, la artista suele trabajar a partir de dibujos ingenuos que surgen de fondos abstractos desprovistos de una idea preexistente. Así, Jerusa asume la pintura como un acto basado en movimientos espontáneos y elecciones intuitivas.
Este origen del arte en el subconsciente y el intento de recrear recuerdos está directamente ligado al surrealismo, expresado a través de sus creaciones. Sus objetos toman formas basadas en la sutileza y las líneas informales, formando figuras humanas, reproduciendo signos visuales familiares, junto con una cierta extrañeza.
Con el fin de estimular visual e intelectualmente al espectador, todo el trabajo del artista consiste en reconstruir la conexión entre símbolos, significados, colores y texturas, independientemente del medio utilizado.
Jerusa Simone es originaria de la ciudad de Oporto, en Portugal, pero hoy vive en Zúrich, Suiza. El artista se graduó en artes plásticas en la Escuela Artística de Oporto y en la Accademia di Belli Arti di Roma.
En los últimos años, Jerusa ha explorado distintos soportes de la pintura a través del videoarte. Con eso, tuvo la oportunidad de exponer internacionalmente en diferentes contextos y lugares, como Portugal, Italia, Arabia Saudita, Inglaterra, Grecia, España, Estados Unidos y, recientemente, en su país anfitrión, Suiza.
La mujer y el surrealismo
Este año, la Bienal de Venecia celebró su 59ª edición y, por primera vez en 127 años, exhibió artistas en su mayoría mujeres. En esta edición, la Bienal abordó los misterios del subconsciente humano y su surrealismo desde la perspectiva de las mujeres artistas.
Curada por la italiana Cecília Alemani, la exposición exploró temas que orbitan la imaginación de diferentes realidades, el universo de los sueños y nuevas percepciones sobre lo que significa ser humano. Además, vinculó la influencia de la tecnología en la creación de nuevos seres y el rescate de nuestra imaginación como niños.
La obra de Jerusa, por su parte, está íntegramente ligada al tema de la exposición. Esta relación está marcada principalmente por el intento del artista de revivir los recuerdos a través de la pintura. Al realizar este ejercicio de memoria, el artista crea escenarios extraños, pero un tanto familiares para el espectador.
Acompañando esta corriente de mujeres en el surrealismo, Jerusa Simone crea algo surrealista en medio de los tiempos confusos e intensos que estamos viviendo.
Para darle la bienvenida al Coletivo Amarelo y unir su visión única con la nuestra, realizamos una entrevista con la artista. Lee un extracto de nuestra conversación y conoce un poco más sobre Jerusa Simone, una mujer que utiliza sus experiencias y el surrealismo para expresar su arte.
Colectivo Amarillo: Sobre el cuadro “Memorias de un futuro partido”, es interesante el chiste que haces con las palabras: “memoria” siendo algo que se refiere a un pasado, de algo que aún no ha sucedido, que está en el futuro. Hay cierto intento de manipular el tiempo, el tráfico… hablemos un poco más de esta obra, ¿cuál fue el proceso de creación detrás de ella?
Jerusa Simone: Básicamente, esa pintura se hizo en un momento de transición muy específico, estaba en Italia, a punto de mudarme a Suiza. Este sentimiento es muy extraño, pero ya era conocido. Una zona que ya sabía más o menos a la que me iba a enfrentar. Tratando con la escena de lo nuevo y lo viejo, esta dualidad. El cuadro se divide en dos partes: la parte superior con elementos relacionados con la columna italiana. Este cuerpo casi obeso, que está inspirado en la obra de Lucien Freud. Miré ese cuerpo, y quise traer esa idea de la belleza y la fealdad, y darle nuevamente espacio a la mujer, sin hipersexualizar el cuerpo femenino, pero trayendo otros cuerpos. Quería verme representado. Siempre tuve muchos problemas conmigo mismo, así que mirando las pinturas de Freud, pensé: "Wow, esto es grotesco, pero tan hermoso". Estos cuerpos marginados, casi en confrontación, obligan a la audiencia a mirar. Y el cuerpo siempre tiene un contorno rojo, y siempre está en las esquinas, pero siempre ahí. La posición refleja esto, esta fase de cambio, de miedo. Es un lugar familiar, pero da miedo.
