por Stephanie Wruck | 9 de octubre de 2023 | Eventos
Dentro de los colores vibrantes y las expresiones contundentes, ingresamos a un universo donde lo imaginado se fusiona con lo concreto, donde los encuentros fortuitos dibujan paisajes de pensamiento y emoción.
En la próxima exposición del Coletivo Amarelo, damos espacio al mundo multifacético del artista y actor Chico Díaz, cuyo arte navega por las misteriosas corrientes de una realidad imaginaria, pintando lo visible y lo invisible con igual pasión y curiosidad.
Inspirándose en la visceralidad de los “encuentros” descritos por João Fiadeiro y Fernanda Eugénio, esta exposición nos invita a explorar “heridas” que surgen de los accidentes, de lo inesperado, y que, en su sutil brutalidad y delicadeza, amplían los dominios de lo posible. y lo pensable.
Tales encuentros, estas confluencias inesperadas, forman el núcleo del trabajo de Díaz, un artista cuya práctica se desarrolla en un diálogo constante entre búsqueda y encuentro, entre percepción y creación.
Chico Díaz, pintor desde pequeño y autodidacta por excelencia, entrelaza las narrativas oníricas con la física de las emociones y la realidad. Su obra no se limita a fórmulas ni preceptos rígidos, sino que fluye, impredecible e inquietante, siempre en busca de nuevos significados, nuevos caminos, nuevos “real-imaginarios” que emergen de su propio inconsciente y del mundo que lo rodea.
Díaz no sólo ilustra, sino que da forma y construye realidades alternativas a través de su arte, invitándonos a sumergirnos en paisajes donde lo místico y lo terrenal chocan, donde rostros misteriosos se fusionan con horizontes alegóricos y tropicales, construyendo un vocabulario visual que oscila entre lo oscuro y lo terrenal. los felices, los ligeros y los deslumbrados. Este es un mundo donde la dicotomía entre lo visible y lo invisible se disuelve, y cada pintura se convierte en un portal a otras dimensiones de percepción y existencia.
zxLa exposición REAL IMAGINÁRIO no es sólo una demostración de la habilidad de Díaz como pintor, sino también una celebración de su capacidad narrativa, una inmersión más profunda en la praxis de alguien que, a lo largo de su vida, contó historias, ya sea a través de la actuación o la pintura.
La diferencia sustancial es que, en la pantalla, sus narrativas rompen con las limitaciones de lo concreto y lo lógico, permitiendo un vuelo libre entre capas de significado y expresión, que emergen tanto de su interior como del mundo que lo rodea.
Vámonos entonces entre los días. 12 de octubre y 10 de noviembre de 2023, en la Casa da Cidadania da Língua, en Coimbra, explorando los rincones de un universo donde lo real y lo imaginario coexisten y cohabitan, no como entidades separadas, sino como aspectos integrados y esenciales de la experiencia humana.
En este espacio, en compañía de obras seleccionadas de Chico Díaz, nos conduciremos por un terreno familiar y a la vez extrañamente nuevo, donde cada pincelada, cada figura, cada color nos invita a reflexionar, sentir y, sobre todo, encontrar. nosotros mismos y perdernos en la inmensidad de lo visible y lo invisible.
En el espacio donde las expresiones de Chico Díaz colorearán nuestras paredes y quizás, nuestras percepciones, con los matices de sus “reales-imaginarios”, esperamos tu visita.
por Stephanie Wruck | 18 de septiembre de 2023 | Eventos
Nuestra tercera exposición se inaugura el 23 de septiembre a las 18 horas en nuestro espacio.
Una exposición individual de Gabriela Albuquerque, curada por Cristiana Tejo. La exposición reúne la serie de obras más reciente de Albuquerque, titulada “Beach House”, junto con otras pinturas de paisajes. Esta es la primera exposición individual de la artista y estará acompañada por Chico Díaz, quien presentará algunas de sus obras en nuestra sala de proyectos: La galería más pequeña de Lisboa.
gabriela alburquerque es un artista brasileño, que trabaja y vive en Cascais. Su investigación actual se centra en paisajes y desarrollos recurrentes más allá de la tradición académica histórica de este género. La repetición casi compulsiva de imágenes busca exaltar la paradoja entre permanencia e impermanencia de nuestro entorno, de aquello que nos es familiar, pero también efímero. La elección de la pintura al óleo como soporte, que sigue una tradición centenaria, cuestiona la continuidad de determinadas prácticas que persisten a pesar de las constantes innovaciones. Las pinturas son más que meros registros de momentos y lugares: también son un intento –tal vez frustrado– de hacer permanente lo efímero.
