Gianlluca Carneiro e a educação artística como um coletivo

Gianlluca Carneiro y la educación artística como colectivo

por | 22 de noviembre de 2022 | nuevo artista

¿Cómo aprender sobre arte? Este tema un tanto subjetivo lo aborda uno de los artistas más nuevos en incorporarse al Colectivo Amarelo, Gianlluca Carneiro. El artista y docente brasileño está directamente involucrado con proyectos de ciudadanía y ética, y dentro del aula ha encontrado formas de introducir a sus alumnos a la política a través de la educación a través del arte.

Conoce a Gianlluca Carneiro y su visión sobre la educación artística

En su portafolio, Gianlluca comparte un poco de su historia. Nacido en Minas Gerais, Brasil, el artista visual también es profesor de historia en la red municipal de Cariacica, en Espírito Santo. Además, Gianlluca tiene una Licenciatura en Derecho y estudió arte y educación en CEFART en Belo Horizonte.

Desde muy temprana edad, más precisamente a partir de los 6 años, Gianlluca se demostró como artista a través de la pintura. Desde entonces, su carrera abarca más de 20 años, llevando su arte a diferentes exposiciones en Minas Gerais, São Paulo y Espírito Santo. Sin mencionar las publicaciones en revistas y exposiciones de renombre nacional e internacional, como su obra “Humor Azul, Coração Azul”, que fue finalista en la Feria de Arte de Doncaster.

Gianlluca Carneiro llama a su universo artístico Cabeça Vazia, un juego del dicho popular “la cabeza vacía es taller del diablo”. En sus propias palabras: “Lo importante es que esta cabeza vacía está llena y ocupada produciendo obras con colores, trazos y composiciones coloridas y caóticas siempre sustentadas en la crítica a las estructuras políticas y sociales y al modo de vida contemporáneo”.

El artista contemporáneo se alinea con las más recientes discusiones presentes alrededor del mundo. Uno de ellos es la importancia de repensar el actual sistema de educación artística.

 

documentos 15

Documenta es una de las mayores exposiciones de arte contemporáneo del mundo y tiene lugar cada cinco años en la ciudad de Kassel, Alemania. La exposición fue creada en 1955 por Arnold Bode, en la Alemania de posguerra. Parte de su motivación vino de la necesidad de volver al arte prohibido por el nazismo y de reintroducir al país en las últimas tendencias internacionales. Desde entonces, la exposición Documenta 15 se ha convertido en una gran institución en el mundo del arte.

En 2022 tuvo lugar la 15ª edición de la exposición, curada por el colectivo ruangrupa de Yakarta, Indonesia. El colectivo basa Documenta en los valores e ideas de un término muy común en Indonesia, lumbung, que significa algo así como “granero comunitario de arroz”. La idea de utilizar este término como modelo artístico y económico se basa en principios como la colectividad, la construcción conjunta de los recursos y su justa distribución.

En esta edición resuenan varios puntos y uno de ellos dialoga directamente con el arte y el posicionamiento activo de Gianlluca Carneiro, que es repensar las estructuras de la educación artística contemporánea. En la exposición, esto se traduce desde la idea de lo colectivo y cuestiona ¿por qué no podemos aprender unos de otros, rompiendo paradigmas, como la figura de autoridad del docente?

Esta idea de transformar la educación se expresa en Documenta 15 a través del arte de *foundationClass, un colectivo formado en 2016 en la Weißensee Kunsthochschule Berlin (KHB). El colectivo surgió como una plataforma educativa para el arte y un conjunto de herramientas creado para facilitar la vida de los inmigrantes afectados por el racismo en Alemania.

Para profundizar en este concepto de educación artística colectiva y conocer mejor al artista, el Colectivo Amarelo realizó una entrevista a Gianlluca Carneiro. Lea un extracto de nuestra conversación, que abrimos con un discurso del artista que unifica todo este pensamiento detrás de la educación artística y este potencial sin explotar.

Gianlluca: Veo mucho potencial artístico entre mis alumnos que no está tan explorado dentro de la escuela y yo, como docente y artista, trato de acercarles eso en todo momento. ¿Traer qué? Aportar ideas para despertar algo en ellos, desmitificar esa idea de que el arte solo está en el museo, cuando en realidad hacemos arte todo el tiempo. Y utilízalo para debatir política.

Colectivo Amarillo: ¿Hay obstáculos dentro de la escuela para traer estos nuevos modelos? ¿Qué es la resistencia?

Gianlluca: Lo más loco de todo esto es que yo soy parte de un proyecto llamado Ensina Brasil, dirigido a zonas de vulnerabilidad social, y por casualidad terminé en una escuela donde hay militares. Por un momento pensé que esto sería un estorbo, pero logro traer el tema de la política de una manera más profunda, sin discursos superficiales y también sin partidismos. Pero hacer esto usando el arte incluso hace que el proceso sea más fácil dentro de la escuela, por increíble que parezca.