AQUÍ: Tiene una cualidad de ensueño, que nos despertamos y el sueño es muy claro, ya medida que pasa el tiempo, los detalles del sueño se desvanecen. Y tu obra tiene esa característica de la memoria que es un poco borrosa. ¿Cómo es hacer una pintura que refleje tu momento presente y luego, años más tarde, volver a visitar esa misma pintura y mirar hacia atrás a esos recuerdos, un poco borrosos, con esa cualidad onírica? ¿Algo cambió?
Jerusa Simone: Mirándolo ahora, puedo sentir todas mis motivaciones, recuerdo todos los elementos que agregué, que eliminé… y ahora, en este momento, estoy donde quería estar cuando hice esta pintura. Llevo dos años en Suiza, pero mientras tanto he superado mi miedo que estaba muy presente en este trabajo. Ese elemento de poner la mano en el fuego es algo que uso mucho, es casi un autorretrato, me pongo en peligro, pero no puedo evitarlo. Una escena de autosabotaje, de transición, de dejar algo atrás.
AQUÍ: Esta pintura ilustra un evento de transición personal tuyo, donde te mudaste de un lugar a otro y colocaste los elementos que estuvieron presentes en ese proceso. Pero a pesar de que esta fue una sección específica de tu vida, puedo mirarla y verme allí de alguna manera, tal vez en alguna transición por la que pasé, pero lo hago a través del sueño de otra persona. Casi como si hubiera visitado el sueño de otra persona. ¿Crees que esto es parte del surrealismo femenino?
Jerusa Simone: Tenía que descubrir este pequeño nicho (surrealismo femenino), que es este juego que juego con varios elementos, este intercambio de significados de los elementos que uso, y a medida que pasa el tiempo y voy acumulando nuevas experiencias, las cosas se van borrando y transformando Así que mi trabajo hace que este juego sea casi como un rompecabezas...
Obras exclusivas de Jerusa están disponibles en nuestra tienda, ¡échale un vistazo!
por Stephanie Wruck | 18 de octubre de 2022 | Eventos
¿Y si pudiéramos volver a imaginar los paisajes que circulamos a través del arte?
La pieza “Náutica 01” es una colaboración entre Rafaela Salgueiro y Duda Affonso, ambas artistas brasileñas residentes en Portugal.
El dúo propone, a partir de sus investigaciones teóricas y poéticas individuales, una asociación que pretende fusionar la fotografía con la intervención pictórica. Siguiendo una propuesta de invención de realidades, los artistas ven en la intervención fotográfica una forma de crear nuevos mundos posibles. Rafaela cree que la pintura nos permite expandir nuestra imaginación más allá de los límites de lo representado por una fotografía.
El trabajo de Rafaela explora el mecanismo de revelar y ocultar simultáneamente elementos de una imagen, brindando al espectador nuevas posibilidades de interacción mientras construye otras narrativas. Duda Affonso, por su parte, observa el mundo y recolecta retazos de historias que algún día podrían existir, ya sea a través de la fotografía, el collage o el cine, mientras construye su propia imaginación.
Esta pieza es una invitación a volver a imaginar el paisaje náutico, celebrando la revitalización de la Marina de Cascais, Portugal. Al agregar capas de pintura sobre cada elemento de la imagen, el artista revela posibles realidades que tal vez viven solo dentro de nuestro subconsciente.
Fotografía realizada en 35mm en Italia, 2019.
por Stephanie Wruck | 2 de mayo de 2022 | nuevo artista
A través de una mirada acogedora e intimista, Gabriela Vasconcellos captura lo trivial, creando composiciones que pretenden enfrentarnos a sentimientos y sensaciones interiores. Su trabajo sirve como un intento de conectarnos con nuestra esencia utilizando un enfoque intuitivo. Las fotografías se presentan como una energía tranquila, y es a través del dominio de la textura y el tono que Gabriela logra liberarse de lo evidente. Aplica cuidadosamente elementos de la vida cotidiana, añadiendo una capa de delicadeza y ternura combinada con la estética nostálgica de la fotografía analógica. El resultado son fotos increíblemente sensibles que el artista cree que pueden ser una forma de redescubrir partes ocultas de nosotros mismos.