Chico Díaz es un actor y artista visual mexicano-brasileño actualmente radicado en Río de Janeiro, Brasil. Díaz pasó la mayor parte de su infancia viajando entre Perú, Costa Rica y Paraguay. A los 14 años, Díaz comenzó su carrera como actor y ha estado activo desde finales de los años 1970, apareciendo en varias series de televisión y películas brasileñas. En 2022 ganó el premio al mejor actor en el Festival de Gramado por la película “Noites Alienígenas”. La película se proyectó recientemente en el Festival de Cine FESTIN de Lisboa. Chico Díaz pinta desde pequeño. Su obra conlleva dicotomías expresivas, todas encontradas en narrativas y paisajes oníricos que se refieren al mundo de los sueños. Desde simbolismos espirituales hasta horizontes brasileños, es capaz de diseñar un vocabulario contrastante; oscilando a menudo entre figuras oscuras e imágenes alegres.
¡Nosotros esperamos por ti!
por Stephanie Wruck | 15 de septiembre de 2023 | Artículo
Últimos días para visitar la 8ª edición de Poster Mostra en Marvila
¡La octava edición de Poster Mostra, que comenzó el 20 de mayo, llega a su fin! La exposición al aire libre estará abierta hasta el 20 de septiembre. Fueron 4 meses de arte expuesto en edificios repartidos por las calles de Marvila, un barrio que respira cultura en Lisboa.
Cartel de exposición – Arte al aire libre
Poster Mostra es una exposición pública en las calles de Marvila, uno de los centros culturales más activos de Lisboa. La iniciativa surgió como un homenaje a uno de los medios de comunicación más clásicos, el cartel.
Los carteles creados incluyen fotografía, dibujo, palabra, ilustración o mix media y, como en ediciones anteriores, se seleccionaron un total de 17 ganadores, basándose en la originalidad, el enfoque y la aplicabilidad al formato del cartel.
En total, son 37 artistas, 20 invitados y 17 ganadores, que exponen sus obras en un circuito entre la Rua do Açúcar y el Largo do Poço do Bispo.
Con Poster Mostra, Marvila demuestra una vez más que es un centro rico en cultura, transformando sus calles en una auténtica galería de arte.
Esta no es la única intervención artística presente en el barrio, que cuenta con varias galerías de arte, como Underdogs, vecina del Coletivo Amarelo, y que recientemente contó con una exposición de Shepard Fairey, un famoso artista callejero norteamericano.
¡No pierdas la oportunidad de vivir esta experiencia artística por las principales calles de Marvila!
por Stephanie Wruck | 8 de septiembre de 2023 | Artículo
La reconocida artista portuguesa Helena Almeida se exhibe en el Instituto Moreira Salles de São Paulo. Titulada 'Fotografía habitada, antología de Helena Almeida, 1969-2018', esta es la primera exposición individual de la artista en Brasil. La exposición ya está abierta al público y se realizará en el IMS Paulista hasta el 24 de septiembre.
Helena Almeida: ¿Quién es la artista?
Helena Almeida nació en Lisboa en 1934, donde vivió hasta su muerte en septiembre de 2018.
Su recorrido en el arte ha abarcado diferentes formatos, desde el dibujo, la pintura, la escultura y la performance. Sin embargo, fue en la fotografía donde la artista centró su trabajo. A finales de los años 60, Helena Almeida inició lo que marcaría el resto de su vida como artista, la fotografía, que destacó por su originalidad y espíritu pionero.
La artista también experimentó con el uso de la pintura en sus fotografías, creando obras que marcaron su carrera, como “Pinturas Habitadas” (1975-1977) y “Dento de Mim” (2001).
El artista representó a Portugal en todo el mundo, dos veces en la Bienal de Venecia, en 1982 y en 2005, en la Bienal de São Paulo, en 1979 y 2004 en la Bienal de Sydney. Con esta trayectoria, Helena Almeida se convirtió en una de las principales artistas portuguesas contemporáneas.
En los últimos años, su obra ha sido expuesta en exposiciones individuales como la que se realiza en el Instituto Moreira Salles de São Paulo.
Fotografía habitada, antología de Helena Almeida, 1969-2018
La exposición Fotografia habitada, antología de Helena Almeida, 1969-2018, será la primera exposición individual de la reconocida artista portuguesa en Brasil. Comisariada por Isabel Carlos, curadora de arte contemporáneo e historiadora del arte, la exposición presentará una selección de obras basadas en la fotografía y el dibujo, creadas entre 1969 y 2018.
Las obras abordan temas recurrentes en la producción de Almeida, como el interrogatorio de géneros y procesos artísticos y la autorrepresentación de artistas y mujeres.
En su producción, más que un género artístico o documental, la fotografía es un soporte conceptual de las ideas y procesos de creación. Esta subversión de los límites de las definiciones de la obra de arte, además de la constante reiteración de su condición de mujer artista, actualiza la obra de Helena Almeida, confirmando la relevancia histórica de su papel en una generación que abrió nuevos caminos. y procesos en formas de pensar y articular la relación entre arte y vida.