Colectivo Amarillo: La figura del docente es un lugar de comodidad, de seguridad, donde “no hay preguntas tontas”, un espacio menos intimidante… Tú, como docente, ¿qué consejo le darías a quien quiere empezar a hacer arte, conoce más arte, pero no sabes por dónde empezar o tal vez te da vergüenza?

Gianlluca: El desapego por el arte a veces viene de lenguajes muy complejos, nos cuesta presentar a la gente… Te pongo un ejemplo de algo que me pasó esta semana. Tuve un concurso de arte en la escuela, recalqué que habría un premio, pero que no era para fomentar esa competitividad agresiva, sino para estimular la creación.

Un estudiante mío de educación especial, tiene un ojo de vidrio, baja visión y ganó la competencia de dibujo. Era un stand afuera, su sonrisa era algo increíble. Otra estudiante, con muy baja autoestima, ganó el concurso de pintura y nunca pudo ver lo que estaba haciendo. Siempre diciendo que todo lo que hacía era una mierda*… Esto me demostró una vez más que el arte es lo que hacemos de la manera más genuina posible.

El camino para empezar sí que es complicado, pero hoy tenemos tantas formas nuevas, colectivos como el Coletivo Amarelo, propuestas alternativas, lugares que nos acogen más abiertamente y que nos animan a hacer cosas. Esto es para los que están empezando a hacer arte, a consumir, a vivir de ello. Por banal que sea, el secreto está en lanzarse de lleno.

Colectivo Amarillo: Eso que dijiste, de tener hoy acceso a tantas herramientas e información, a veces también asusta. Porque tal vez hace que la persona esté un poco sin saber por dónde empezar o sin entender dónde encaja en todo esto... Y acabamos olvidándonos de que el hacer artístico es un proceso que lleva tiempo, que lleva tiempo, un proceso muy lento. digestión. El proceso del artista de estar recluido allí, “esperando que suceda algo”, es extremadamente solitario a veces y súper confuso.

Gianlluca: Es un proceso que lleva mucho tiempo. Y no lo hacemos por una galería, lo hacemos porque hay que hacerlo. Estoy un poco loca… tengo mi cuaderno de bocetos, mis garabatos… y vienen las ideas, los colores, las formas, ya partir de ahí experimento. La mayoría de las veces no llega a donde quiero. Hay capas que se acumulan y, no tengo miedo, no planifico demasiado, soy más una persona de acción.

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JERUSA SIMONE E A MULHER NO SURREALISMO

JERUSA SIMONE Y LA MUJER EN EL SURREALISMO

por | 10 de noviembre de 2022 | nuevo artista

El Coletivo Amarelo está en constante crecimiento y estamos orgullosos de presentar a otra artista que formará parte del colectivo, Jerusa Simone. La artista portuguesa, que ahora vive en Zúrich, tiene una mirada única reunida a lo largo de su vida y expresada a través de su arte. Al tratar de recrear recuerdos y emociones, la obra de Jerusa dialoga con el surrealismo.

Conoce a Jerusa Simone, una artista que recrea momentos y vivencias a través del surrealismo

El arte de Jerusa Simone se basa principalmente en sus experiencias personales diarias, emociones y recuerdos recurrentes. Durante su proceso, la artista suele trabajar a partir de dibujos ingenuos que surgen de fondos abstractos desprovistos de una idea preexistente. Así, Jerusa asume la pintura como un acto basado en movimientos espontáneos y elecciones intuitivas.

Este origen del arte en el subconsciente y el intento de recrear recuerdos está directamente ligado al surrealismo, expresado a través de sus creaciones. Sus objetos toman formas basadas en la sutileza y las líneas informales, formando figuras humanas, reproduciendo signos visuales familiares, junto con una cierta extrañeza.

Con el fin de estimular visual e intelectualmente al espectador, todo el trabajo del artista consiste en reconstruir la conexión entre símbolos, significados, colores y texturas, independientemente del medio utilizado.

Jerusa Simone es originaria de la ciudad de Oporto, en Portugal, pero hoy vive en Zúrich, Suiza. El artista se graduó en artes plásticas en la Escuela Artística de Oporto y en la Accademia di Belli Arti di Roma.

En los últimos años, Jerusa ha explorado distintos soportes de la pintura a través del videoarte. Con eso, tuvo la oportunidad de exponer internacionalmente en diferentes contextos y lugares, como Portugal, Italia, Arabia Saudita, Inglaterra, Grecia, España, Estados Unidos y, recientemente, en su país anfitrión, Suiza.