Nacida en Brasil, Gabriela trabaja como periodista y arteterapeuta, además de capturar su entorno con una cámara de 35 mm. Rodar en película significa experimentar el paso del tiempo de otra manera y ella está interesada en capturar los pequeños momentos de la vida cotidiana, sentir el tiempo en su totalidad y permitirse reducir la velocidad. En tiempos de aceleración y productividad digital, es radical adoptar el enfoque opuesto cuando se trata de trabajar. Las fotografías de Gabriela nos ayudan a reflexionar sobre la forma en que nos movemos por la vida, ofreciéndonos la oportunidad de simplemente hacer una pausa.
Gabriela compartió con nosotros algunos consejos importantes sobre la filmación y lo que más la ayudó cuando comenzó a experimentar con la fotografía analógica.
Maneras de tomar mejores fotografías con tu cámara analógica según Gabriella Vasconcelos
1) Revela tus fotos
Este consejo puede parecer extremadamente obvio, pero es muy común que la gente compre una cámara analógica con la esperanza de tomar fotos hermosas, pero nunca para revelar la película. Gabriella dice que es importante desarrollar la película para ver qué tipo de imágenes obtenemos y qué se puede mejorar. Así que no acumule interminables rollos de película sin revelar, ¡revele!
Gabriela dice: “La otra razón por la que es importante desarrollar tu película es porque permitirá que el proceso analógico entre realmente en tu práctica creativa. Muchas personas son reacias a comenzar a filmar películas porque piensan que requiere demasiado esfuerzo, pero eso se debe a que aún no han incorporado el hábito de revelar películas en su rutina de trabajo. Solía tomar fotografías todo el tiempo con una cámara de película, pero nunca me tomé el tiempo de revelar la película, así que ni siquiera sabía qué tipo de trabajo estaba produciendo”.
2) Siempre tenga imágenes adicionales con usted
Nunca se sabe cuándo se va a quedar sin película, así que aquí está su recordatorio para tener siempre un rollo de película extra a mano. Para que nunca pierdas la oportunidad de fotografiar algo especial que hayas encontrado.
3) Sé consciente de tu entorno
Cuando filmas en película, nunca sabes cuál será el resultado. Gabriella piensa que es importante estar más atenta cuando sales a caminar. “Mira hacia arriba, mira hacia abajo, explora todos los ángulos a tu alrededor y experimenta. Nunca sabes lo que va a salir, ¡y eso es algo bueno! Tómese su tiempo con esto también, agrega capas de pensamiento a sus fotos”.
4) Tenga en cuenta que el proceso analógico sigue su propio tiempo
Vale la pena señalar que tomar fotografías con una cámara de película implica que todo el proceso se desarrolla de manera diferente que digitalmente. La fotografía analógica tiene sus propias limitaciones de tiempo y especificidades, y Gabriella cree que es imperativo sumergirse en el proceso y acostumbrarse.
“Lleva tiempo revelar la película, digitalizar las fotos (si eso es algo que te gustaría hacer) y entender ese tiempo no como un problema, sino como un proceso que te permite estar mucho más presente mientras filmas. . Tomar una fotografía de algo con el teléfono y la cámara de cine es una experiencia totalmente diferente. Incluso si estoy fotografiando exactamente el mismo sujeto, es importante sentirse cómodo con el proceso en sí”.
Las fotografías de Gabriela están disponibles para su compra en nuestra tienda.
por Stephanie Wruck | 18 de abril de 2022 | Artículo
Gradient Art es una técnica que utiliza colores de un degradado para crear una obra de arte. Se ha producido un aumento en la popularidad del arte degradado, que es cuando se produce una mezcla gradual de un color con otro, creando diferentes transiciones de color. Dependiendo de los colores utilizados, el arte degradado resultante puede evocar una amplia gama de emociones y sentimientos, transformando los espacios circundantes.
¿Qué es el arte degradado?