La exposición estará abierta hasta el 24 de septiembre, de martes a domingo, de 10 a 22 horas, en el Instituto Moreira Salles Paulista de São Paulo.
por Stephanie Wruck | 24 de agosto de 2023 | Artículo
Osias André y Ar.Co – Bolseiros & Finalistas'22
Ar.Co es una escuela de arte independiente que nació en 1973 y que anualmente realiza una exposición que reúne una selección de obras de finalistas y becados del curso escolar. Uno de los artistas del Coletivo Amarelo, Osias André, está entre los seleccionados y podremos ver sus obras en la exposición que se extenderá hasta el 3 de septiembre.
Ar.Co – Becarios y Finalistas'22
La exposición dirigida a los trabajos de estudiantes y becarios de la escuela se llama Ar.Co – Bolseiros & Finalistas'22 y muestra los trabajos realizados en los años 2021 y 2022. En total, son 25 artistas que engloban diferentes departamentos artísticos. , incluyendo Artes Visuales, Dibujo, Pintura, Cerámica, Fotografía, Ilustración y Joyería.
Según el director ejecutivo de la exposición, Manuel Castro Caldas, la muestra anual tiene como objetivo promover la distancia crítica de los expositores y su responsabilidad ante el tejido más amplio de la sociedad y la historia. En cuanto a la escuela, la exposición permite evaluar la pertinencia y eficacia de los cambios y actualizaciones de su pedagogía. Y para los visitantes, la exposición es una oportunidad de experimentar las diferentes artes, alguna vez consideradas “menores” y “mayores”.
Para Ar.Co y Coletivo Amarelo, esta distinción jerárquica entre diferentes formas de arte es algo inexistente. Con la exposición, el público tiene la oportunidad de absorber estas diferentes formas de arte y comprender que no hay mayor ni menor peso.
Osias André y Ar.Co
Osias André, artista mozambiqueño, es uno de los seleccionados para la exposición de este año. El artista tiene una apariencia y expresiones únicas en su arte. Sus obras presentan cuerpos negros en movimiento, casi siempre desnudos, y distintos elementos pictóricos que ayudan a expresar este movimiento, creando una especie de coreografía sobre lienzo.
El artista ya ha expuesto sus obras en otras ediciones de la exposición, obteniendo premios en otras ocasiones.
Además de las obras expuestas en Ar.Co, es posible seguir el trabajo de Osias André en la exposición Confluência do Coletivo Amarelo, que se extenderá hasta la segunda quincena de septiembre.
Ar.Co – Bolseiros & Finalistas'22 se prolongará hasta el 3 de septiembre y estará abierto al público de martes a domingo, de 10 a 13 horas y de 14 a 18 horas.
por Stephanie Wruck | 7 de agosto de 2023 | Artículo
Barbie y la inspiración en la obra de Wayne Thiebaud
Una de las películas más esperadas de los últimos años, el live action de la muñeca más famosa del mundo, Barbie, se estrenó hace menos de un mes y es un éxito de público y taquilla. Desde su anuncio, la película ha generado diferentes expectativas. Después de todo, ¿qué esperar de una película de muñecas?
Dirigida por una de las mujeres más prometedoras en el negocio, Greta Gerwig, la película superó las expectativas de la audiencia y ya superó la marca de US$ 1 billón en taquilla, convirtiéndose en la película más grande dirigida por una mujer.
Ya sea discutiendo el papel de la muñeca en la sociedad,burlándose del patriarcado o hablando de lo que significa ser mujer, la película es mucho más que el live action de una muñeca. Y prueba de ello son las inspiraciones que la directora y guionista utilizó para crear Barbielândia, el mundo ideal donde las Barbies viven y dominan todos los sectores de la sociedad. ¡Una de estas inspiraciones es el artista Wayne Thiebaud!
¿Quién es Wayne Thiebaud?
Wayne Thiebaud es un reconocido artista estadounidense, originario de Mesa, Arizona y uno de los principales nombres del Pop Art! El artista es conocido por sus pinturas de objetos cotidianos y escenas urbanas, a menudo explorando temas relacionados con la comida, en particular los postres.
Thiebaud es mundialmente conocido por su
tu pinceladalos colores llamativos y vibrantes, que otorgan una calidad tridimensional y casi escultórica a sus obras. Su enfoqueEl acto único une el realismo con un toque de humor y exageración, creando imágenes con una mirada cercana a los objetos ordinarios.
Una de sus series más icónicas y conocidas es la pintura de pasteles, tartas y helados, en la que explora texturas y formas de forma detallada y atractiva. Esta serie es una de las inspiraciones que utilizó Greta Gerwig para desarrollar la ambientación de Barbieland.
Wayne Thiebaud y Barbie
Barbieland, el mundo mágico donde viven las Barbies, es una verdadera fantasía. Lleno de rosa, el escenario fue creado y desarrollado en un estudio, sin la ayuda de tecnologías como CGI, por ejemplo. Para ello, Greta y el diseñador de producción de la
película, Sarah Greenwood, usó un pigmento rosa que condujo a una escasez mundial de pintura fluorescente de la marca Rosco. Pero, ¿qué tiene eso que ver con Wayne Thiebaud?