La mujer y el surrealismo

Este año, la Bienal de Venecia celebró su 59ª edición y, por primera vez en 127 años, exhibió artistas en su mayoría mujeres. En esta edición, la Bienal abordó los misterios del subconsciente humano y su surrealismo desde la perspectiva de las mujeres artistas.

Curada por la italiana Cecília Alemani, la exposición exploró temas que orbitan la imaginación de diferentes realidades, el universo de los sueños y nuevas percepciones sobre lo que significa ser humano. Además, vinculó la influencia de la tecnología en la creación de nuevos seres y el rescate de nuestra imaginación como niños.

La obra de Jerusa, por su parte, está íntegramente ligada al tema de la exposición. Esta relación está marcada principalmente por el intento del artista de revivir los recuerdos a través de la pintura. Al realizar este ejercicio de memoria, el artista crea escenarios extraños, pero un tanto familiares para el espectador.

Acompañando esta corriente de mujeres en el surrealismo, Jerusa Simone crea algo surrealista en medio de los tiempos confusos e intensos que estamos viviendo.

Para darle la bienvenida al Coletivo Amarelo y unir su visión única con la nuestra, realizamos una entrevista con la artista. Lee un extracto de nuestra conversación y conoce un poco más sobre Jerusa Simone, una mujer que utiliza sus experiencias y el surrealismo para expresar su arte.

Colectivo Amarillo: Sobre el cuadro “Memorias de un futuro partido”, es interesante el chiste que haces con las palabras: “memoria” siendo algo que se refiere a un pasado, de algo que aún no ha sucedido, que está en el futuro. Hay cierto intento de manipular el tiempo, el tráfico… hablemos un poco más de esta obra, ¿cuál fue el proceso de creación detrás de ella?

Jerusa Simone: Básicamente, esa pintura se hizo en un momento de transición muy específico, estaba en Italia, a punto de mudarme a Suiza. Este sentimiento es muy extraño, pero ya era conocido. Una zona que ya sabía más o menos a la que me iba a enfrentar. Tratando con la escena de lo nuevo y lo viejo, esta dualidad. El cuadro se divide en dos partes: la parte superior con elementos relacionados con la columna italiana. Este cuerpo casi obeso, que está inspirado en la obra de Lucien Freud. Miré ese cuerpo, y quise traer esa idea de la belleza y la fealdad, y darle nuevamente espacio a la mujer, sin hipersexualizar el cuerpo femenino, pero trayendo otros cuerpos. Quería verme representado. Siempre tuve muchos problemas conmigo mismo, así que mirando las pinturas de Freud, pensé: "Wow, esto es grotesco, pero tan hermoso". Estos cuerpos marginados, casi en confrontación, obligan a la audiencia a mirar. Y el cuerpo siempre tiene un contorno rojo, y siempre está en las esquinas, pero siempre ahí. La posición refleja esto, esta fase de cambio, de miedo. Es un lugar familiar, pero da miedo.

AQUÍ: Tiene una cualidad de ensueño, que nos despertamos y el sueño es muy claro, ya medida que pasa el tiempo, los detalles del sueño se desvanecen. Y tu obra tiene esa característica de la memoria que es un poco borrosa. ¿Cómo es hacer una pintura que refleje tu momento presente y luego, años más tarde, volver a visitar esa misma pintura y mirar hacia atrás a esos recuerdos, un poco borrosos, con esa cualidad onírica? ¿Algo cambió?

Jerusa Simone: Mirándolo ahora, puedo sentir todas mis motivaciones, recuerdo todos los elementos que agregué, que eliminé… y ahora, en este momento, estoy donde quería estar cuando hice esta pintura. Llevo dos años en Suiza, pero mientras tanto he superado mi miedo que estaba muy presente en este trabajo. Ese elemento de poner la mano en el fuego es algo que uso mucho, es casi un autorretrato, me pongo en peligro, pero no puedo evitarlo. Una escena de autosabotaje, de transición, de dejar algo atrás.

AQUÍ: Esta pintura ilustra un evento de transición personal tuyo, donde te mudaste de un lugar a otro y colocaste los elementos que estuvieron presentes en ese proceso. Pero a pesar de que esta fue una sección específica de tu vida, puedo mirarla y verme allí de alguna manera, tal vez en alguna transición por la que pasé, pero lo hago a través del sueño de otra persona. Casi como si hubiera visitado el sueño de otra persona. ¿Crees que esto es parte del surrealismo femenino?

Jerusa Simone: Tenía que descubrir este pequeño nicho (surrealismo femenino), que es este juego que juego con varios elementos, este intercambio de significados de los elementos que uso, y a medida que pasa el tiempo y voy acumulando nuevas experiencias, las cosas se van borrando y transformando Así que mi trabajo hace que este juego sea casi como un rompecabezas...

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