El arte degradado es un tipo de arte que utiliza un degradado de colores para crear la ilusión de profundidad y espacio tridimensional. Los colores también se utilizan de otras formas como la pintura, el dibujo, la escultura, la fotografía, etc. Con este tipo de arte, se puede arrojar luz sobre un objeto desde diferentes ángulos, dándole un aspecto realista. Los colores también cambian dependiendo de cómo los mires, proporcionando un atractivo artístico y permitiendo diferentes interpretaciones por parte de los espectadores.
Los artistas utilizan diferentes técnicas para crear estas pinturas, como capas, mezclas y aplicación de degradados con diferentes colores o texturas. Pueden hacerlo con varios pinceles, lápices, crayones o incluso con los dedos.
Pero, ¿qué son los gradientes? ¿Y cómo difieren en color?
Los degradados son transiciones de color que cambian gradualmente de un color a otro. Los ángulos generalmente se crean con una serie de pinturas mezcladas en diversos grados. Los degradados de color son el tipo de degradado más común y se pueden usar para fondos o bordes, pero también se pueden usar para otros fines, como crear una pared decorativa o agregar profundidad a una imagen. Un gradiente de arco iris se usa a menudo para crear profundidad y dimensión en las imágenes.
Hay diferentes tipos de degradados, incluidos los degradados radiales, los degradados lineales y los degradados diagonales.
Mark Rothko y su propio uso del arte degradado
Conocido por sus pinturas grandes, coloridas y envolventes, Mark Rothko estaba interesado en evocar emociones humanas básicas (ira, consternación, éxtasis) a través de la pintura. Su obra fue expansiva en el uso del color, así como en los amplios espacios abiertos que creó, permitiendo al espectador experimentar diferentes sensaciones.
Los gradientes de Rothko no se combinaron con precisión, sino que se construyeron de una manera que invitaba al espectador a preguntarse qué color se colocó primero en el lienzo. Desarrolló por primera vez su técnica de composición en 1947, descrita por el destacado crítico de arte Clement Greenberg como "pintura de campo de color", un término que describiría perfectamente el trabajo de Rothko.
Los gradientes de Rothko no se parecen a ningún otro debido a la forma en que el artista creó sus pinturas. Rothko aplicó una gran cantidad de pintura negra en trazos irregulares sobre el lienzo y luego untó alrededor de los bordes, creando un efecto áspero. Los gradientes únicos de Rothko se encuentran en áreas pequeñas de las pinturas, generalmente en el medio cuando los tonos pasan de uno a otro.
Sus pinturas fueron creadas para ser experimentadas personalmente, donde la atmósfera del espacio traduce las diferentes emociones que transmiten los colores. Una de las series más famosas de Rothko es Seagram's Murals, que se muestra en la Tate Modern de Londres. La serie está compuesta por siete pinturas oscuras y sombrías, utilizando una paleta de negros, rojos y marrones. Rothko entregó las pinturas a la Tate Modern, el museo donde se encuentra la colección más grande de obras de JMW Turner, y debido a su propia admiración por Turner, Rothko esperaba que la serie se exhibiera en la galería junto con las obras de Turner.
El cambio en la atmósfera de los degradados oscuros de Rothko a los cielos artísticos degradados perfectamente combinados de Turner es profundamente conmovedor. Un diálogo entre los dos se crea instantáneamente a medida que los visitantes caminan de una galería a la siguiente.
Desde los rectángulos de colores de Rothko hasta el arte escaneado degradado que se usa en la publicidad, experimentar con el color es fundamental tanto para la creación de obras de arte como para la experiencia del espectador.
¿Cómo te hace sentir cada color?
¿Es posible describir tales sentimientos?
¿Son incómodos? ¿O son relajantes?
¿Qué tipo de emoción evoca un gradiente de color específico?
Para más información sobre la colección Tate: https://www.tate.org.uk/
por Stephanie Wruck | 21 de diciembre de 2021 | Artículo
Para continuar nuestra discusión sobre el tiempo, hablamos con la artista Dárida Rodrigues, originaria de São Paulo. Su investigación se materializa a través de instalaciones audiovisuales, audiocaminatas, performances y site specifics como un intento de investigar el arte relacional y la propia conciencia humana. Dárida compartió con nosotros la experiencia de crear en aislamiento, el papel del tiempo en la práctica artística y su relación personal con el paso del tiempo.