Según Greenwood,el pigmeoSe usó un color específico para crear alrededor de 12 tonos diferentes de rosa, que se usaron en todo el escenario de la película. Este es un resultado directo de la admiración del director Gerwig por el trabajo de Thiebaud. Todavía
según el diseñador de producción, esto proviene del trabajo de Thiebaud, quien nunca usa el blanco y negro en sus pinturas. En este caso, sus sombras fueron realizadas con tonos azules y morados.
El esquema de colores de Barbie siguió este patrón, sin usar tonos negros, blancos o cromados para crear el mundo de fantasía de las muñecas, solo diferentes tonos de rosa.
las diferentes formasde arte
El séptimo arte, más conocido como Cine, siempre ha utilizado paralelismos con las diferentes manifestaciones artísticas existentes. Ya sea en la representación de un plano inspirado en un cuadro, en la iluminación o en los colores. Las artes se superponen para crear un nuevo concepto, un nuevo arte.
Si bien Barbie es un éxito de taquilla mundial y el primer contacto puede parecer fútil para muchos, el trabajo desarrollado por la Dirección de Arte de la película trasciende lo superficial, al enfocarse en detalles que enriquecen la producción.
Además de contar con un guión que se escapa de las expectativas, podemos notar el cuidado por los detalles en el desarrollo de los escenarios principales, la ropa e incluso el cabello del personaje principal, la Barbie estereotipada, interpretada por Margot Robbie. Esto se debe a que la peluca que usó la actriz fue tonificada diariamente con un tónico desarrollado especialmente para la película. La intención era neutralizar el tono amarillento de la rubia y evitar un gran contraste entre el vestuario y el cabello del personaje.
Finalmente, la atención al detalle presente en la Dirección de Arte no hace más que enriquecer el trabajo de Greta Gerwig y refuerza que el arte puede presentarse de diferentes formas y retroalimentarse, inspirando nuevas obras y perspectivas en las más diversas plataformas y formatos. Barbie es solo otro ejemplo de cómo el arte se perpetúa e inspira a nuevos artistas.
por Stephanie Wruck | 29 de junio de 2023 | Eventos
Nuestra segunda exposición “EXPERIMENTO COLECTIVO: CONFLUÊNCIA” se estrena el 8 de julio a las 18 h en nuestro espacio.
La exposición reúne el trabajo de tres artistas de diferentes partes del mundo en un encuentro único en Lisboa. Osias Andre de Mozambique, Gianlluca Carneiro de Brasil y Michael SaintClaire de Estados Unidos. Son continentes y contextos distintos que portan una poética acentuada por sus similitudes. Curada por Cristiana Tejo, la exposición comprende un fondo de colores vibrantes y representaciones figurativas de cada perspectiva geográfica y personal. Osias Andre y Gianlluca Carneiro comparten nuestro espacio de exposición principal, mientras que Michael SaintClaire ocupa la “Minor Galeria de Lisboa” con pinturas producidas especialmente para la exposición. Los artistas dialogan entre sí, presentando pinturas estrechamente vinculadas a sus vivencias y universos artísticos personales.
Ven a brindar con nosotros el sábado 8 de julio de 18 a 21 hs en Marvila.
osías andré
Gianlluca Carneiro
Miguel Santa Clara
por Stephanie Wruck | 15 de junio de 2023 | Artículo
Diría que mis primeros encuentros con fanzines solo sucedieron por mi profunda admiración y entusiasmo por el punk rock. Aunque no he vivido para reproducir una copia del zine Maximum Rocknroll o ver en vivo la impresionante estética punk de copiar y pegar del primer número de Search & Destroy , siempre he estado bajo el fascinante hechizo de las publicaciones impresas independientes. Hay algo especial que decir acerca de la energía impulsiva de los creadores de fanzines al producir algo impulsado por la pasión, la ira o la rebeldía, sin mucha preocupación por hacer dinero, pero queriendo principalmente sacar lo que viene de adentro.
Cuando nació el Colectivo Amarillo, había mucho que expresar. Los artistas no solo tenían trabajo que mostrar, sino también cosas que decir. Sabía que íbamos a necesitar encontrar una manera de contar estas historias, y el espacio digital no iba a ser suficiente. Tal vez fue un intento de encajar el arte bajo las pautas del mundo del bricolaje, y estaba muy emocionado de ver qué saldría de eso.
El papel es una revolución en sí mismo. A medida que nos movemos entre los rincones de Internet, estos ciberespacios están en constante construcción. Todo sucede rápido. Sucede ahora. El papel, en cambio, tiene más tiempo. Es una digestión más lenta. Una invitación a la intimidad. Nos obliga a quedarnos más tiempo.