Me gustaría comenzar hablando de la intencionalidad detrás de su trabajo sobre “alargar el tiempo” para mirar más de cerca nuestro entorno y también lo que vive dentro de nosotros. ¿De dónde venía esta necesidad de unir la práctica artística con los métodos meditativos?
D: Bueno, yo siento que el tiempo, o más bien el paso del tiempo, es una de las únicas constantes en nuestra experiencia, mientras todo cambia. Y siempre me ha interesado mucho la posibilidad de que el tiempo “se detenga, se estire o vuele” en función de nuestra percepción de cada experiencia particular. Creo que este fenómeno de cambio en la percepción y, sobre todo, la relación que se establece entre ésta y nuestros estados mentales y emocionales, es también una de las cosas que siempre me han conectado con las prácticas meditativas desde hace mucho tiempo.
Entonces creo que esa apertura de un espacio interior donde la temporalidad se despliega en otras configuraciones posibles y que a la vez permite habitar más plenamente el momento presente, que exploré mucho a través de la meditación, de vaciar aunque sea por unos segundos la mente también se me cruza. el trabajo, creo, antes que la intencionalidad. Realmente es una brecha que me atrae como investigación y que me interesa explorar en esta transposición de territorios entre el arte y la vida, quizás porque, al menos para mí, estos campos meditativos, o lo espiritual, si se quiere, también son el campo donde opera el arte. Se ha convertido naturalmente en parte del proceso integrar o incluso subvertir los métodos meditativos cuando se trata de crear relaciones entre la subjetividad, el tiempo y el espacio.
Su última obra “Vice-Versa” explora esta idea de movimiento de afectos que interconectan el adentro y el afuera, la recepción y expresión de información e imágenes… Y la obra también terminó ilustrando el paso del tiempo a través de la observación de los flujo de gente en la calle e interacciones con la obra misma. ¿Qué aprendiste de la experiencia de crear la obra “Vice-Versa”?
D: Todavía estoy procesando este cultivo... porque el trabajo ha descubierto muchas capas que han sido interesantes de observar. Pero puedo decir que este impulso de intentar una inversión del punto de vista, aprovechando esta relación entre el interior y el exterior que proporciona el espacio del escaparate y la calle, a través del recurso del video proyectado, permite muchas otras relaciones. confrontarse, como por ejemplo el del tiempo con el espacio, en el espejo invertido que no refleja directamente al observador, creado a través del video y que llama mucho nuestra atención por la posibilidad de experimentar 2 o más temporalidades simultáneamente , como lo que sucedía adentro, lo que sucedía afuera, en el momento presente y lo que sucedía en lo que se veía en acción en la videoperfomance/espejo proyectado, que aún traía otras velocidades, repeticiones e intervenciones y que mediatizaban estas diferentes relaciones entre sujetos, plantas, transeúntes del presente y la imagen. Siento que vale la pena explorar más este espacio-tiempo relacional.
Su otra obra [Des]segredo proponía una trayectoria de un camino mapeado para recorrer la obra en un espacio determinado. ¿Cómo manipulan las obras específicas del sitio nuestra percepción del tiempo?
D: En el proceso de creación de [Des]segredo, que también fue un proyecto de maestría, el audio-wall À Luz, desarrollado para un recorrido específico en el edificio de Bellas Artes de Lisboa, que es un edificio muy antiguo, de materialidad histórica, donde uno se siente el peso no solo material sino también temporal; fue interesante explorar la proposición de una deriva interior (o meditativa) a través del desplazamiento en el espacio, como proceso de aproximación a un lugar común de relación uno a uno, en torno a la idea del Secreto, que se proponía al final.
A partir de este paisaje sonoro traído por las instrucciones de la voz, experimentado y recreado en el presente al caminar por el espacio y también a través de las temporalidades subjetivas que suceden en el momento, para cada participante pude también observar cómo se hacía un viaje espacio/temporal específicamente existir en un espacio en un ámbito artístico, no solo puede influir (o manipular) nuestra percepción del tiempo sino también ser influenciado por ella. Esto porque siento que las obras site-specific están intrínsecamente ligadas al espacio, al mismo tiempo que se abren, a través de esta posibilidad de manifestación de un espacio temporal subvertido, a intervenciones y transformaciones del mismo y en ese sentido , son muy interesantes en esta exploración del universo interior y relacional en diálogo con la temporalidad.