Nuestro "catálogo-carpeta-folleto-recopilación de historias-publicación de revistas" nació para ser coleccionable, reutilizable y palpable. Cada exposición que se celebre en nuestra galería tendrá su propio capítulo. Le invitamos a recopilar cada capítulo agregándolos a su copia del catálogo. Es un baile modular, una celebración del trabajo impecable de los diseñadores gráficos, un esfuerzo colectivo de un grupo de artistas. Es un compromiso rebelde pero muy romántico, impregnado de la naturaleza nostálgica y seductora de los materiales impresos.
Nuestro catálogo está disponible en nuestro sitio web para su compra. Durante nuestras exposiciones, distribuiremos los próximos capítulos. Asegúrese de tener su copia del catálogo para que pueda recopilar cada capítulo.
¡Vivo! ¡Hasta la próxima!
por Stephanie Wruck | 10 de mayo de 2023 | Eventos
Tenemos el placer de invitarle a la inauguración de nuestro espacio físico en Lisboa, el día 20 de mayo, de 18h a 21h en Rua Capitão Leitão 74
ESPERANZA: JERUSA SIMONE
Inicialmente en el ámbito virtual, la plataforma abre su espacio físico en el barrio de Marvila, el 20 de mayo, con la exposición Oxalá, la primera exposición individual en Lisboa de la artista portuguesa Jerusa Simone. Curada por Cristiana Tejo, la muestra comprende pinturas recientes que enfatizan signos recurrentes en sus obras, como el fuego, el ojo, cuerpos disidentes, en un ambiente onírico que evoca recuerdos personales de la artista.
Las exposiciones del espacio del Colectivo Amarelo son como capítulos de una historia que se va desentrañando poco a poco invitando al visitante a volver a seguirla. Simultáneamente, se realizarán ocupaciones en la Menor Galeria de Lisboa, una sala de Proyectos que recibe artistas pertenecientes al colectivo y artistas invitados. La galería más pequeña debuta con Veridiana Leite, artista brasileña afincada en Lisboa, que explora paisajes visitados e imaginados en sus pinturas en composiciones pictóricas que entrelazan abstraccionismo y figurativismo y seres humanos y no humanos. Sus lienzos a menudo se expanden a instalaciones y objetos.
Ahora estamos comenzando un nuevo capítulo para el Colectivo Amarillo. Las obras de arte son una parte vital de la sociedad y esperamos cerrar la brecha entre el arte y el público ofreciendo experiencias creativas genuinas. ¡Ven a brindar y celebrar con nosotros la vibrante atmósfera artística de Marvila!
por Stephanie Wruck | 20 de marzo de 2023 | Eventos
El día 22 tendrá lugar la Bienal Internacional del Alentejo. La edición del evento, que tendrá lugar del 22 al 26 de marzo de 2023, en Estremoz, contará con la presencia de más de 140 artistas nacionales e internacionales, provenientes de 15 países, para garantizar la diversidad de modelos y técnicas de expresión artística .contemporáneo Entre tantos artistas, Gabriela Albuquerque, socia fundadora del Colectivo Amarelo, tuvo una de sus obras seleccionada para la exposición.
Paisaje inútil VI, 2021, Gabriela Albuquerque
gabriela alburquerque
Gabriela Albuquerque es una artista brasileña que busca representar artísticamente su experiencia en diferentes contextos. Su formación inicial es en Letras en la Universidad de São Paulo, pero pronto incursionó en el campo de las artes visuales cuando se graduó en Crítica y Curaduría en la PUC-SP. Posteriormente, trabajó brevemente como curadora y crítica de arte en la ciudad de São Paulo.
La artista se mudó a Washington DC, la capital de los Estados Unidos, y comenzó su formación práctica como artista visual en la escuela Art League de Alexandria, Virginia. Todo ello sin abandonar su campo de crítica y curaduría, participando activamente en grupos, encuentros y talleres promovidos por la Institución Smithsonian y la Galería Nacional de Arte.
Después de tres años viviendo en Virginia, Gabriela Albuquerque se mudó a Seattle, en el estado de Washington. En la nueva ciudad ingresó a la Gage Academy of Art donde continuó su formación artística.
Actualmente, Gabriela vive en Cascais, Portugal. La brasileña terminó su formación en Pintura en el centro de estudios Ar.CO y actualmente forma parte del grupo de estudio y seguimiento crítico NowHere, bajo la dirección de la curadora Cristiana Tejo.
La Bienal Internacional del Alentejo
La primera edición de BIALE está organizada por ARTMOZ con el apoyo de la Municipalidad de Estremoz, Dirección Regional de Cultura de Alentejo y tiene como socios la Bienal Internacional de Artes de Cerveira y la Sociedad Nacional de Bellas Artes. Entre las obras de artistas internacionales y nacionales, hay obras que incluyen pinturas, dibujos, acuarelas, esculturas, cerámicas y fotografías.
El evento comienza el 22 de marzo con la inauguración prevista para las 18:30 horas. El domingo 26 de marzo tendrá lugar la sesión de clausura de la Bienal Internacional do Alentejo.
Te invitamos a asistir a este evento y aprovechar la oportunidad de ver obras de artistas de 15 países. Incluida la brasileña Gabriela Albuquerque, nuestra socia fundadora.
por Stephanie Wruck | 6 de febrero de 2023 | Artículo
Es imposible negar que el arte y la política están entrelazados. Ya sea por la voluntad del artista de expresar su posición o por su ausencia, de una forma u otra, el arte transmite un mensaje político. Una de las voluntades inherentes al ser humano que motiva esta manifestación es la aspiración a la libertad. En el contexto histórico brasileño esto no sería diferente. Después de todo, la práctica de hacer arte en Brasil es, en sí misma, un acto político. Con eso en mente, en el artículo de hoy vamos a abordar la intersección entre el arte y la política en el trabajo de los artistas brasileños y su impacto en el país.
¡El arte es política!
¡El arte es y ha sido siempre una expresión política! Incluso es posible analizar esta conexión en diferentes momentos históricos. Ya sea en el Renacimiento, cuando las pinturas se encargaban y ejecutaban según la posición política del comprador. Sea en un momento dictatorial en el que se censura el arte. El arte es política y la expresión artística tiene una fuerza, sea intencional o no.
Al crear una obra de arte, el artista puede optar por hablar en contra del sistema, en contra de la opresión y en contra de las normas obsoletas de la sociedad, por ejemplo. Hay una infinidad de ubicaciones que un artista puede emplear en su obra. Así como también hay artistas que no buscan expresar una posición política, sin embargo, la ausencia de expresión es una posición en sí misma.
Al contrario de lo que mucha gente piensa, la conexión entre arte y política no tiene por qué tener un carácter panfletario. Es decir, apoyar una idea de forma radical y masiva. El simple hecho de que ciertos artistas se expresen y demuestren su realidad en sus obras es un acto político.
Cuando hablamos de arte y política, también es común que la sociedad entienda esto como una imposición de adoctrinamiento al espectador. Sin embargo, la realidad demuestra que se trata de un pensamiento superficial y sin mucho fundamento. Después de todo, el arte es subjetivo e interactúa con cada individuo de manera diferente. Son varios los estímulos e impactos que la expresión artística provoca en el observador y su interpretación depende de su bagaje cultural, político y social.
Arte y política en el contexto brasileño
En Brasil, un país rico en cultura y diversidad, el arte es una fuerte herramienta política. Para ilustrar esto, dibujamos una línea de tiempo con diferentes artistas y sus impactos en la sociedad brasileña.
Almeida Júnior – Caipira picando tabaco
El artista vivió en el siglo XIX, más precisamente entre 1850 y 1899. A Almeida Júnior se le suele asociar con una palabra que puede verse como peyorativa: “caipira”. Esta relación proviene de su representación del pueblo brasileño en su pluralidad, centrándose en la gente “común” y evitando la representación de los ilustres y aristocráticos, como era habitual.
Oswald de Andrade - Manifiesto Antropofágico
La década de 1920 es un hito histórico para el arte brasileño. Hace 101 años se llevó a cabo la Semana de Arte Moderno, dando inicio al movimiento modernista en el país. Unos años más tarde, en 1928, Oswald de Andrade publicó su Manifiesto Antropofágico. Inspirándose en las ideas del artista y activista político Filippo Tommaso Marinetti, creador del futurismo en el arte, Andrade fundó un movimiento histórico.
El artista publicó su manifiesto en la revista Antropofagia, de São Paulo, con el objetivo de “tragar” técnicas e influencias de otros países. De esta manera, Oswald de Andrade impulsó la creación de una nueva estética artística brasileña.
El movimiento tomó su nombre de promover el “canibalismo” de la cultura extranjera. Después de todo, la cultura extranjera influyó mucho en el arte brasileño. El objetivo del artista era promover una identidad brasileña nueva, multicultural y original, así como a su gente.
Tarsila do Amaral – Abaporu
Una de las pinturas más famosas de la aclamada artista brasileña, Abaporu dialoga directamente con la obra de su esposo, Oswald de Andrade, en el Manifiesto Antropofágico.
La pintura presenta a un hombre sentado con extremidades desproporcionadas, con manos y pies agrandados y una cabeza diminuta en comparación con el resto del cuerpo. Además, el sol en el centro del cuadro y la representación de un cactus refuerzan la idea que podemos entender del cuadro.
La obra es vista como una crítica al trabajo físico, agotador y con poco pensamiento crítico, representando la realidad de gran parte de la población de la época. El cuadro fue pintado en 1928 y marca la etapa antropofágica del artista, que se prolongó hasta 1930.
Arte y política durante la Dictadura Militar en Brasil
Durante los años 1964 y 1985, Brasil pasó por la Dictadura Militar, un período oscuro y represivo. Fueron casi 30 años de opresión militar y los artistas, por supuesto, fueron una de las grandes clases afectadas, perseguidas y censuradas por la dictadura.