La obra [In]surge, que fue creada durante la cuarentena, es otra obra de inmersión auditiva. Una de nuestras preguntas dentro del tema del tiempo es investigar cómo la falta o abundancia de tiempo afecta los procesos de creación. ¿Cómo fue crear este trabajo durante un período de aislamiento?
D: Fue, como mínimo, un buen ejercicio de cuestionamiento, tanto que al principio llamé a la serie [In]Surge “Ejercicios para “tocar el devenir, abrazar el dolor y masticar lo real”.
Yo, que había decidido una especie de transgresión en el campo del arte, algunos métodos meditativos, al proponer el desplazamiento, la distracción, una poética que me involucraba personalmente en los textos y en los audios, de repente sentí que la vida me pedía, ante todo, digerir, con una limitación de espacio y movimiento sin precedentes, una realidad distópica e incierta, donde estos métodos de meditación “convencionales”, a pesar de ser muy útiles fisiológicamente, no me parecían tener mucho sentido en ese momento. Era realmente una necesidad integrarlos con el proceso de creación. Así que comencé a escribir estas audioinstrucciones para trabajar con las posibilidades de una abstracción meditativa y sensorial de esta condición de encierro y la repentina pseudoabundancia de tiempo e imposibilidad de movimiento, con todas las emociones y preguntas que surgían e insurgían internamente.
¿Es posible que los artistas aprovechen la naturaleza esotérica del proceso de creación en un mundo extremadamente acelerado como el que vivimos hoy?
D: Sí, es difícil pensar lo que no es posible en términos del arte. Pero personalmente, siento que es fundamental dejarnos existir en la vida y en el arte de la manera más integral posible para cada uno, para no ser totalmente tragados o capturados por la vida extremadamente capitalizada y mediatizada, que caracteriza a lo instituido. , viciado, “humanismo”, pero acelerado hoy. Y creo que ese universo esotérico, espiritual o transpersonal es mucho más amplio y está presente en nuestra experiencia subjetiva de lo que muchas veces imaginamos o intelectualizamos, sobre todo porque operamos casi siempre dentro del pensamiento occidental hegemónico, donde nos cuesta dar cabida a lo que no es. puede ser configurado por estos parámetros y así no conectamos con las posibilidades de intuir y crear rituales o hechizos que sean naturales y no “sobrenaturales”, para explorar nuestro universo interior e inventar otras realidades. El campo artístico es un terreno muy fértil para esta exploración, en mi opinión. Mucho de lo que vemos como parte de una naturaleza esotérica y que no está relacionado con el pensamiento racional que conocemos, puede ser una práctica común para algunas otras comunidades y especies, por ejemplo. Si vemos o hacemos arte solo desde el punto de vista de nuestra (muchas veces limitada) cultura, siempre dejaremos de lado experiencias y vivencias que pueden ser fundamentales para existir y quién sabe, para florecer de hecho y políticamente en el presente. No veo espacio/tiempo más receptivo a esto que el arte.
por Stephanie Wruck | 13 de diciembre de 2021 | Artículo
Para comenzar nuestra discusión sobre el tema del TIEMPO, hoy traemos el trabajo de la artista Hilma af Klint, quien creó más de 150 pinturas entre los años 1906 y 1915. Estas pinturas fueron llamadas “Las Pinturas del Templo” y consisten principalmente en imágenes de formas abstractas y orgánicas inspiradas en la geometría de la naturaleza. La obra de Klint presenta un mundo más allá del que conocemos; que trasciende su tiempo actual y desafía la forma en que observamos la realidad.