El arte como política no se ha callado, al contrario. Incluso viviendo en una época de censura, muchos artistas utilizaron su trabajo a favor de la libertad de expresión, que fue cada vez más silenciada.
Separamos a algunos de los artistas que se destacaron en la lucha contra un sistema opresor y dictatorial:
Cildo Meireles - Cambio rojo
Cildo Meireles es un artista brasileño conocido por su trabajo pionero en la creación de instalaciones de arte en el país. Durante la dictadura, el artista demostró una fuerte posición política, que podemos analizar en su instalación “Desvio para o Vermelho” (1967 – 1984). La instalación está marcada por estas dos fechas ya que marca el año de su concepción (1967) y el año de su primer montaje (1984).
La obra se divide en tres salas pintadas de rojo y articuladas entre sí. En el primer ambiente, Impregnación, nos insertamos en una sala blanca repleta de muebles y obras en tonos rojos. Esto se contrasta en la penumbra de Entorno, el segundo ambiente, donde es posible observar una botella volcada, con un líquido rojo fluyendo en un ambiente totalmente oscuro. En el último ambiente, Desvio, el sonido del agua corriendo guía al espectador a una habitación completamente oscura. La oscuridad solo se ve interrumpida por un fregadero funky, donde fluye agua roja, creando sonido.
Hélio Oiticica – Tropicália
Tropicália es un término creado por el artista Hélio Oiticica y representado en una instalación expuesta en la muestra Nova Objetividade Brasileira, realizada en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro en 1967. La obra es un ambiente compuesto por Penetráveis, PN2 (1966) – Pureza É a Myth, y PN3 (1966-1967) – Imaginería. Esta fue la obra que inspiró la creación estética del movimiento tropicalista entre las décadas de 1960 y 1970.
La obra es rica en elementos propios de la cultura popular brasileña, como arena, tierra, plantas tropicales, tejidos, entre otros. Todos estos elementos juntos subvirtieron el orden estético del modernismo europeo.
Anna Maria Maiolino – “Lo que queda”
A través de un trabajo político y provocador, la artista ítalo-brasileña Anna Maria Maiolino exploró diferentes materiales y medios de expresión. Durante los períodos dictatoriales, las preguntas siempre presentes eran: “¿Cómo hablar? ¿Cómo comunicar en tiempos de dictadura?”.
Estas dudas se expresan en la obra del artista, como la fotografía “O que Sobra” (1974), que muestra a una mujer con la lengua expuesta entre unas tijeras. ¡A través de su arte, la artista cuestiona!
Adriana Varejao
El artista tiene una visión y un trabajo únicos. Su obra parte de una pregunta: “¿Y si las paredes tuvieran vísceras, músculos y sangre?”. Adriana Varejão se encuentra entre los nombres más importantes del arte contemporáneo brasileño y tiene un pabellón dedicado a su obra en Inhotim, el museo al aire libre más grande del mundo, ubicado en Brumadinho, Minas Gerais.
Sin embargo, su obra no se limita a la idea de muros que simulan entrañas humanas. En sus obras expuestas en Inhotim, la artista critica las heridas dejadas por la historia brasileña.
regina parra
La artista expresa su arte a través de la pintura, la fotografía y el video, con un fuerte carácter político vinculado a temas de actualidad sobre el feminismo y la supervivencia en un universo aún misógino y sexista. Regina Parra aborda en sus obras temas como la opresión, la insubordinación y la resistencia femenina.
Arte y política en el escenario actual de Brasil
La política brasileña ha sido disruptiva, por decir lo menos. Fueron cuatro años de un gobierno que estuvo abiertamente en contra de la expresión artística. El Ministerio de Cultura se extinguió justo al inicio del mandato del expresidente, se desechó el sector audiovisual y se desestimuló el arte.
El año 2023 comenzó con el cambio de este gobierno, pero la transición no ha sido fácil. El actual presidente de Brasil, Luís Inácio Lula da Silva, asumió el cargo el 1 de enero y, apenas una semana después, simpatizantes del expresidente invadieron los edificios de los tres poderes en Brasilia. Los atentados terroristas perpetrados por un grupo articulado dejaron un escenario desolador.
La propiedad pública del país fue destruida o dañada, incluidas obras de arte de valor incalculable. Entre las pérdidas se encuentra el cuadro As Mulatas, de Di Cavalcanti. Se trata de un panel horizontal con gran énfasis en cuatro figuras femeninas trabajando superpuestas a un gran paisaje. Son mujeres de piel morena, mestizas y mulatas.
En esta pintura, la artista utiliza la misma lógica de Almeida Júnior, que es dar protagonismo a figuras marginadas y socialmente oprimidas, pero que son el núcleo del funcionamiento de nuestro tejido social. Estimada en R$ 8 millones, la obra en cuestión estaba en el Gran Salón del Palacio del Planalto y tenía siete rasgaduras en su lienzo.