Klint imaginó un templo que albergaría las pinturas y lo describió en uno de sus muchos diarios como un "edificio redondo, donde los visitantes ascenderían por una escalera de caracol en un viaje espiritual". La descripción de Hilma es extraordinaria, ya que describe el Museo Solomon R. Guggenheim en la ciudad de Nueva York, que solo se construiría décadas después y también sería el museo anfitrión de su exposición individual "Pinturas para el futuro" en 2018. Frank Lloyd Wright, el arquitecto del Guggenheim, creó un lugar no tradicional para el arte no objetivo, y tanto él como Klint compartían una afinidad por las formas orgánicas y el simbolismo espiritual que rodea a la espiral. Tanto la visión arquitectónica de Wright como las pinturas de Klint rompieron con la tradición y ofrecieron un nuevo enfoque a la expresión creativa.
El misticismo de Klint involucra muchos intereses en ocultismo, teosofía, espiritualismo y conceptos científicos. Las pinturas del templo sirvieron como testimonio de espíritus superiores y el artista pasó casi una década trabajando en ellas. Sus pinturas abstractas cambiaron el curso de la historia del arte y plantearon la pregunta: ¿cuál es el papel del tiempo en el proceso esotérico de hacer arte?
¿Cómo pueden los artistas manipular el paso del tiempo a través de sus prácticas?
por Stephanie Wruck | 10 de diciembre de 2021 | Artículo
¿Cuál es el papel de la temporalidad en el proceso artístico?
El concepto de tiempo ha estado en el centro de la expresión artística, desde los trazos rápidos de los impresionistas hasta la observación del tiempo en relación con el espacio de Bruce Nauman; el tiempo sirvió como catapulta para el surgimiento de nuevos puntos de vista y como tema para investigaciones más profundas. La forma en que los artistas entienden el tiempo en el contexto de su práctica siempre ha reflejado la dinámica entre el artista y las demandas externas del mundo, ya sea a través de la contemplación o la intervención.
Dado que vivimos en un mundo en constante cambio, extremadamente acelerado y nuestras experiencias sociales están mediadas por demandas frenéticas, ¿cómo afecta la falta o la abundancia de tiempo a la práctica artística?
Algunos puntos principales a considerar:
La temporalidad en el proceso de producción de arte
Primero, es importante pensar en las formas en que el tiempo ha entrado en la práctica artística y cómo los artistas intentan retratar la naturaleza abstracta e invisible del tiempo a través de las artes visuales. En segundo lugar, el acto de contemplar una obra de arte también es intercambiable, ya que la obra misma cambia con el tiempo, adquiriendo nuevas percepciones y significados. Nagel y Wood (2010) argumentaron que las obras de arte siempre “habitan temporalidades plurales”, ya que una obra de arte es realizada por alguien en un momento dado, pero se refiere a ideas o eventos que a menudo precedieron a ese momento, o apuntan a un imaginario. futuro. (Serafini y Bancos).
Práctica artística orientada al portafolio
Mientras los artistas trabajan en condiciones cada vez más limitadas en el tiempo, teniendo que ser autosuficientes y producir obras para formatos y plataformas específicas (un portafolio, un sitio web o redes sociales), ¿queda espacio para sorpresas y experimentación lenta?
A medida que nuestros entornos digitales se vuelven más complejos, la necesidad de producir obras que sean relevantes para los tiempos actuales parece ser la única forma “correcta” de hacer arte. Pero si los temas relevantes cambian constantemente y es imposible mantenerse al día, ¿queda tiempo para permitir que las ideas se desarrollen orgánicamente? ¿Cómo pueden los artistas aprovechar la naturaleza esotérica, ya menudo lenta, del proceso creativo en el mundo actual?
Falta de tiempo para mirar arte.
La falta de tiempo cuando se trata de artes visuales tiene un impacto no solo en el creador, sino también en el espectador. En cuanto al espectador, ¿todavía tenemos tiempo suficiente para ejercicios de contemplación? ¿Cuál es el momento ideal para la experiencia estética?
Estén atentos en las próximas semanas mientras profundizamos en estas preguntas y otras más relacionadas con el tiempo y el arte.
Fuentes:
Nagel, Alexander & Wood, Christopher (2010): Anachronic Renaissance, Nueva York: Zone Books.
Serafini, Paula & Banks, Mark (2020): Vivir vidas precarias, tiempo y temporalidad en las carreras de artes visuales