Además de la aclamada obra de Di Cavalcante, varias obras de arte fueron golpeadas y destruidas en los ataques terroristas del 8 de enero de 2023.
¡La destrucción de este patrimonio por parte de los extremistas demuestra que el arte es político! Demuestra que el arte es realmente necesario. Después de todo, la realidad brasileña expresada con la intención de hacer frente genera malestar incluso en los más laicos. El arte es político y siempre lo será, sin importar cuántas fuerzas opuestas surjan.
por Stephanie Wruck | 6 de enero de 2023 | nuevo artista
Coletivo Amarelo se enorgullece de traer a otro artista increíble a nuestro repertorio. Shikha Baheti Lohia es una artista india con una visión y un arte únicos.
Conoce a Shikha Baheti, una artista que expresa sus experiencias a través del arte botánico y la tinta negra
Las obras de Shikha Baheti son un resumen visual de sus reflexiones y principios sobre facetas de la naturaleza que no son solo estéticas, sino existenciales. Después de todo, el tiempo y la experiencia, la sabiduría y la vejez, la muerte y la supervivencia son partes intrínsecas del proceso de vivir.
Una artista emergente de Hyderabad, capital del estado de Telangana, Shikha creó diseños botánicos abstractos que asimilaban los aspectos fisiológicos de la supervivencia, la edad y la sabiduría, utilizando las flores como tema de su trabajo. El artista deconstruye la flor para exponer sus aspectos primordiales de reproducción, hambre y supervivencia.
Trazando paralelismos con la mayoría de edad después de convertirse en madre, Shikha mira más allá de la belleza y la fragilidad con las que a menudo se asocian las flores y las ve como un faro matriarcal de sabiduría, determinación y resiliencia. Su uso de la tinta negra se inspira no solo en su formación académica, sino también en el hecho de que el blanco y el negro lo abarcan todo y, en su opinión, los colores más puros, humildes y verdaderos.
Actualmente, el artista se exhibe con dos exposiciones, una en el Art Mela y otra en The Holy Art Gallery, en Londres, una galería dedicada a artistas emergentes.
Es un honor dar la bienvenida a Shikha Baheti al Colectivo Amarillo.
La representación de las flores en el arte femenino
Shikha Baheti no es la primera mujer en utilizar la representación de flores en su arte. Seleccionamos a cuatro artistas mujeres que, a lo largo de su carrera, representaron las flores en su visión artística.
Georgia O´Keeffe
La artista estadounidense es conocida por sus pinturas poéticas de diferentes especies de flores y es considerada una de las principales figuras femeninas de la historia del arte.
Su uso del color y las formas orgánicas de las flores aportan un aire femenino y delicado que también proviene del gran interés de la pintora por la música. Las flores han aparecido en sus pinturas desde 1918, pero no fue hasta 1924 cuando pintó su primera flor ampliada. Entre 1918 y 1932, el artista realizó más de 200 cuadros de todo tipo de flores: rosas, petunias, amapolas, camelias, girasoles, etc.
Canna roja, Georgia O'Keeffe
marianne norte
Marianne fue una bióloga inglesa, también conocida por sus pinturas de flores, plantas y paisajes naturales. Su trabajo ha capturado de manera notable e increíblemente precisa los detalles más profundos de la botánica.
En 1870 viajó a Brasil, donde pasó 8 meses produciendo más de 100 pinturas a partir de la observación del ecosistema y la fauna que allí encontró. Esta pasión por los paisajes y la pintura llevó a la artista a recluirse en una cabaña en el bosque, donde pintó al óleo los paisajes que encontraba.
Flor de Pascua o Flor de Pascua, Morro Velho, Brasil, Marianne North
Ana Atkins
Botánica y fotógrafa, Atkins fue la primera artista en publicar un fotolibro con imágenes, además de ser una de las primeras fotógrafas. Anna produjo cianotipos, que son imágenes impresas en azul, en el caso de la artista, de flores y plantas. Sus monturas fueron revolucionarias para la época. En ellos, el artista colocó plantas sobre papel fotográfico, produciendo delicados fotogramas. ¡Lo sorprendente de este proceso es que se realizó en 1850!
Cystoseira fibrosa Cystoseira, alga británica de Anna Atkins
Hilma de Klint
La sueca Hilma af Klint es considerada una pionera del arte abstracto. A mediados de la década de 1890, el artista realizó algunos estudios botánicos y los trasladó a dibujos detallados en acuarela y grafito sobre papel.
Entre los años 1906 y 1915, Hilma creó más de 150 pinturas.
Sobre la contemplación de flores y árboles, Hilma af Klint
Shikha Baheti recorre su camino para unirse a estos grandes artistas como una mujer que utiliza las flores para representar toda la complejidad de su existencia. El Colectivo Amarelo está muy orgulloso de ser parte de esta historia. Compra las obras exclusivas de Shikha ahora.
